Dulce y Melancólico (Sweet and Lowdown, 1999)

Reseña: Dulce y Melancólico es una película simpática... aunque esa simpatía no sea suficiente para darle total sustento a la experiencia completa. Durante el último tramo, la cinta empieza a hacer agua, y se nota que ya estaba agotada la premisa para ese punto. De todas maneras, Dulce y Melancólico no me aburrió en ningún momento, y creo que amerita una mediana recomendación, aunque definitivamente no está ni remotamente entre lo mejor de la filmografía de Woody Allen.

Esta es una de esas películas que no cuentan una historia unificada propiamente dicha, sino que retratan una serie de viñetas; en este caso, dichas viñetas se enfocan en Emmett Ray, un ficticio guitarrista de jazz, y las diversas situaciones en las cuales se ve involucrado. La principal "carta fuerte" de esta película son las excelentes actuaciones de Sean Penn y Samantha Morton como Emmett y la chica muda de la cual él se enamora (respectivamente), además de la perfecta química que comparten entre sí. De hecho, Morton desaparece un largo rato durante el último tramo de la cinta, y su ausencia definitivamente se resiente, además de exacerbar el hecho de que la película se empieza a quedar sin combustible en ese punto, como ya fue previamente señalado.

Entonces, Dulce y Melancólico es una película cálida y agradable, aunque, a fin de cuentas, la experiencia global es tan tenue e insustancial que pasa al olvido rápidamente. De todas maneras, me hizo pasar un buen rato, aunque tomando en cuenta que Allen estuvo detrás de las cámaras, me terminé quedando con sabor a poco.

Rosetta (1999)

Reseña: Lo primero que llama la atención en Rosetta (más allá del hecho de haber sido estrenada en cines argentinos en el año 2009... sí, leyeron bien, con 10 años de atraso )es la sensación de urgencia y desesperación que los co-directores Jean-Pierre y Luc Dardenne logran imprimir en cada plano. Eso nos compartir en primera persona las experiencias del personaje principal (una joven de clase baja necesitada de trabajo y que debe lidiar con una madre alcohólica), y experimentar todas sus sensaciones de manera sumamente palpable y realista.

Además de eso, los hermanos Dardenne logran que cada escena nos diga algo importante, por lo que no hay ningún tipo de relleno ni elementos innecesarios. Rosetta es una película que apenas supera los noventa minutos, pero esa duración está aprovechada al máximo, ya que no hay momento que no contribuya al tapiz narrativo y emocional de la cinta. Como guionistas, los Dardenne también demuestran destreza, mostrando cosas que inicialmente desconciertan un poco, aunque, más adelante, cobran sentido y entendemos cuál era su función, lo cual demuestra una construcción narrativa eficiente y muy cuidada. También me gustó que los personajes estén retratados con grises, en lugar de simplistas blancos y negros; en otras palabras, son seres humanos falibles, y así como tienen actos buenos, también cometen algunos malos, lo cual realza su humanidad y facilita la identificación del público en ellos.

Las actuaciones son excelentes, ya que es fácil aceptar a todos los personajes como personas reales, aunque quien se roba la película es indudablemente Émilie Dequenne como la epónima Rosetta, transmitiendo absolutamente todo lo que hace falta saber sobre ella tan solo con su expresivo rostro y triste mirada. Además, Dequenne posee una presencia fuerte que le permite cargar toda la película sobre sus hombros con absoluta naturalidad y establecer fácilmente un vínculo con la audiencia.

Entonces, Rosetta es una buena cinta que indudablemente merece recomendación, aunque no me animaría a considerarla una gran película, como tanta otra gente ha hecho... quizás le faltó un "algo" adicional al guión, al menos desde mi punto de vista. Además, dentro de la filmografía de los Dardenne, me gustaron más El Niño (L'Enfant, 2005) y El Chico de la Bicicleta (Le Gamin au Vélo, 2011). Pero bueno, más allá de eso, Rosetta es una experiencia interesante y satisfactoria que merece el apoyo del público.

