El Inadaptado (Den Brysomme Mannen, 2006)

Reseña: El Inadaptado es una de esas películas de las cuales resulta imposible sintetizar en una simple sinopsis, por la simple razón de que cada espectador encontrará un significado diferente a lo que ocurre en la pantalla según su punto de vista. Eso significa que también es muy difícil encasillarla en un género específico: ¿Es una película de terror? ¿Una comedia absurdista? ¿Un thriller psicológico con tintes oníricos? ¿Una deprimente alegoría sobre la humanidad? Quizás sea todo eso a la vez... o quizás no sea nada de eso. En fin, sé que muchos espectadores se sentirán frustrados por la falta de respuestas concretas a los múltiples enigmas planteados por El Inadaptado, pero yo quedé conforme con ello, porque uno está tan habituado a ver cintas que entregan todo pre-digerido al espectador que resulta refrescante encontrarse con una que confía lo suficiente en la inteligencia de la audiencia para hacerla partícipe activa de la experiencia y permitir que cada uno interprete la película desde su perspectiva.

Esbozando a grandes rasgos lo que ocurre en El Inadaptado, nos encontramos con un protagonista que, de la nada, aparece en una ciudad en donde muchas cosas parecen normales... pero otras no tanto, ya que, por ejemplo, nadie experimenta el sabor de la comida ni vive sensaciones emocionales. En otras palabras, el protagonista llega a un mundo en donde todo parece insípido y carente de alma, aunque también parece ocultarse algo macabro detrás de todo eso. Personalmente, tengo muchas hipótesis sobre lo que El Inadaptado cuenta, pero quizás lo que el guionista Per Schreiner pretendía transmitir no tiene nada que ver con ellas. Sin embargo, siento que El Inadaptado es una de esas películas en las que no conviene buscar una explicación concreta a lo que ocurre, sino simplemente disfrutar las múltiples incógnitas que plantea y todas las posibilidades que vienen arraigadas con ellas.

Adicionalmente, no se pueden negar los múltiples atributos técnicos de El Inadaptado. Desde la atmosférica dirección de Jens Lien hasta la apropiadamente gris cinematografía de John Christian Rosenlund, todos los elementos contribuyen a la creación de un universo muy particular y distintivo, haciendo que la cinta adquiera una auténtica personalidad. Los actores se adaptan bien a la parquedad de la película, destacando a Trond Fausa Aurvåg en el rol principal, creando un personaje interesante en base a talento y carisma.

A fin de cuentas, no podría decir que El Inadaptado sea una gran película, pero indudablemente se trata de una cinta audaz y arriesgada, lo cual es una bocanada de aire fresco cuando uno está tan acostumbrado a experiencias cinematográficas genéricas y olvidables. Definitivamente no será para todos los gustos, pero no puede negarse que El Inadaptado tiene algo distinto para ofrecer, y, tan solo por eso, creo que vale la pena darle una oportunidad.

Auto Focus (2002)

Reseña: Bob Crane fue un actor que protagonizó, entre 1965 y 1971, la popular (al menos en Estados Unidos) serie Hogan's Heroes, una sitcom que curiosamente transcurría en un campo de concentración nazi. Sin embargo, Crane terminó arruinando su vida y su carrera con la amistad que entabló con John Carpenter (quien no tenía nada que ver con la famoso director de cine del mismo nombre), un técnico de video que lo introdujo al mundo de las orgías y el descontrol. La película Auto Focus es una biografía de Crane, y, a pesar de durar un poco más de lo necesario, logró sostener mi interés con su mirada a la vida de ese malogrado actor.

Mientras veía Auto Focus, me vinieron a la mente dos películas: Boogie Nights (1997) y Hollywoodland (2006). Al igual que la primera, Auto Focus retrata la atmósfera de sexo y desenfreno en Los Ángeles durante una época específica; al igual que la segunda, vemos la gradual debacle de un actor, retratando elocuentemente lo difícil que resulta luchar con la fama y prosperar en una industria como Hollywood. Sin embargo, más allá de esas similitudes, Auto Focus rebosa de la personalidad característica del director Paul Schrader, quien siempre ha mostrado interés en retratar el universo masculino, ya sea en otras cintas que ha dirigido (Días de Furia -Affliction, 1997-, First Reformed -2017) o en las que trabajó como guionista (Taxi Driver -1976-, Toro Salvaje -Raging Bull, 1980-, Vidas al Límite -Bringing Out the Dead, 1999-). En esta ocasión, el eje gira en torno a Crane y Carpenter, dos hombres cuya adicción al sexo se apodera de sus vidas a un nivel extremo, aunque eso no significa que Schrader pierda de vista la humanidad y matices de ambos.

