High Life (2018)

Reseña: Tenía elevadas expectativas antes de ver High Life porque su directora, Claire Denis, se encuentra entre mis cineastas favoritos, aunque debo decir que me decepcionó su película previa, Un Bello Sol Interior (Un Beau Soléil Interieur, 2017). No era una cinta mala por sí sola, pero me pareció carente de todo aquello que hace que el cine de esta director sea habitualmente único e indescriptible. En otras palabras, en su intención de hacer algo más "normal", Denis terminó entregando una película a la que faltaba todo lo que tanto me había atrapado en otras cintas suyas.

Por ello, me place decir que, sin ser infalible, High Life me pareció un regreso al cine intensamente sensorial y visceral de Denis, además de ofrecer una narrativa que ofrece una amplia variedad de posibles interpretaciones y abundantes metáforas e ideas visuales expertamente implementadas por Denis. Como suele ocurrir en las películas de este cineasta, High Life no está interesada en brindar una estructura narrativa convencional ni en dejar todo servido en bandeja, pero eso es justamente lo que más valoro de Denis.

High Life podría categorizarse como "ciencia ficción", pero una película como esta escapa al fácil encasillamiento. Ciertamente, hay elementos típicos de ese género (la cinta gira en torno a un grupo de convictos en una nave espacial, en donde son sometidos a extraños experimentos por parte de una doctora, interpretada por Juliette Binoche demostrando una faceta histriónica que no estamos acostumbrados a ver en ella), pero los co-guionistas Denis y Jean-Pol Fargeau los utilizan simplemente como puntos de partida para reflexionar sobre temas como el sexo, el aislamiento y el gradual descenso a la locura. Adicionalmente, High Life es una película que trabaja mucho los subtextos y las metáforas, por lo que, en muchas ocasiones, resulta evidente que lo que estamos propiamente viendo en pantalla se está utilizando como símbolo de otra cosa.

Escapando la grandilocuencia que muchas cintas de ciencia ficción adoptan, High Life luce una elegante austeridad, metiendo al espectador de lleno en la claustrofóbica atmósfera de esa nave espacial, creando elocuentemente la sensación de que los personajes simplemente no tienen escape de ese pesadillesco entorno. A su vez, también me pareció interesante la bizarra manera en la cual Denis retrata la sexualidad en High Life (lo cual constituye uno de los principales ejes temáticos de la película), lo cual hace que esta cinta tenga algunos puntos en común común Trouble Every Day (2001), una de sus obras previas, aunque aquí estén encarados desde otro punto de vista.

Por el lado negativo, creo que el final de High Life se queda un poco corto. Por un lado, concluye la experiencia con una sensación apropiadamente misteriosa, pero, por el otro, yo esperaba un cierre más impactante y concreto en vista de lo que la película parecía estar construyendo. Sin emabrgo, no es una queja significativa, y quizás le vaya encontrando nuevos niveles de significado al final a medida que la película se vaya sedimentando en mi cerebro con el correr de los días.

Eso me lleva al principal halago que puedo hacerle a High Life: es una cinta que sigue dando vueltas en la cabeza durante largo rato, y lo que tiene para ofrecer es tan rico que naturalmente se van descubriendo nuevas cosas a medida que uno más procesa la cinta adentro suyo. Como ya es moneda corriente en la filmografía de Denis, sobra decir que High Life no es una película para todos los gustos, pero, personalmente, volví a caer una vez más en el hechizo de esta directora, por lo que esta me pareció una experiencia hipnótica y concebida con una auténtica visión cinematográfica.

Arctic (2018)

Reseña: Arctic no es una película particularmente original, ya que sigue el patrón que hemos visto en muchas otras "survival movies" (sub-género del cine catástrofe donde también pertenecen cintas como Náufrago -Cast Away, 2000- o 127 Horas -127 Hours, 2011- . En este caso, la cinta gira en torno a un hombre que queda varado en el medio del Ártico debido a un accidente aéreo. Como sea, a pesar de ser poco novedosa, Arctic ofrece suficientes virtudes para mantener el interés de la audiencia.

La principal de esas virtudes es la extraordinaria actuación de Mads Mikkelsen, quien no deja de asombrarme en cada película donde lo veo. Prescindiendo casi por completo de diálogos, Mikkelsen logra transmitir angustia, desesperación y ganas de vivir tan solo con su mirada y sus expresiones, además de poseer una fuerte presencia escénica. El director Joe Penna definitivamente hizo bien en seleccionar un actor tan virtuoso como Mikkelsen, ya que la película entera descansa sobre los hombros de ese personaje (el resto del minúsculo elenco de Arctic solo incluye a una actriz, Maria Thelma Smáradótirr, quien interpreta a una mujer que el protagonista rescata de un helicóptero accidentado, y tiene muy poco para hacer, ya que su personaje está dormido la mayor parte del tiempo), y realmente hacía falta alguien talentoso y carismático para interpretarlo.

