Transit (2018)

Reseña: Transit es una película simultáneamente experimental y clásica, y eso es lo que la hace cautivante. Por un lado, toma la decisión radical y valiente de tomar un relato (basado en una novela de 1942) que transcurre durante la persecución nazi en la Segunda Guerra Mundial y ambientarlo en la época moderna. Eso le brinda un carácter atemporal a la cinta, mostrando que, lamentablemente, algunas cosas nunca cambiarán. Por el otro lado, más allá de sus audaces decisiones de puesta en escena y de hacer que el relato transcurre en la modernidad, Transit cuenta una historia de amor y espionaje arraigada en raíces clásicas, que tranquilamente podría haber formado parte del Hollywood de los '40 y '50.

En Transit, el director y guionista Christian Petzold hace que el espectador sea participante activo de la película. No se detiene a explicar nada; simplemente pone a la audiencia en un contexto, y hace que esta tenga que sumarse al relato y deducir por sí sola las cosas con las herramientas que brindan el guion y la puesta en escena. Nada en Transit se siente arbitrario; hasta la narración en off, que tanto me ha molestado en otras cintas, se siente completamente justificada, y contribuye a brindarle capas adicionales de significado a la cinta. Hablando de capas, Transit tiene abundantes niveles narrativos y alegóricos para ofrecer, por lo que cada espectador brindará su particular lectura a lo que ocurre en pantalla, hasta culminar en un inolvidable final, que no solo es muy satisfactorio en lo narrativo y lo emocional, sino que también logra que el espectador se re-plantee toda la película, haciendo que esta adquiera toda una nueva dimensión. Es evidente que Petzold sabe cómo terminar sus películas (también había brindado finales memorables en cintas como Wolfsburg -2003- y Triángulo -Jerichow, 2008-).

Adicionalmente, no puedo dejar de hacer mención de las impecables actuaciones de Transit. Franz Rogowski (¿Me parece a mí, o realmente es idéntico a Joaquin Phoenix?) interpreta un rol difícil, ya que su personaje debe constantemente reprimir emociones, y es testimonio de su gran talento como actor que logre transmitirlas de manera simultáneamente sutil y creíble. Por su parte, Paula Beer también destaca, ya que no necesita más que su mirada y su presencia física para expresar todo lo que le ocurre a su personaje.

Recomiendo saber lo menos posible sobre la trama de Transit antes de verla. Esta es una cinta tan intrigante y atrapante, y está tan minuciosamente realizada como virtuosamente ejecutada, que conviene llegar a ella lo más "en blanco" posible y dejarse gradualmente hipnotizar por esta fascinante película. Recomendada con mucho entusiasmo, como muestra de que aún es posible innovar en el lenguaje cinematográfico, ofreciendo una experiencia única que genuinamente logra permanecer en la memoria.

Dogman (2018)

Reseña: Dogman es una especie de cuento pesimista y violento, ambientado en una zona de Italia donde la delincuencia se encuentra a cada paso y termina siendo hasta un aspecto cotidiano. El resultado es una película fascinante, que genuinamente logra sumergir al espectador en un mundo muy particular, además de ofrecer un guion simple en su superficie pero rico en su fondo y un tono de desesperanza muy bien capturado por el director Matteo Garrone.

Para empezar, el personaje principal de Dogman genera automática empatía. A pesar de estar involucrado en actividades ilícitas (vende cocaína y ocasionalmente es cómplice de robos), el peluquero canino sobre el cual se enfoca esta cinta posee una compleja humanidad que facilita la conexión del espectador con él. Por momentos, parece demasiado ingenuo; por otros, es sorpresivamente astuto. Como sea, termina siendo un personaje impredecible de quien nunca se sabe exactamente qué esperar, y eso es lo que mantiene al espectador constantemente atento y tratando de adivinar hacia dónde puede dirigirse el relato.

Además, la actuación de Marcello Fonte en el rol principal es asombrosa, logrando dotar a su personaje de muchos matices, además de poseer una fuerte presencia escénica que logra hipnotizar a la audiencia. En el rol de Simoncino, un mafioso de poca monta con quien el protagonista está peligrosamente involucrado, Edoardo Pesce también brinda una tremenda actuación; gracias a su detallado trabajo y a la precisa manera en la cual el personaje está escrito, Simoncino evita ser un simple villano, y termina siendo una compleja figura que genera simultáneamente repulsión y lástima.

