Moolaadé (2004)

Reseña: Como ya he comentado en otras ocasiones, generalmente me resulta atractivo ver películas que transcurren en remotas partes del mundo (desde mi punto de vista), pues, más allá de sus atributos artísticos, nos permiten atisbar culturas y formas de ver el mundo diametralmente opuestas a las nuestras. Eso me ocurrió con Mooladé, la cual retrata una tribu africana (la cinta es de producción mayoritariamente senegalesa, aunque fue rodada en Burkina Faso), y los esfuerzos de una mujer para evitar que unas niñas sean sometidas al rito de la ablación (es decir, la mutilación de sus clítoris), el cual es una práctica usual en algunas partes de ese continente. En lo que respecta a Mooladé como obra artística, me dejó con sensaciones encontradas.

Para empezar, algunas segmentos durante la parte media de la cinta se me hicieron aburridos. Tras establecer las cosas de manera clara y elocuente durante el primer acto, el segundo se estanca un poco con varias escenas que no contribuyen nada particularmente sustancioso, lo cual ocasionalmente retó un poco mi paciencia. Entiendo que sería ridículo esperar entretenimiento fácil en una película como esta, pero hubiera agradecido un poco más de dinamismo y concisión en algunos momentos.

Sin embargo, durante el último tramo, Mooladé ofrece algunas escenas increíblemente poderosas e impactantes, las cuales compensaron con creces el ocasional tedio que había experimentado previamente. Las actuaciones son fenomenales, carente del más mínimo artificio y transmitiendo emociones de la manera más realista posible. Por último, aprecié mucho que Mooladé no ofrezca simplistas divisiones entre héroes y villanos; simplemente tenemos personas con diferentes puntos de vista, y cada uno está fuertemente influido por la cultura e ideología que les fue inculcada durante toda su vida.

Entonces, aunque haya que sobrellevar algunos períodos de aburrimiento, creo que la experiencia general de Mooladé vale la pena, ya que lo bueno que tiene para ofrecer es tan bueno que mis quejas contra ella quedan bastante compensadas. Ciertamente requiere cierta paciencia y predisposición, y de ninguna manera es una experiencia pasatista ni mucho menos, pero creo que logra su objetivo de dejar al espectador pensando.

A Dark Song (2016)

Reseña: A Dark Song es una película de terror con un enfoque definitivamente inusual, ya que presenta un ritual encarado de manera "realista" (dentro de lo que cabe), explicándolo en detalle y mostrando cómo funciona paso a paso. También se toma su tiempo para desarrollar a los personajes, y para construir una atmósfera de aislamiento (tengamos en cuenta que la gran mayoría de la cinta se enfoca en dos personas en una sola locación -una casona en el literal medio de la nada-). El resultado final no es particularmente memorable ni excepcional, pero A Dark Song indudablemente merece crédito por intentar algo diferente.

En su debut como director, Liam Gavin muestra buena mano para crear un clima simultáneamente etéreo y macabro, mostrando a los rituales como algo que debe tomarse muy en serio. Generalmente, cuando las películas de terror incursionan en esos temas, vemos a un grupo de estúpidos adolescentes jugando con una ouija, o algo parecido; pero A Dark Song encara las situaciones de manera mucho más adulta y madura. También merecen mención las sólidas actuaciones de Steve Oram y Catherine Walker; como dije previamente, casi toda la película ronda solo sobre ellos dos, y ambos muestran suficiente convicción y carisma para sostener la atención del espectador.

Por el lado negativo, algunas partes me parecieron innecesarias, y otras repetitivas. Extirpando unos diez o quince minutos, creo que hubiéramos tenido una experiencia más impactante, ya que hubiera ido a lo concreto en lugar de perderse en algunos irrelevantes divagues. De todas maneras, A Dark Song no deja de ser una experiencia interesante, y merece recomendación como una cinta de terror distinta y arriesgada.

El Primer Día del Resto de Nuestras Vidas (Un Conte de Noël, 2008)

Reseña: ¿"El Primer Día del Resto de Nuestras Vidas"? ¿Alguien me puede explicar por qué esta cinta recibió ese horrible título en la Argentina, el cual no tiene absolutamente nada que ver con la trama? Realmente, creo que este es uno de los peores inventos de los encargados de "traducir" los títulos originales que yo recuerde. Habiendo hecho ese comentario editorial, enfoquémonos en la película misma, la cual afortunadamente tiene varias virtudes para ofrecer.

Para empezar, Un Conte de Noël (a partir de acá, me referiré a esta cinta por su título original) nos ofrece una amplia gama de personajes que integran una familia, y se reúnen para celebrar la Navidad, al mismo tiempo que la matriarca acaba de recibir la noticia de que debe recibir un trasplante de médula ósea. Todos los personajes me parecieron muy bien desarrollados, plenos de matices y complejidades, al mismo tiempo que las relaciones entre ellos se van revelando de manera gradual, lo cual nos permite ir conociéndolos con bastante profundidad. En consecuencia, se terminan sintiendo como personas reales, y no como títeres del guión, lo cual permite que el espectador empatice con ellos y se termine compenetrando con sus particulares circunstancias. Además, las actuaciones son sólidas, y todos los intérpretes comparten buena química entre ellos.