Otra virtud que ofrece Arctic es que no pierde tiempo en preámbulos ni en innecesarios "flashbacks". Por el contrario, la cinta nos ofrece una narrativa concentrada y destilada en sus componentes básicos, metiéndonos de entrada en la situación y eventualmente evitando todo tipo de relleno. La cinta está interesada en retratar los esfuerzos de un hombre por sobrevivir, y nunca pierde el foco en ello. Además, al contar con muy pocos diálogos, Arctic demuestra la suficiente confianza en las imágenes para permitirles a ellas hablar por sí solas.

Por el lado negativo, Arctic se siente un poco estirada, sobre todo en su ligeramente repetitiva parte media, cuando terminamos viendo a grandes rasgos lo mismo una y otra vez y se estanca un poco la evolución narrativa. Este es otro caso en donde me pareció que se añadió duración a la cinta para evitar que fuera un cortometraje, aunque, de esa manera, el flujo de la experiencia se ve afectado en consecuencia. Por suerte, ello se ve compensado hasta cierto punto cuando llegamos al tramo final de la película, en donde Penna demuestra buena mano para jugar con las expectativas de la audiencia y hacerlo dudar de cómo puede terminar todo.

A fin de cuentas, sin ser nada especial, Arctic me mantuvo entretenido en líneas generales, además de funcionar como otro muestrario del impresionante talento de Mikkelsen, quien demuestra nuevamente ser uno de los mejores actores contemporáneos. Por su parte, Penna se perfila en esta, su ópera prima, como un cineasta prometedor; sería interesante ver qué tiene para ofrecernos en sus proyectos futuros, para ver si logra corregir algunos medianos defectos y si encuentra material más original.

The Good, the Bad, the Weird (Joheunnom Nabbeunom Isanghannom, 2008)

Reseña: Tenía mucha curiosidad antes de ver The Good, the Bad, the Weird. ¿Cómo podía no despertarla un western coreano? Como sea, me terminé encontrando con una entretenida película que rinde homenaje a ese género tan tradicionalmente estadounidense, con impresionantes valores de producción que no tienen nada que envidiarle a muchas súper-producciones hollywoodenses y un dinámico ritmo que no deja el más mínimo lugar para el aburrimiento.

A grandes rasgos, la trama de The Good, the Bad, the Weird es simple (la búsqueda de un tesoro en el desierto de Manchuria, China), aunque resulta un poco confusa en sus detalles por la excesiva cantidad de personajes. Como sea, la confusión se ve opacada por el veloz ritmo de la experiencia y las delirantes secuencias de acción, filmadas de manera simultáneamente creativa, dinámica y clara. A su vez, me gustó las ocasionales pausas que The Good, the Bad, the Weird se toma para crear personajes interesantes con sus particulares psicologías e historias de vida.

Adicionalmente, The Good, the Bad, the Weird se ve beneficiada por las competentes y carismáticas actuaciones de Song Kang-ho, Lee Byung-hun y Jung Woo-sun en los roles principales, además de la sólida dirección de Kim Ji-woon, quien logra mantener una frenética dinámica de principio a fin sin nunca hacerla decaer, aunque sin por ello descuidar la sustancia de la experiencia.

Quizás no sea muy memorable a largo plazo, pero The Good, the Bad, the Weird me mantuvo entretenido mientras la veía, además de estar aderezada por un simpático sentido del humor que logró arrancarme risas en más de una ocasión. En otras palabras, a pesar de lo inusual que es su procedencia, otra buena re-interpretación del western, adaptado en este caso a una idiosincracia que le brinda un sabor distinto al género.

Neruda (2016)

Reseña: A pesar de ser una de las figuras más importantes en la historia de la literatura latinoamericana, no conocía mucho sobre la vida de Pablo Neruda. Por ello, la película Neruda logró enseñarme abundantes aspectos de la vida de ese célebre poeta... aunque la cinta dista mucho de estar encarada como una biografía convencional, y eso es justamente lo que la hace interesante y distintiva, además de contar con sólidas actuaciones y perfectos aspectos técnicos.

Neruda transcurre en el año 1948, cuando el epónimo poeta era Senador de Chile, y su ideología comunista estaba en disidencia con la del Presidente Gabriel González Videla. Entonces, se ordenó la captura de Neruda, quien tuvo que escapar escondido pasando a la clandestinidad. Mientras tanto, seguimos los esfuerzos del policía Oscar Peluchonneau para atraparlo. Así es como Neruda (la película) va siguiendo dos hilos narrativo, logrando mantener igual atención a ambos para eventualmente hacerlos confluir en un final que hace incursionar a la cinta en un terreno poético que me pareció satisfactorio e ingeniosamente planteado.