En conclusión, Dogman me pareció una excelente cinta, que logra contar un apasionante relato de manera concisa, evitando todo tipo de relleno hasta llegar a un satisfactorio final que encuentra el punto exacto entre poesía y crudeza. Definitivamente la recomiendo con mucho entusiasmo, y, personalmente, creo que esta es la película más redonda que Garrone ha realizado hasta el momento (mis disculpas, fans de Gomorra -2008-).

Apostle (2018)

Reseña: En ocasiones previas, me he quejado de películas que se sienten como cortometrajes estirados, ya que no parece haber material suficiente para sustentar una cinta entera. Sin embargo, en el caso de Apostle, me ocurrió exactamente lo opuesto, ya que, a lo largo de sus ciento treinta minutos, hay material suficiente para al menos tres películas distintas. Eso hace que la cinta sea sienta carente de foco y poco satisfactoria.

Aún así, Apostle nunca aburrió, ya que indudablemente tiene ideas interesantes, y el director Gareth Evans sabe mantener un buen ritmo y ofrecer momentos tan sangrientos como realistas. Sin embargo, el problema es que Evans (en su faceta de guionista) tuvo demasiadas ideas interesantes, por lo que nunca se sabe qué es lo que realmente tenía que contar. Entonces, lo que empieza siendo un relato sobre un misterioso hombre que viaja a una isla para rescatar a su hermana que fue secuestrada por una secta termina desvirtuándose y enfocándose en vertientes inconexas que nunca logran formar parte de un relato cohesivo. Quizás Evans hubiera tenido que moderar su ambición, y reservar las vertientes narrativas que luego van apareciendo para desarrollarlas a fondo en otras películas.

Además, tengo algunas objeciones contra el elenco. En el papel principal, Dan Stevens se siente tan afectado que termina irritando; nunca logra componer un personaje creíble, y además carece del carisma suficiente para cargar con la película entera sobre sus hombros. Por su parte, en un papel del cual no conviene adelantar nada, Mark Lewis Jones se siente ridículamente sobre-actuado, limitándose a gritar exageradamente. Por el otro lado, Michael Sheen (como el líder de la secta) y Lucy Boynton (como su hija) ofrecen sólidos desempeños.

En conclusión, puedo darle una leve recomendación a Apostle, principalmente porque nunca me aburrió a lo largo de su extensa duración, además de despertar curiosidad con los temas que ofrece. El problema es que dichos temas no están tan bien explorados como deberían, por lo que termina quedando el sabor algo amargo de que la cinta podría haber ido mucho más lejos si hubiera moderado su ambición y ofrecido un relato más enfocado.

Sully (2016)

Reseña: A pesar de estar dirigida por Clint Eastwood y protagonizada por Tom Hanks, tardé mucho en ver Sully porque francamente no me interesaba mucho su temática. Sentí que una película que recuenta la historia verdadera del piloto que tuvo que hacer un amerizaje de emergencia en el río Hudson en enero de 2009 no iba a tener mucho para ofrecer en términos cinematográficos. Sin embargo, finalmente decidí verla, y debo decir que la cinta me terminó pareciendo interesante, además de contar con una sólida producción y un excepcional desempeño de Hanks en el papel principal (como nos tiene acostumbrados).

Sully está contada de manera no-lineal, partiendo de la investigación que se le realiza a Sully y a su co-piloto para ver si obraron con pericia, y revelando con flashbacks el momento del amerizaje de emergencia. Lo que más me gustó de la cinta es que, partiendo de ese evento real en particular, termina realizando un tributo a los trabajadores en general. Si bien todos consideran a Sully como un héroe, el no se siente como tal, sino simplemente como alguien que hizo su trabajo. Entonces, la película termina homenajeando a quienes, con su vocación y sus ganas, desempeñan satisfactoriamente sus tareas laborales.