Por el lado negativo, la duración de dos horas y media de Un Conte de Noël me pareció un poco excesiva. En su último tramo, hay momentos que no aportan información suficientemente sustanciosa a lo que ya sabemos sobre los personajes, por lo que creo que se podrían haber omitido para hacer la experiencia un poco más concisa y menos divagante. De todas maneras, no es una falla fatal, y queda bastante compensada por todas las cosas buenas que ofrece esta película.

Un Conte de Noël no es realmente un drama ni una comedia; yo creo que sería más preciso describirla como una armoniosa combinación de ambos géneros, pues aunque se tocan temas dramáticos, reciben el agradable contrapeso de un apropiado sentido del humor que evita que la experiencia se torne pesada o solemne. Comparándola con otras cintas que examinan relaciones familiares que he visto este año, creo que Un Conte de Noël me gustó menos que Las Horas del Verano (L'heure d'été, 2008) y Sieranevada (2016), pero eso no me impide recomendarla como una satisfactoria película que logra ser simultáneamente entretenida y profunda.

Plenilunio (2000)

Reseña: No sé si los problemas provengan de la novela en la cual se basó, o si simplemente se trata de una pobre adaptación, pero Plenilunio es una película fallida, que nunca sabe qué quiere contar, por lo que la experiencia termina siendo frustrante e insatisafactoria.

¿Qué pretendía ser Plenilunio? ¿Un drama romántico? ¿Un estudio psicológico sobre la torcida mente de un asesino? ¿Un thriller sobre un detective tras la pista de un criminal? La falla es que es todo eso al mismo tiempo, y nunca encuentra el foco en algo concreto, por lo que termina siendo una película caótica y mal desarrollada. Además, todo está armado de manera demasiado superficial y simplista, por lo que no logra despertar ninguna emoción en el espectador. Y por si todo eso fuera poco, las actuaciones del elenco entero se sienten demasiado rígidas y distantes.

Entonces, Plenilunio no contaba con malos ingredientes; el problema es que no se supo cómo combinarlos, por lo que el resultado final termina dejando un sabor amargo. Después de ver películas como Plenilunio, me quedo pensando que a veces duele más ver cintas como esta, las cuales ofrecían potencial que no fue aprovechado, que otras que son simplemente malas.

Nadie Sabe (Dare mo Shiranai, 2004)

Reseña: Nadie Sabe me estaba gustando bastante durante su primera mitad, pero en el tiempo restante, la experiencia se estanca, tornándose demasiado repetitiva y ocasionalmente un poco aburrida, hasta llegar a un desenlace que no me dejó muy satisfecho.

Primero, enfoquémonos en lo bueno. Nadie Sabe plantea la situación de una madre que abandona a sus hijos (cada uno de distinto padre) en el departamento donde viven, y cómo uno de los niños se tiene que encargar de llevar adelante las cuestiones del hogar. El acierto del director y guionista Hirokazu Koreeda es retratar las situaciones desde el punto de vista de ese niño, mostrando eficientemente cómo percibe todo desde su inocencia e ingenuidad, al mismo tiempo que se ve súbitamente obligado a crecer de golpe. Las actuaciones son perfectas, y durante la primera mitad, es donde más se puede apreciar el mencionado punto de vista del niño, al mismo tiempo que se despiertan apropiadamente sentimientos de ternura y emotividad en la audiencia.

Sin embargo, como dije anteriormente, la segunda mitad no tiene grandes avances narrativos, y termina recalcando una y otra vez el mismo punto hasta tornarse un poco cansada. La duración de 140 minutos definitivamente se siente excesiva; creo que había mucho relleno innecesario que se podría haber extirpado, lo cual hubiera resultado en una película más compacta y eficiente. Además, hay algunos problemas de verosimilitud: ¿Cómo puede ser que ningún vecino se dé cuenta de que los niños estén ahí viviendo solos? ¿Cómo hacen ellos para seguir pagando el alquiler del departamento? No obstante, mi mayor queja es contra el desenlace, en donde se recurre a un innecesario golpe bajo que se siente completamente fuera de lugar; pareciera que Koreeda se dio cuenta a último momento de que la historia estaba estancada, y decidió sacar de la galera ese barato recurso para añadir dramatismo.

Entonces, Nadie Sabe es una de esas cintas que ofrecen una promisoria primera mitad, pero eventualmente terminan decepcionando. Es una lástima, porque muchos de sus logros terminan quedando reducidos u opacados en consecuencia de eso, y me cuesta recomendarla de manera entusiasta. De ninguna manera se puede decir que sea una mala película, pero me terminó quedando un sabor algo amargo con ella.