Pokot (2017)

Reseña: Pokot es una película que tiene varias ideas interesantes, aunque lamentablemente no lograron ser ensambladas en un paquete completo que resulte totalmente satisfactorio. Principalmente, creo que esta es una cinta que sufre de una severa falta de foco; la narrativa me pareció demasiado dispersa, yendo de aquí para allá sin encontrar un hilo unificador. Por largo rato, me costaba determinar qué era lo que se pretendía contar: ¿Un thriller sobre una serie de asesinatos? ¿Un retrato sobre un pintoresco grupo de personajes? ¿Un panfleto a favor de los animales? ¿Una comedia negra? No me molesta cuando una película trata de combinar varias cosas a la vez, pero en esta ocasión, sentí que no lograron coexistir de manera armoniosa.

Otro punto en contra que tengo para señalar es que el giro final de Pokot pretende ser sorpresivo, pero a mí me pareció demasiado predecible. En serio, logré adivinarlo durante la primera media hora. Eso contribuye en gran medida a disminuir el impacto de la experiencia, y termina quedando la sensación de que esta es una de esas cintas que se creen más inteligentes e ingeniosas de lo que realmente son.

Habiendo quejado tanto, debo admitir que Pokot no me pareció una mala película. Por el contrario, logró mantenerme entretenido durante poco más de dos horas, y los aspectos técnicos (particularmente la cinematografía se sienten sumamente cuidados. En cuanto a las actuaciones, todas me parecieron buenas, destacando a Agnieszka Mandat-Grabka en el rol principal, aunque también merece mención el sólido desempeño del resto del reparto.

Sin embargo, queda el sabor algo amargo de que todas esas cosas buenas quedan un poco opacadas por los defectos que mencioné previamente, los cuales me impiden recomendar Pokot con particular entusiasmo. Esta cinta es un claro ejemplo de que se pueden tener muchas ideas buenas, aunque eso no sea garantía de nada por sí solo; hace falta integrarlas naturalmente en un relato bien estructurado, lo cual desafortunadamente no ocurrió en esta ocasión.

Yi Yi (2000)

Reseña: A lo largo de casi tres horas, Yi Yi nos muestra a personas normales llevando a cabo sus vidas cotidianas. Estrictamente hablando, tranquilamente se puede decir que esta es una de esas cintas en las cuales "no pasa nada". Sin embargo, eso no significa que esta sea una película vacía de ninguna manera. Por el contrario, una vez que termina, el espectador se empieza a dar cuenta que Yi Yi fue construida por detalles, que quizás parezcan irrelevantes mientras la experiencia transcurre, aunque eventualmente nos damos cuenta de que forman parte de un tapiz narrativo y emocional cuidadosamente armado y sólidamente ejecutado. En otras palabras, el "cuadro completo" lo obtenemos recién cuando la película termina.

Además, Yi Yi tiene varios momentos que parecen sencillos, pero que generan sensaciones en la audiencia por la manera en la cual fueron plasmados en imágenes, por lo que terminan diciendo mucho con poco. Por lo demás, las actuaciones son impecables, ya que es muy fácil aceptar a los personajes como auténticas personas; y también aprecié mucho que el director Edward Yang (quien lamentablemente falleció en el 2007) mostrara las escenas más emocionales filmándolas de lejos y sin ningún artificio, evitando así la fácil manipulación emocional en la cual un cineasta menos talentoso hubiera caído.

Entonces, sobra decir que Yi Yi no será una película para todos los gustos, e indudablemente requiere una cierta paciencia y entrega por parte del espectador. Sin embargo, yo quedé satisfecho con ella, porque me sentí eventualmente compensado con todas las cosas que la cinta me fui dando, las cuales parecen pequeñas en el momento, pero, concatenadas, terminan logrando que Yi Yi sea una cinta íntima y épica a la vez, ya que emplea a un puñado de personajes para contar un relato que refleja la vida misma, y con el cual cada de uno de nosotros tenemos algo con lo cual identificarnos.

Kimi no Na Wa (2016)

Reseña: Resulta refrescante encontrarse una película tan auténticamente original como Kimi no Na Wa. Conviene saber lo menos posible sobre la trama de esta cinta animada japonesa antes de verla, pero baste decir que lo que empieza como un simpático y gracioso relato sobre dos adolescentes (un varón y una chica) que intercambian cuerpos eventualmente se transforma en algo mucho más profundo, complejo y emotivo.