Por su parte, las escenas referentes al accidente y al eventual amerizaje están retratadas de manera impactante y realista, haciendo que el espectador se vea profundamente involucrado en ese clima de tensión. En el resto de la película, Eastwood mantiene un tono sobrio y de bajo perfil, que no fuerza situaciones dramáticas, sino que deja que todo decante de manera gradual, hasta que cada vez nos sentimos más compenetrados con la situación del personaje central.

En cuanto al elenco, Hanks hace un trabajo estupendo en el rol central, manejando una exquisita sutileza que transmite mucho con la mirada y sus elocuentes cambios de expresión, además de prestar su siempre magnética presencia. En el papel del co-piloto, Aaron Eckhart también brinda una excelente actuación, además de tener una perfecta química con Hanks. Por el otro lado, sentí totalmente desperdiciada a Laura Linney en el rol de la esposa de Sully; su personaje está escrito de manera demasiado superficial, y se limita a hacer puchero mientras habla con su esposo por teléfono. Creo que las escenas en las que aparece el personaje de Linney salen sobrando de la experiencia, ya que constituyen el único relleno de la cinta.

Aún así, Sully resultó mejor de lo que esperaba, e indudablemente se trata de una cinta bien escrita, brillantemente actuada y muy bien realizada, que logra mantenerse interesante y entretenida de principio a fin. La recomiendo con confianza, principalmente por ser una muestra más de que no importa tanto la historia que se cuente, sino la manera en que dicho relato está contado, así como también de qué enfoque se encuentre para brindarle matices interesantes e inesperados.

El Repostero de Berlín (Der Kuchenmacher, 2017)

Reseña: El Repostero de Berlín es una película cuya sutileza es su arma más valiosa. En manos menos talentosas, una trama como la de esta cinta (un repostero alemán viaja a Jerusalén y entabla una amistad con la viuda del hombre con quien él tenía un affaire, quien era un ingeniero que viajaba frecuentemente a Alemania) podría haber degenerado en un irritante y sentimentaloide dramón telenovelesco. Pero gracias al refinado y sobrio trabajo del director y guionista Ofir Raul Grazier, tenemos un drama sensible y melancólico, en donde no hay exageradas escenas de llanto ni nada por el estilo, sino momentos emocionales que decantan poco a poco, eventualmente generando un efecto emotivo y satisfactorio.

El Repostero de Berlín se desarrolla con un ritmo pausado, pero jamás se torna aburrida, ya que ese estilo relajado y metódico permite que nos compenetremos de manera gradual con las experiencias de los personajes, al mismo tiempo que podemos ir apreciando las múltiples connotaciones que Grazier incorporó a su guion. Adicionalmente, esa forma de dejar que la narrativa se cocine "a fuego lento" y sin ninguna prisa permite saborear (palabra que coincide perfectamente con el tema culinario de esta película) mejor la narrativa y las emociones.

Los actores se adaptan sin dificultad alguna a la sutileza que la cinta mantiene de principio a fin. En el rol del repostero, Tim Kalkhof no necesita palabras para transmitir la devastación que siente por la muerte de su amado, así como también la soledad que siente en un país ajeno al suyo. Como la viuda del ingeniero, Sarah Adler también realiza un trabajo muy creíble, mostrando cómo su personaje intenta retomar la rutina con esa pérdida que tuvo en su vida. El resto de los intérpretes hace un buen trabajo, pero es indudable que los roles más importantes están a cargo de Kalkhof y Adler, quienes salen muy airosos en sus desempeños.

En resumen, El Repostero de Berlín me pareció una película muy interesante, logrando incursionar en terreno dramático con pudor y buen gusto, sin por ello descuidar el impacto emocional, hasta culminar en un final cuya elegante ambigüedad resulta muy satisfactoria. La recomiendo con confianza para quienes estén deseosos de ver una película cuyo bajo perfil es su principal atributo, a diferencia de tantos dramas realizados con mucha mayor parafernalia que solo consiguen irritar.

Sorry to Bother You (2018)

Reseña: Sorry to Bother You es una película bizarra e imposible de encasillar en un género específico, aunque eso no significa que sea una experiencia caprichosa sin pies ni cabeza. Por el contrario, por debajo de lo que vemos en la superficie, podemos encontrar abundantes simbolismos y atinados comentarios sobre temas relevantes como la discriminación racial y el mundo del trabajo. En otras palabras, Sorry to Bother You genuinamente tiene algo para decirnos, independientemente de que no elija una manera tradicional para brindar sus mensajes.