Nordwand (2008)

Reseña: La historia de Nordwand (basada en un evento real sobre una competencia para escalar una peligrosa montaña en los Alpes suizos durante los '30) se hubiera prestado tranquilamente para una película emocionante e inolvidable. Entonces, ¿por qué esta cinta resultó tan fría, insustancial y olvidable?

Para empezar, la dirección de Philipp Stölzl me pareció demasiado impersonal y anónima, ya que nunca logra inyectar suficiente ímpetu ni personalidad a las escenas, y eso es lo que más contribuye a generar un distanciamiento con el espectador. Además, me parece que el guión le dedica demasiado tiempo al personaje de la fotógrafa, lo cual constantemente nos corta la aventura que están viviendo los alpinistas. Por último, esto quizás haya sido solo un problema mío, pero debido a que, con la excepción de Benno Fürmann, los actores que interpretan a los alpinistas son desconocidos por mí, me los confundía frecuentemente cuando estaban en la montaña maquillados y con los cascos puestos.

Por el lado amable, Nordwand luce impresionante cinematografía y muy buenas actuaciones. Además, durante los últimos 10 minutos, la cinta logra despertar algunas emociones por primera vez, y aunque aprecié eso, me hizo resentir que el resto de la experiencia se haya sentido tan apática, ya que ahí se puede atisbar el potencial que ofrecía el relato.

En conclusión, Nordwand ofrece aspectos positivos, pero me cuesta recomendarla con particular entusiasmo. No me pareció aburrida, pero tampoco sentí que ofrezca las recompensas emocionales y narrativas suficientes como para justificar la inversión de dos horas en ella. En resumen, lo que podría haber sido una película excelente, terminó siendo una mediocre. Lástima.

Una Serena Pasión (A Quiet Passion, 2016)

Reseña: A pesar de haber sido aclamada de manera casi unánime, mis expectativas antes de ver Una Serena Pasión eran bajas, porque la única película que había visto del director Terence Davies (The House of Mirth -2000-) me había parecido bastante aburrida. Afortunadamente, aunque Una Serena Pasión no me pareció una obra maestra como a muchos críticos, resultó mucho mejor de lo que esperaba, y me gustó por su refinado guión (repleto de excelentes diálogos, lo cual le hace justicia al personaje principal retratado, la legendaria poetisa Emily Dickinson), brillantes actuaciones y la mesurada dirección.

El estilo empleado por Davies en Una Serena Pasión es muy particular, ya que se podría decir que casi bordea lo teatral. Pero espero que eso no se malinterprete, ya que esta es una película concebida en términos puramente cinematográficos al mismo tiempo, ya que está plagada de atractivas ideas visuales, así como también interesantes manejos de la cámara y una plena confianza en el valor narrativo de las imágenes. También me gustó el ritmo relajado empleado por el director; es un placer encontrarse con una cinta que se toma su tiempo sin volverse aburrida, dejando que el guión y los personajes respiren y evolucionen de manera natural y sin ninguna prisa. Y aunque esta es una cinta que mantiene un tono serio, Davies rehuye a la solemnidad, lo cual me sorprendió agradablemente, ya que eso había sido lo que precisamente hundió a The House of Mirth (al menos desde mi punto de vista).

Como dije anteriormente, las actuaciones del elenco entero de Una Serena Pasión son estupendas. Cynthia Nixon carga con la cinta sobre sus hombros, e indudablemente hace un trabajo extraordinario, repleto de matices y sutiles expresiones; sin embargo, no por eso sería justo ignorar el tremendo desempeño del resto del elenco. En otras palabras, un ensamble actoral perfecto, en donde no hay ningún eslabón débil y todos se complementan maravillosamente.

En conclusión, el pausado ritmo de Una Serena Pasión, así como también su ausencia de conflictos contundentes, quizás aleje a muchos espectadores. Pero en mi experiencia personal, fue una experiencia muy interesante, que no solo logró instruirme sobre la vida de Dickinson, sino que también logró envolverme con su particular estilo, al mismo tiempo que provoca reflexiones sobre una amplia variedad de fascinantes temas (la religión, el rol de las mujeres y las costumbres sociales del siglo XIX, entre otros).

The Hoax (2006)

Reseña: El tema de The Hoax (la historia verdadera sobre un escritor -Clifford Irving- y su intento de publicar una "autobiografía" falsa de Howard Hughes) puede sonar seco, pero afortunadamente, la cinta lo desarrolla de manera entretenida y con apropiados aderezos de humor, aunque la experiencia completa no resulte muy memorable.

Si bien The Hoax me hizo pasar un buen rato, tengo algunas quejas contra ella. Para empezar, el personaje interpretado por Alfred Molina (un amigo y colaborador del protagonista) me irritó un poco; su función de "comic relief" está demasiado subrayada por el guión, y en consecuencia, termina ocasionalmente estorbando. Además, toda la cuestión relacionada al matrimonio de Irving y su amante se siente añadida a la fuerza, ya que nunca logra integrarse de manera natural y fluida al relato. Por último, aunque Richard Gere indudablemente logra transmitir carisma, su actuación se siente ocasionalmente algo rígida y acartonada.