En muchas ocasiones, he señalado la narración como un aspecto negativo de muchas cintas, pero, en el caso de Neruda, la narración a cargo de Peluchonneau me pareció su mejor aspecto, ya que le brinda un nivel "meta" a la película que me pareció inteligente y repleto de un sentido del humor tan sutil como efectivo. En pocas palabras, Neruda es una de las pocas películas que supo hacer buen uso de la narración, haciendo que sea un complemento de las imágenes en lugar de un estorbo.

Obviamente, queda claro que, a diferencia de muchas otras biografías, Neruda no está interesada en hacer un obsesivo recuento de hechos reales, sino en presentarlos de una manera que los pone en una perspectiva inusual, haciéndonos cuestionar dónde termina la verdad y dónde empieza la ficción. Pero esa incertidumbre enriquece la experiencia, ya que consigue despertar la imaginación de una manera que muchas "biopics" no logran, al mismo tiempo que ofrece un retrato vívido y complejo de una persona tan importante como Pablo Neruda.

Luis Gnecco y Gael García Bernal cargan con la película entera sobre sus hombros como Neruda y Peluchonneau (respectivamente), y lo logran perfectamente, brindando credibilidad y carisma a sus roles. El elenco secundario también hace un buen trabajo (aunque sentí un poco desperdiciado a un actor tan bueno como Alfredo Castro con un tiempo en escena tan escaso como González Videla), y el director Pablo Larraín conduce la experiencia con un sobrio pero eficaz estilo visual, además de sacar máximo provecho de algunas imponentes locaciones chilenas.

En conclusión, Neruda logra satisfacer tanto en lo recreativo como en lo didáctico, retratando a un importante personaje de manera novedosa y muy entretenida, evitando la solemnidad de una tediosa lección de historia. Por ello, la recomiendo con confianza; su mayor virtud fue dejarme con ganas de ver más "biopics" concebidas con tanta originalidad, a diferencia de tantas cintas de este género que resultan tan esquemáticas como olvidables.

Hacia Rutas Salvajes (Into the Wild, 2007)

Reseña: Hacia Rutas Salvajes es la biografía de Christopher McCandless, un joven que decidió dejarlo todo para ir a recorrer Estados Unidos haciendo senderismo, con el propósito de llegar a Alaska como meta final. Más allá de los juicios de valor que cada espectador tendrá con respecto a la actitud que tuvo el protagonista para abandonar a su familia sin previo aviso y embarcarse en esa aventura casi suicida, Hacia Rutas Salvajes ofrece un relato repleto de pasión y momentos fuertemente emocionales.

Sin embargo, a pesar de sus múltiples virtudes, tengo algunas objeciones contra Hacia Rutas Salvajes que demeritan un poco la experiencia general. Para empezar, el uso de la narración (ocasionalmente a cargo del protagonista, y ocasionalmente a cargo del personaje de su hermana) molesta un poco en parte por su exceso y en parte porque, la mayor parte de las veces, reemplazan con palabras lo que tendríamos que haber entendido por imágenes. En más de una ocasión, eso me "sacó" ligeramente de la experiencia, aunque afortunadamente se va haciendo menos frecuente a medida que la película va avanzando.

Otra objeción que tengo contra Hacia Rutas Salvajes es que la actuación de Emile Hirsch en el rol protagónico se siente en poco floja. En algunas ocasiones (como The Motel Life -2012- o The Autopsy of Jane Doe -2016-), el trabajo de este actor me ha parecido competente, pero en otras, como en Never Grow Old (2019) o Hacia Rutas Salvajes, Hirsch se siente blando y carente de la presencia suficiente para cargar con una película sobre sus hombros. En el caso particular de Hacia Rutas Salvajes, eso me impidió compenetrarme a fondo con el personaje principal, por lo que me interesaba en sus peripecias, pero sin sentirme profundamente conectado con él.

Además, el débil desempeño de Hirsch se ve opacado por el excelente trabajo del elenco secundario (exceptuando a Kristen Stewart, quien se muestra tan inexpresiva como siempre), destacando a William Hurt, Catherine Keener y, sobre todo, el veterano Hal Holbrook, quien logra robarse la película entera a pesar de su relativamente reducido tiempo en escena. Hirsch simplemente no logra estar a esa altura, por lo que los momentos emocionales que mencioné en el primer párrafo son mérito de los personajes de soporte en lugar del protagonista.

De todas maneras, Hacia Rutas Salvajes no deja de ser una experiencia interesante, principalmente gracias a su bien desarrollado guion, el trabajo del elenco secundario y la dirección de Sean Penn, quien logra conjugar múltiples aspectos en una experiencia interesante que mantiene un buen ritmo y la atención del espectador a lo largo de casi dos horas y media. Además, la cinta derrocha pasión de principio a fin, y ahí es donde se nota el entusiasmo que seguramente tenía Penn a la hora de llevar este relato a la pantalla.