Ninguna sinopsis podría hacerle total justicia a la experiencia de ver Sorry to Bother You, así que solo diré la premisa básica: un joven negro encuentra una extraña manera de alcanzar el éxito en su nuevo empleo como telemarketer, lo cual podría darle consecuencias que él no imaginaba. Es genuinamente delirante e impredecible lo que el director y guionista Boots Riley hace eventualmente con ese concepto, pero, por mi parte, admiro que se haya elegido una manera tan original e inusual para contar la historia. Eso es suficiente para capturar la atención, haciendo que estemos constantemente intentando adivinar hacia dónde se puede dirigir la narrativa.

Por el lado negativo, Sorry to Bother You se desinfla un poco al final, cuando parece que Riley no supo exactamente cómo concluir la historia, lo cual hace que el relato cierre de manera algo abrupta, que deja con ganas de más. Adicionalmente, hay una escena adicional poco después del inicio de los créditos, pero se siente añadida a la fuerza y tampoco logra darle un cierre compacto a la experiencia. Si se hubiera trabajado mejor la conclusión, creo que Sorry to Bother You hubiera podido alcanzar el estrato de excelencia.

De todas maneras, Sorry to Bother You se disfruta principalmente porque no hay ninguna otra película que se le parezca, ofreciendo una experiencia imperfecta, pero única y muy recomendable, además de estar adornada con perfectas actuaciones (Lakeith Stanfield me sorprendió en su primer rol protagónico, demostrando abundante carisma y credibilidad). En resumen, un auspicioso debut de Riley como cineasta, demostrando visión y talento que auguran buenas cosas para sus proyectos futuros.

Isla de Perros (Isle of Dogs, 2018)

Reseña: Wes Anderson es uno de esos directores que tienen tantos admiradores como detractores. Personalmente, yo lo respeto mucho, ya que indudablemente se trata de un cineasta con una visión única que crea universos distintivos, lo cual se aprecia doblemente cuando uno está tan acostumbrado a ver películas genéricas e impersonales. Isla de Perros también cuenta con esas características inherentes al cine de Anderson, aunque debo decir que, en este caso, la narrativa no me atrapó tanto como en otras películas suyas (por ejemplo, la excelente El Gran Hotel Budapest -The Grand Budapest Hotel, 2014-, su cinta previa).

Aún así, no se puede negar que cada escena de Isla de Perros es un deleite visual que no deja el más mínimo lugar para el aburrimiento. Utilizando animación "stop-motion" (técnica que Anderson ya había utilizado en El Fantástico Sr. Zorro -Fantastic Mr. Fox, 2009-), cada momento de Isle of Dogs ofrece abundante placer para la vista, además de haber tantos detalles que seguramente no se puedan apreciar todos en tan solo una visión de la película. En otras palabras, la habilidad de Anderson para crear un mundo atractivo desde lo visual sigue intacta, y eso basta para hacer Isla de Perros entretenida y simpática.

Por el lado negativo, el guion propiamente dicho de Isla de Perros me pareció demasiado simple, carente de la profundidad y capas que otras películas de Anderson ofrecen. A fin de cuentas, la trama podría tranquilamente ser la de tantas otras películas animadas, aunque, en este caso, se ve realzada por la visión de Anderson al momento de traducirla en imágenes. Eso fue lo que diluyó un poco mi entusiasmo por Isla de Perros, y lo que no la hizo muy memorable a largo plazo.

De todas maneras, Isla de Perros indudablemente merece una recomendación, principalmente porque vale la pena apreciar una visión cinematográfica tan poderosa como la de Anderson, aunque el aspecto narrativo se haya quedado un poco corto en esta ocasión. Eso basta para hacer que Isla de Perros sea una experiencia interesante, además del excelente trabajo vocal del elenco (repleto de figuras como Bryan Cranston, Edward Norton, Bill Murray, Jeff Goldblum, Scarlett Johansson y Frances McDormand, entre otros), quienes logran dotar a sus personajes de vida y personalidad.