De todas maneras, como dije anteriormente, The Hoax indudablemente logra entretener, y nos permite conocer una historia poco conocida. El director Lasse Hallström logra mantener un buen ritmo, y la recreación de la década de los '70 se siente muy cuidada y detallada. Entonces, a pesar de sus fallas, creo que The Hoax es merecedora de una mediana recomendación, aunque a fin de cuentas, no logre permanecer en el recuerdo a largo plazo.

Somos lo que Hay (2010)

Reseña: Somos lo que Hay es una de esas cintas que me dejaron la impresión de que originalmente fueron concebidas como un cortometraje, y eventualmente fueron "estiradas" para convertirse en película, ya que, incluso con una duración que no alcanza los 90 minutos, hay algunos momentos que se sienten repetitivos y que se sienten agregados simplemente para alargar el metraje. Sin embargo, a pesar de eso, no se pueden negar las virtudes que Somos lo que Hay tiene para ofrecer, tales como una atmósfera apropiadamente oscura y sórdida y el análisis de la dinámica familiar entre una madre y sus tres hijos (todos ellos caníbales, cabe aclarar), lo cual genera algunos buenos momentos de humor negro que sazonan un poco los elementos de terror. No obstante, hablando de terror, me decepcionó un poco que la cinta mostrara tan poca sangre, lo cual reduce la intensidad de los momentos violentos. De todas formas, Somos lo que Hay merece una moderada recomendación, principalmente porque logra entretener, además de hacer eficiente uso de su reducido presupuesto.

El Viaje de Felicia (Felicia's Journey, 1999)

Reseña: Para empezar, El Viaje de Felicia cuenta con dos personajes principales muy interesantes, repletos de complejidad y matices, lo cual nos invita a seguirlos con interés y compenetrarnos con su psicología. Claro, también ayudan mucho las brillantes actuaciones del fallecido Bob Hoskins (quien logra componer una personalidad simultáneamente digna de odio y lástima, a quien no podríamos catalogar bajo el fácil mote de "villano" a pesar de las atrocidades que comete) y Elaine Cassidy (quien logra transmitir fragilidad y fortaleza al mismo tiempo, además de demostrar una amplia gama expresiva) en esos roles.

Sin embargo, tengo algunas quejas contra El Viaje de Felicia, lo cual redujo un poco mi entusiasmo general por ella a pesar de contar con numerosas virtudes (además de las ya mencionadas, también hay que hacer mención de la dirección de Atom Egoyan, quien logra mantener un ritmo relajado, pero nunca aburrido, además de los sólidos aspectos técnicos). Creo que la cinta tiene una primera mitad muy buena, en la cual se presenta a los personajes de manera clara y eficiente, al mismo tiempo que se siembran semillas de curiosidad que nos invitan a especular qué puede pasar luego. No obstante, luego de tan sólido establecimiento, la cinta se estanca un poco, con demasiados momentos que no aportan información lo suficientemente sustanciosa a lo que ya sabíamos, hasta llegar a un final que, por alguna razón, se siente algo incompleto. Además, los personajes de los evangelistas se sienten incoporados de manera forzada a la trama; quizás se integraban de manera más fluida en la novela de William Trevor en la cual se basó está película; pero en la adaptación cinematográfica, resultan un poco estorbosos, principalmente porque "chocan" con el resto del relato.

De todas maneras, El Viaje de Felicia es una buena película, y tan solo por las actuaciones de Hoskins y Cassidy, merece una recomendación. El sub-género de los asesinos seriales es demasiado trillado, y, aunque esta cinta no haya resultado completamente satisfactoria, indudablemente nos lleva por un camino inusual y diferente al que estamos acostumbrados, y creo que eso es más que suficiente para que valga la pena invertir tiempo en ella.

Sud Pralad (2004)

Reseña: Sud Pralad es una película indescriptible e inclasificable. No hay sinopsis o género en la que pueda encasillarse una cinta como esta. Es una de esas experiencias que hay que vivir para realmente entender qué tiene para ofrecernos. Como tal, me pareció única y fascinante, aunque es perfectamente entendible que muchos espectadores la encuentren irritante o aburrida.

A mí no me molestó que Sud Pralad no se detenga a explicar lo que nos muestra (y les puedo asegurar que esta película está repleta de cosas inexplicables), ya que eso me permitió más fácilmente dejarme llevar por sus cautivantes imágenes, dejando de lado racionalizaciones que hubieran empañado la experiencia. Sud Pralad no es una cinta para ver desde un lugar lógico, sino para experimentar esa sensación onírica y hasta espiritual que empapa cada fotograma.

Sud Pralad está dividida en dos mitades completamente distintas: en la primera, vemos un romance que florece entre un soldado y un analfabeto muchacho de campo; en la segunda, conviene no adelantar nada de lo que sucede, pero solo diré que vemos al mencionado soldado en la vasta jungla tailandesa para cumplir un cierto objetivo. Ese radical cambio indudablemente molestará a muchos espectadores, pero yo lo aprecié mucho, porque ambas mitades se terminan complementando y enriqueciendo entre sí, al mismo tiempo que se plantean atrapantes incógnitas que cada persona dilucidará según su punto de vista.