Balada de un Hombre Común (Inside Llewyn Davis, 2013)

Reseña: No soy fan incondicional de los Hermanos Coen, pero no puede negarse que este legendario dueto de cineastas posee un estilo único, lo cual se aprecia doblemente cuando uno está acostumbrado a ver tantas cintas genéricas y desechables. Dicho estilo también se puede apreciar en Balada de un Hombre Común, la cual ofrece varios momentos interesantes, aunque quizás le hubiera venido mejor un poco más de cohesión como experiencia general.

Balada de un Hombre Común transcurre en el año 1961, y sigue a Llewyn Davis, un músico folk a quien el éxito parece evadir, no solo en su carrera artística, sino también en su vida en general. Como sea, el personaje logra despertar empatía en el espectador, sobre todo gracias a la extraordinaria actuación de Oscar Isaac, quien logra componer un personaje complejo y repleto de matices; tan solo con su mirada, podemos sentir la tristeza interna de Llewyn, así como también su persistente deseo de triunfar a pesar de tener todo en contra.

Balada de un Hombre Común no sigue un hilo narrativo propiamente dicho, ya que prefiere enfocarse en una serie de viñetas en las cuales el personaje principal se ve envuelto en un puñado de días. Y si bien dichas viñetas no son aburridas por sí solas, y nos dejan con interesantes reflexiones, no logran fusionarse en una estructura genuinamente unificada, hasta culminar en un final abrupto que no logra sentirse como un verdadero cierre de la experiencia.

Volviendo a lo positivo, Balada de un Hombre Común goza de la perfección técnica que típicamente podemos esperar en una cinta de los Hermanos Coen, desde la gris cinematografía de Bruno Delbonnel hasta el detallado diseño de producción que genuinamente logran transportarnos a la época y el lugar en los cuales la cinta está ambientada. Entonces, puedo darle a Balada de un Hombre Común una recomendación principalmente por ello y las perfectas actuaciones del elenco entero (además de Isaac, también merece mención el elenco secundario, en donde encontramos a varios excelentes actores como Carey Mulligan, John Goodman, Adam Driver y F. Murray Abraham).

El Padre de mis Hijos (Le Père de mes Enfants, 2009)

Reseña: No me gusta incluir "spoilers" en mi reseña, pero creo, que en el caso de El Padre de mis Hijos, voy a tener que permitirme una excepción. Por el otro lado, no estoy completamente seguro de que lo que voy a mencionar sea un "spoiler", ya que ello ocurre tan solo a la mitad de la cinta. Como sea, quedan advertidos: si prefieren ver la película lo más "en blanco" posible, dejen de leer este comentario aquí mismo.

El Padre de mis Hijos arranca presentándonos al personaje Grégoire Canvel, el cual está basado en una persona que realmente existió llamada Humbert Balsan, un productor de cine que decidió suicidarse debido a la depresión que padecía. No sé qué tan fiel sea el personaje de Canvel al auténtico Balsan, pero El Padre de mis Hijos dedica su primera mitad a introducirnos a la apacible vida familiar del productor, la cual se ve contrastada por las severas deudas en las cuales su empresa se ve envuelta. Gracias al preciso guion y la excelente actuación de Louis-Do de Lencquesaing, realmente logré crear empatía con Canvel, compenetrándome con su angustia, la cual se ve culminada con su suicidio.

Luego de la muerte de Canvel, llegamos a la segunda mitad de El Padre de mis Hijos, en donde el foco pasa a su viuda y a sus hijas. Evitando las escenas lacrimosas que encontraríamos en películas menos inteligentes y refinadas, la directora Mia Hansen-Løve muestra sutilmente cómo la súbita pérdida de un ser amado cambia diametralmente la vida diaria, aunque eventualmente se acepta esa pérdida y simplemente se continúa con el día a día, más allá del vacío que deja esa ausencia. Aquí no hay aparatosas escenas de llantos ni golpes bajos; simplemente se retrata la vida misma, y cómo la muerte de alguien cercano la cambia para siempre.

Sin embargo, esa sobriedad emocional no significa que la película carezca de emociones; por el contrario, El Padre de mis Hijos logra ser genuinamente emotiva (sobre todo en su final), pero apelando a buenas armas. Además, como cinéfilo, encontré muy interesante el retrato de la industria del cine que ofrece esta cinta, mostrando la pesadilla en la cual la producción cinematográfica ocasionalmente se puede convertir. En resumen, una experiencia agridulce, pero muy satisfactoria, realizada con elegancia y un excelente ojo para los detalles.