El estilo visual de la película es un deleite para la vista de principio a fin. Los colores, la representación de Tokio (donde vive el muchacho) y el entorno rural (donde vive la joven), los detalles... todo se ve bellísimo, y realmente me hubiera encantado haberlo apreciado en una pantalla grande. Pero, más allá del aspecto visual, Kimi no Na Wa tiene mucho para ofrecer en lo narrativo, ofreciéndonos algo único que rehúsa ser encasillado en un género específico.

No calificaría a Kimi no Na Wa como una obra maestra (como mucha gente ha hecho), pero definitivamente estamos ante una obra que desafia al espectador y lo lleva por los caminos más inusuales e inesperados, dando como resultado una experiencia mágica que realmente logra permanecer en el recuerdo. Recomendada principalmente como una muestra de que aún hay lugar para la audacia y la originalidad en el cine contemporáneo.

Carol (2015)

Reseña: Al igual que Lejos del Paraíso (Far From Heaven, 2002), Carol, también dirigida por Todd Haynes, nos transporta a la década del '50 de manera sumamente efectiva, con el apoyo de una preciosa cinematografía, un perfecto diseño de producción y una atmósfera muy lograda. Desafortunadamente, Carol quedó lejos de alcanzar el impacto y la complejidad emocional de Lejos del Paraíso.

Esta cinta retrata el romance que se forja entre dos mujeres en aquella represiva época, e indudablemente nos ofrece válidas observaciones e interesantes comentarios, mientras que las actuaciones de Cate Blanchett y Rooney Mara en esos personajes son excelentes. Sin embargo, a pesar de todos los atributos que Carol tiene para ofrecer, la experiencia completa me resultó fría y distante, ya que nunca logró compenetrarme a un nivel emocional. En otras palabras, es una película que generó (al menos conmigo) una cierta distancia, y eso me evitó que la experiencia resultara del todo satisfactoria.

Entonces, en resumen: una buena película, sólidamente dirigida, impecablemente actuada y con extraordinarios aspectos técnicos, pero que no logró cautivarme. En fin, creo que puedo recomendarla por sus atributos, pero sin mucho entusiasmo. Definitivamente, un claro caso en el cual el todo me resultó menos que la suma de sus partes.

Annabelle 2: La Creación (Annabelle: Creation, 2017)

Reseña: Antes que nada, debo aclarar que no vi la original Annabelle (2014), por lo que fui a ver Annabelle 2: La Creación con expectativas neturas; y si bien no resultó una experiencia muy memorable, logró mantenerme entretenido, y amerita ser recomendada como una competente película de terror que está por encima del promedio de lo que los grandes estudios suelen ofrecer en este género.

Para empezar, lo que más me gustó de Annabelle 2: La Creación fue la sólida dirección de David F. Sandberg, quien sabe crear terror e inquietud de manera clásica y elegante. Particularmente aprecié la manera en que Sandberg sabe manejar los silencios; a diferencia de cineastas menos talentosos, que emplean un ritmo frenético en cintas de este tipo, Sandberg va construyendo todo de manera gradual y deliberada, por lo que el sobresalto termina llegando cuando menos lo esperamos, y, en consecuencia, resulta mucho más efectivo. Además, la atmósfera de desolación y temor está muy bien creada.

El guión está bien desarrollado, tomándose su tiempo para establecer a los personajes y sus relaciones, pero sin nunca estancarse. Además, me gustó el origen que se le asignó a la muñeca maligna Annabelle, ya que le brinda un aura trágico y melancólico que la hace ir mucho más allá de ser una génerica villana. Finalmente, las actuaciones del elenco entero son sumamente creíbles, aunque destaca la niña Talitha Bateman, quien demuestra un amplio rango de matices y expresiones con su desempeño.

Por el lado negativo, Annabelle 2: La Creación se extiende un poco más de lo necesario cerca del final; nunca se torna aburrida, pero sí algo repetitiva, por lo que creo que se podrían haber extirpado unos diez minutos. A pesar de eso, y sin ser una gran película ni mucho menos, Annabelle 2: La Creación es entretenida, y sin duda justifica ser vista en la pantalla grande para apreciar mejor sus climas y sus sobresaltos. Además, demuestra que Sandberg es un director con mucho potencial para el género de terror.