Además, al ser una película proveniente de Tailandia, Sud Pralad resultó muy rica en la parte cultural para alguien como yo, porque permite tener un atisbo a cuestiones completamente ajenas y hasta anómalas. Es cierto que eso a veces crea una "barrera cultural", pero, en mi humilde opinión, eso funciona a favor de la cinta, pues incrementa su atmósfera misteriosa.

Entonces, Sud Pralad me pareció una película tan intrigante, enigmática y atmosférica como alucinante y satisfactoria. No me pareció perfecta, pero definitivamente no se parece a ninguna otra película que yo jamás haya visto. Como dije al principio de esta reseña, no es una cinta fácil de recomendar, pero creo que vale la pena para aquellos cinéfilos que anden en busca de cosas atípicas que rompen todo molde y van en contra de cualquier convencionalidad, incluso corriendo el riesgo de dejar afuera a gran parte del público.

Heaven Knows What (2014)

Reseña: Heaven Knows What es una película intensamente visceral y muy inmersiva, que retrata el mundo de un grupo de jóvenes drogadictos viviendo en las calles de Nueva York (la cual está mostrada de manera gris y deprimente, sin absolutamente nada del "glamour" con el cual vemos a esa ciudad habitualmente retratada) como un infierno del cual no hay escapatoria. Esta es una cinta desoladora, y de ninguna manera podría ser considerada "entretenida" en el sentido convencional; sin embargo, es innegable que ofrece muchos momentos poderosos, así como también un hipnótico estilo que sumerge al espectador inmediatamente en ese pesadillesco entorno. No obstante, algunas escenas durante la segunda mitad se sienten un poco redundantes, y creo que se podrían haber obviado para hacer la experiencia un poco más concisa. De todas maneras, hay muchos atributos admirables en Heaven Knows What (tampoco puedo dejar de mencionar las brillantes actuaciones del elenco entero, destacando la de la tremenda protagonista Arielle Holmes), por lo que gana con creces una recomendación, aunque con la advertencia de que no es una experiencia fácil ni mucho menos pasatista, sino que nos ofrece un paseo por zonas realmente sórdidas y opresivas.

Suburra (2015)

Reseña: La primera media hora de Suburra es caótica y confusa, ya que se nos presentan muchos personajes y eventos aparentemente inconexos, por lo que el espectador no entiende bien qué está pasando. Sin embargo, eventualmente, todo se termina enfocando, y nos damos cuenta de que las cosas estaban planeadas desde el principio, mientras nos damos cuenta de lo sólidamente concatenado que está el guión. Definitivamente, eso fue lo que más me gustó de Suburra, aunque debo decir que no la encontré del todo satisfactoria. Como dije previamente, esta es una cinta con muchos personajes, y si bien todos terminan siendo importantes para la compleja narrativa, no logré establecer conexión emocional con ninguno; quizás se le había que haber puesto más foco aunque sea en uno, para que realmente logremos un estado de compenetración, en lugar de seguir toda la experiencia con un cierto distanciamiento y frialdad. A pesar de eso, el guión siempre logró mantenerme interesado, y el director Stefano Sollima logra dotar a la cinta de un aire apropiadamente épico, por lo que creo que esas razones son suficientes para que Suburra valga la pena. Indudablemente hay muchas cosas positivas en esta película, pero el todo resultó menos que la suma de sus partes.

Catch a Fire (2006)

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Reseña: Catch a Fire es una película muy bien realizada y con excelentes actuaciones de Derek Luke y Tim Robbins en los personajes principales, pero, por alguna razón, la experiencia completa se siente insípida y poco memorable. En mi humilde opinión, lo que quizás haya fallado un poco es la dirección de Phillip Noyce, la cual no es mala, pero nunca logra transmitir el ímpetu necesario para que la cinta (basada en la historia real de Patrick Chamusso, una persona radicada en Sudáfrica que, tras vivir una penosa experiencia, decide integrarse a un movimiento de resistencia contra el apartheid) resulte genuinamente cautivante; en lugar de eso, aunque Catch a Fire logre entretener, despertó una cierta indiferencia en mí mientras la veía. Por el lado más amable, me gustó la ambigüedad moral con la cual los dos personajes centrales (Chamusso y el tenaz policía que quiere desestabilizar los grupos terroristas) están retratados, por lo cual ambos pueden ser considerados héroes o villanos dependiendo del punto de vista que cada espectador adopte. A fin de cuentas, creo que Catch a Fire ofrece suficientes virtudes para ganar una mediana recomendación, aunque termine resultando una experiencia inmediatamente olvidable. Definitivamente creo que, en esta ocasión, hacía falta un director más apasionado detrás de las cámaras.

El Otro Lado de la Esperanza (Toivon Tuolla Puolen, 2017)

Reseña: El Otro Lado de la Esperanza es una cinta que toca un tema bastante serio (la llegada de un refugiado sirio a Finlandia) sin caer en la solemnidad y con saludables toques de humor (los cuales resultan ocasionalmente muy graciosos), aunque sin por ello descuidar los aspectos dramáticos del relato. A decir verdad, El Otro Lado de la Esperanza tarda un poco en encontrar su ritmo, pero eventualmente lo logra, y resulta una experiencia recomendable, aunque no muy memorable. Por lo demás, las actuaciones son perfectas, ya que todos los intérpretes logran adaptarse sin ninguna dificultad al estilo seco y muy particular del director Aki Kaurismaki, mientras que los climas están bien logradas (y esos números musicales que aparecen ocasionalmente funcionan como un sólido complemento de la historia). Entonces, aunque no me pareció una gran película ni mucho menos, me gustó El Otro Lado de la Esperanza, y amerita ser recomendada, aunque francamente prefiero El Puerto (Le Havre, 2011), la película previa de Kaurismaki, cuya trama tiene algunos puntos en contacto con la de esta cinta.

Grave (2016)

Reseña: Grave ha sido clasificada como película de terror en todos los sitios web que he visitado, y aunque de ninguna manera es erróneo decir eso, yo creo que sería más apropiado considerarla un drama "coming of age" que emplea métodos grotescos del horror como auxiliar para narrar el relato de una chica ingresando a la edad adulta. Viéndola desde ese punto, me pareció una experiencia interesante que recurre a caminos poco usuales para contar su historia, además de ofrecer múltiples simbolismos que la enriquecen y que pueden interpretarse de diversas maneras. Además, la directora y guionista sabe cómo despertar en la audiencia la constante sensación de no saber adónde nos puede ir conduciendo el relato, mientras que la actuación de Garance Marillier en el rol protagónico es muy buena. Por el lado negativo, el final me pareció un poco abrupto e inconcluso; no me molestó su ambigüedad, pero siento que no logró cerrar la historia de manera completamente adecuada. Pero a pesar de esa queja, Grave merece una recomendación, tan solo por su extraña combinación de "body horror" y "coming of age", con la advertencia de que algunas escenas podrían desagradar a espectadores fácilmente impresionables.

Después de la Tormenta (Umi Yori mo Mada Fukaku, 2016)

Reseña: Después de la Tormenta es una melancólica e intimista película que parte de una premisa sencilla: un hombre que trata de recomponer la relación con su hijo y su ex-esposa a pesar de los errores que ha cometido con su adicción al juego. El director y guionista Hirokazu Koreeda demuestra buena mano para crear momentos emotivos, además de facilidad por hacer que todo se sienta sumamente real y cotidiano; realmente sentimos que estamos personales reales y profundamente humanas (la única excepción sería el personaje que ocupa el trillado rol de "padrastro odioso"; afortunadamente, tiene una participación muy breve) enfrentado situaciones por las cuales cualquiera de nosotros podríamos pasar. También ayudan las excelentes actuaciones, las cuales son sutiles, pero con muchos matices en las miradas y expresiones (Kirin Kiki, quien interpreta a la madre del protagonista, es quien más destaca). Por el lado negativo, debo confesar que algunos momentos de Después de la Tormenta durante su primer acto me resultaron un poco aburridos, porque los encontré algo reiterativos, además de estancar un poco la experiencia. De todas formas, creo que Después de la Tormenta ofrece suficientes virtudes para compensar las medianas quejas que tengo contra ella, por lo que puedo recomendarla como un sólido y emotivo drama narrado con un tono natural, y sin el más mínimo artificio ni manipulación emocional.

It Stains the Sands Red (2016)

Reseña: Tenía bajas expectativas antes de ver It Stains the Sands Red, ya que esperaba encontrarme con una genérica y olvidable película de zombies. Me alegra decir que estaba completamente equivocado, y que terminé llevándome una muy grata sorpresa con esta cinta, la cual resultó impredecible y enormemente entretenida, además de brindarle un ángulo fresco y original al tema de los zombies.

It Stains the Sands Red es una película que constantemente desafía las expectativas de la audiencia; siempre termina tomando el camino menos pensado, lo cual logró mantenerme en vilo desde el primer fotograma hasta el último, al mismo tiempo de sentir la deliciosa incertidumbre de no saber en dónde podía desembocar el relato. Y cuando finalmente llegamos a la conclusión, nos encontramos con un cierre muy satisfactorio.

También me sorprendió el profundo e intenso contenido emocional de It Stains the Sands Red. No esperaba encontrarme con un personaje central tan complejo y rico en matices y emociones, y a fin de cuentas, eso logra que el espectador logre empatizar fácilmente con ella. También ayuda la estupenda actuación de Brittany Allen en ese complicado rol, transmitiendo el cansancio que atraviesa a lo largo del desierto donde su personaje es acechado por el zombie, así como también la angustia que acarrea de circunstancias anteriores (las cuales se revelan en mudos y breves flashbacks que resultan muy efectivos, porque con muy poco, nos dicen todo lo que necesitamos saber), con absoluta credibilidad y un amplio rango de expresividad.

Como ya dije en muchas ocasiones, las películas excelentes son aquellas que logran funcionar en múltiples niveles, e It Stains the Sands Red es prueba cabal de ello: por un lado, tenemos una tensa película de terror que logra perfectamente generar climas y transmitir inquietud; y por el otro, tenemos un emotivo drama sobre un personaje en busca de redención, la cual quizás termine encontrando de la manera menos esperada. En resumen, una experiencia memorable que recomiendo con absoluto entusiasmo. De todas las cintas de terror que he visto en el 2017, esta es la que más me ha gustado hasta el momento... y dudo mucho que alguna logre destronarla.

Secretos y Mentiras (Secrets & Lies, 1996)

Reseña: Secretos y Mentiras es un película sobre gente común a la que le ocurren cosas cotidianas. Quizás eso no suene particularmente apasionante, pero el director y guionista Mike Leigh logra que el relato resulte interesante justamente por su mundanidad. Además, las actuaciones son excepcionales, y la cinta demuestra muchas buenas decisiones por parte de Leigh, como, por ejemplo, mantener la cámara estática durante muchos minutos, o permitir que las escenas se extiendan por largo tiempo sin jamás tornarse aburridas. Por el lado negativo, el final me pareció un poco abrupto, y si bien me gustó la película escena por escena, cuando terminó me quedé con la sensación de que quizás le hubiera hecho falta un desenlace más contundente para tener mayor permanencia en mi memoria a largo plazo. De todas maneras, Secretos y Mentiras es una buena película, e indudablemente merece recomendación. Sin embargo, me sigo preguntando por qué Leigh, luego de realizar la deliciosamente irreverente y políticamente incorrecta Naked (1993), decidió posteriormente hacer cine mucho más serio y "formal".

El Justiciero (The Equalizer, 2014)

Reseña: El Justiciero (remake de una poco conocida serie televisiva de los '80) es una película de acción hueca y vacía, aunque resulta medianamente entretenida, principalmente gracias a la estilizada dirección de Antoine Fuqua y la sólida actuación y tremendo carisma de Denzel Washington en el papel principal. Por lo demás, el guión es demasiado básico y predecible, con villanos caricaturizados y una estructura modular y repetitiva; realmente se siente como algo que fue escrito a las apuradas. Realmente no hay mucho para decir de una cinta tan genérica y desechable como esta; sin embargo, Fuqua y Washington logran que se deje ver, así que tan solo por su dirección y actuación (respectivamente) le daría una leve recomendación (además, aprecié que esta película no se acobardara para mostrar escenas de violencia realmente gráficas -ah, y ver en pantalla a Haley Bennett es algo que siempre aprecio-); sin embargo, en lo que respecta a colaboraciones entre ambos, creo que Día de Entrenamiento (Training Day, 2001) y Los Siete Magníficos (The Magnificent Seven, 2016) son mucho mejores opciones. Quizás si no hubiera visto El Justiciero tan poco días después de haber quedado maravillado con Baby Driver (2017), también de acción, me hubiera dejado un poco más satisfecho.

La Casa de las Dagas Voladoras (Shi Mian Mai Fu, 2004)

Reseña: A principios de este año, vi La Maldición de la Flor Dorada (Man Cheng Jin Dai Huang Jin Jia, 2006), y quedé asombrado con su arrolladora puesta en escena, su extraordinario estilo visual y su guión desbordante de pasión, intensidad y dramatismo. Por eso, tenía mucho interés en ver La Casa de las Dagas Voladoras, la cual fue realizada por el mismo director, Zhang Yimou, y si bien no me impactó tanto como La Maldición de la Flor Dorada, me pareció muy entretenida, con un guión profundo e intensamente emocional (básicamente, tenemos una historia de amor contada en un contexto "wuxia"), así como también muy buenas secuencias de acción. Ah, y cada cuadro de La Casa de las Dagas Voladoras me pareció un genuino deleite para la vista, ya que está repleta de bellísimos colores, detallada composición y espectaculares locaciones chinas. Por el lado negativo, mencionaría que algunas escenas se tornan un poco repetitivas, y tranquilamente podrían haberse acortado. Pero bueno, a pesar de esa queja, La Casa de las Dagas Voladoras me pareció muy recomendable, además de que pude confirmar una vez más la buena mano que Yimou tiene para realizar películas tan suntuosas como atractivas y entretenidas, aunque quizás a esta le faltó el sublime exceso de La Maldición de la Flor Dorada para alcanzar la excelencia.

3 (2012)

Reseña: Tenía bastante interés en ver 3, porque quería ver qué podía ofrecer el director Pablo Stoll Ward después de haber quedado sorprendido cuando vi la excelente Whisky (2004), la cual co-dirigió con el fallecido Juan Pablo Rebella, hace algunos meses. Y si bien 3 no me terminó gustando tanto como Whisky, indudablemente confirma que Stoll es un cineasta talentoso, quien sabe crear climas y retratar el mundo de los personajes de manera precisa y certera. Además, esta película cuenta con buenas actuaciones y varios momentos de drama y comedia tan sutiles como efectivos. Por el lado negativo, las dos horas de duración de esta cinta me parecieron excesivas; a diferencia de Whisky, un relato conciso y perfectamente concentrado, 3 tiene demasiados momentos que resultan reiterativos, y que tranquilamente podrían haber sido eliminados y le hubieran brindado un ritmo más fluido a la experiencia. De todas maneras, 3 indudablemente merece una recomendación como una sólida película que encuentra un buen balance entre amargura y humor, logrando que la experiencia nunca se torne demasiado dramática ni demasiado ligera. Ojalá Stoll Ward fuera un director más prolífico.

Killing Ground (2016)

Reseña: Generalmente no me gustan las películas sobre dementes que torturan gente porque sí (por poner dos ejemplos: Horas de Terror -Funny Games, 1997- y The Girl Next Door -2007-), porque me parecen huecas muestras de sadismo. Sin embargo, aunque Killing Ground encaja dentro de esa descripción, admito que no me desagradó, ya que logró mantenerme entretenido durante su breve duración (que no alcanza los 90 minutos), aunque no me pareció una experiencia particularmente memorable. En esta cinta, se van mechando eventos del presente y del pasado, con distintos grupos e personajes que tuvieron la desdicha de cruzar sus caminos con los previamente mencionados maniáticos; sin embargo, siento que lo que vemos del pasado salió sobrando, porque, conforme a lo que vamos viendo durante el presente, resulta bastante predecible saber cómo se va a desencadenar. Otra queja que tengo es que sentí que le faltó contundencia a la película; aunque tiene buenos momentos de tensión, carece de algún "punch" adicional que quizás le hubiera brindado adicional fuerza al relato. De todas maneras, Killing Ground merece una mediana recomendación como una entretenida película de terror que sirve para pasar el rato.

White Material (2009)

Reseña: White Material es la tercera película que he visto de la directora Claire Denis (luego de 35 Rhums -2008- y Les Salauds -2013-), y en ella, pude confirmar algo que ya había percibido en las otras: su confianza en las imágenes, utilizándolas de manera elocuente y precisa para narrar. Lo que más me gustó de White Material es la manera en la cual Denis manejó los silencios... en otras palabras, aquellos momentos en los que no se dice una palabra, pero que, en realida, están rebosantes de subtexto y significado, retratando de manera precisa esa desolación que asola en el país de África (nunca se establece explícitamente cuál) donde se desarrolla esta película. Además, White Material es una de esas cintas que no se detienen a explicar cada cosa, por lo que el espectador debe completar muchas cosas dentro de su cabeza (sobre todo en lo que respecta al impactante final); en mi humilde opinión, eso es algo admirable, porque demuestra la gran confianza que tiene la cinta en su público. En conclusión, quizás no llegue a ser una gran película, pero White Material es una cinta audaz y muy interesante que no teme desafiar al espectador, y tan solo por eso merece respeto y una entusiasta recomendación.

Baby: El Aprendiz del Crimen (Baby Driver, 2017)

Reseña: Baby Driver (me niego a emplear el espantoso título que le asignaron en Argentina) es una maravilla: la conjunción perfecta de estilo y sustancia. Mejor dicho, el estilo es parte integral de la sustancia, porque toda la cinta está narrada en función a la música que escucha el personaje principal para paliar el tinnitus (un fuerte y constante zumbido en los oídos) que padece. En otras palabras, Baby Driver es una película que genuinamente despierta ganas de saltar y de bailar (¡Tomá, La La Land!), debido a su extraordinaria energía y el experto ritmo que maneja el director Edgar Wright con mano maestra.

El guión de Baby Driver es sencillo: para saldar su deuda con un gángster, el personaje principal debe trabajar como chofer en una serie de robos. Pero lo que es realmente mágico es la manera en que dicha historia está convertida en imágenes, lo cual hace que esta cinta sea una experiencia única y fascinante. Realmente, no encuentro falla alguna en esta película: las escenas de persecución son tremendamente emocionantes (desde Primicia Mortal -Nightcrawler, 2014- no veía escenas de ese tipo que realmente me dejaran con la boca abierta); el humor es muy gracioso; y, lo más importante, Baby Driver está repleta de corazón, lo cual le brinda un fuerte contenido emocional por debajo de su aparente ligereza. Ah, y no puedo dejar de mencionar al elenco entero: todos los actores encajan tan bien en sus roles que realmente no me imagino a ningún otro intérprete en su lugar (por cierto, Kevin Spacey debería trabajar más seguido en cine).

En conclusión, Baby Driver es una obra maestra: una película que realmente le permite a uno ser feliz, y disfrutar enormemente cada fotograma. También es una demostración de que una cinta puede apuntar a un público masivo, y, al mismo tiempo, ser una excelente muestra de arte cinematográfico. Por películas como esta, amo el cine.