Las actuaciones de Greg Kinnear y Willem Dafoe como Crane y Carpenter (respectivamente) son excelentes. Ambos logran componer personajes complejos de manera sumamente creíble, y su química es tan buena que se acepta de manera inmediata los vaivenes que experimentan sus personajes en su amistad. Por el otro lado, María Bello y Rita Wilson están algo desperdiciadas como las dos esposas que Crane tuvo; no quedan mal, pero no tienen mucho contenido sustancioso con el cual trabajar. Finalmente, quiero hacer mención del brillante desempeño de Ron Leibman como el agente de Crane; francamente, este actor me resultaba un total desconocido, pero me sorprendió muy gratamente en esta cinta, revelándose como uno de esos actores de carácter que logran dejar auténtica huella en los roles que interpretan, independientemente del tiempo que estén en escena.

Como dije anteriormente, Auto Focus se extiende un poco más de lo necesario, particularmente en la parte media, la cual se torna un poco redundante y podría haberse acortado un poco. Pero, por lo demás, Auto Focus me pareció una interesante experiencia, bien escrita, dirigida y actuada, que amerita ser recomendada. Finalmente, quizás el hecho de que la película gire en torno al sexo ahuyente a algunas personas, pero debo decir que la cinta no se regodea en eso ni retrata cosas explícitas, ya que está interesada en meterse en territorio más rico y profundo partiendo de esa base.

El Motoarrebatador (2018)

Reseña: El Motoarrebatador comienza de manera directa y sin préambulos, mostrando el violento asalto por parte de dos "motochorros" a una mujer que acaba de retirar plata de un cajero. Luego, uno de los dos ladrones va a visitar a la mujer al hospital sin revelarle que fue uno de quienes la asaltó, y empieza a forjarse una relación entre ellos. No conviene revelar nada más sobre la trama de esta película, ya que, si bien parece sencilla en su superficie, da algunos giros inesperados, al mismo tiempo que nuestras perspectivas de los personajes se ve replanteada constantemente.

Me gustó la forma humana y multi-dimensional con la cual los personajes están escritos. El personaje del ladrón logra generar una variedad de sensaciones antagónicas: odio, ternura, repulsión y empatía. Por su parte, la víctima también tiene facetas contradictorias, por lo que tampoco resulta fácil de etiquetar. En otras palabras, los personajes principales de El Motoarrebatador son seres humanos falibles y con muchas capas, y eso facilita la compenetración del espectador con ellos.

También ayudan mucho las fantásticas actuaciones de Sergio Prina y Liliana Juárez como el ladrón y la víctima (respectivamente). Ambos son tan naturales y carentes de artificio en sus roles que realmente sentimos que estamos viendo auténticas personas, en lugar de personajes siguiendo un guion. Por el otro lado, hay algunas actuaciones demasiado rígidas en el elenco secundario, y eso opaca un poco la atmósfera realista lograda por el director Agustín Toscano. Y, ya que empecé a quejarme, también diré que algunos detalles del guion se sienten forzados y fuera de lugar.

A pesar de sus imperfecciones, El Motoarrebatador me pareció una sólida muestra de cine independiente argentino, demostrando nuevamente que la escasez de recursos no es un obstáculo si se tiene una historia interesante para contar, así como también el talento suficiente para traducirla en imágenes. Entonces, la recomiendo con confianza para quienes quieran ver una película "chica", sin grandes pretensiones, pero que sabe sostener la atención de la audiencia.

Los Cien Pasos (I Cento Passi, 2000)

Reseña: Los Cien Pasos es la biografía de Peppino Impastato, un activista político que denunciaba constantemente a la mafia siciliana entre los '60 y '70, lo cual obviamente lo ponía en constantes conflictos (incluso con su propia familia). El resultado es una cinta interesante, con buenas actuaciones e impecablemente producida, aunque quizás hubiera necesitado más contundencia para ser algo realmente memorable.

No obstante, hay mucho para apreciar en Los Cien Pasos. La reconstrucción de época está brillantemente lograda, sin nunca llamar la atención por sí misma, pero con un buen ojo para los detalles. También merece mención la banda sonora, compuesta por varias excelentes canciones que suman puntos a la experiencia general (incluyendo "A Whiter Shade of Pale", de Procol Harum, la cual escucho con bastante frecuencia cuando veo cine; hace apenas unos meses, también la escuché en Invitación de Boda -Wajib, 2017-).

El director Marco Tullio Giordana hace un decente trabajo, aunque su estilo es algo impersonal, por lo que si bien la cinta está bien llevada y sostiene el interés, no refleja mucha visión detrás de cámaras. Otra objeción que tengo es que Los Cien Pasos se extiende un poco más de la cuenta en la parte media, con algunos momentos repetitivos que obstruyen el flujo de la experiencia y la vuelven un poco cansada en algunas ocasiones.

Por su parte, las actuaciones de Los Cien Pasos me parecieron muy buenas. Luigi Lo Cascio hace un sólido trabajo en el papel protagónico, aunque quienes más me impresionaron fueron Lucia Sardo y el fallecido Luigi Maria Burruano como sus padres. Entonces, esas actuaciones, junto al generalmente bien escrito guion y la perfecta manufactura, bastan para hacer que Los Cien Pasos gane una moderada recomendación, aunque no logre permanecer mucho en el recuerdo a largo plazo.

The Standoff at Sparrow Creek (2018)

Reseña: The Standoff at Sparrow Creek es una de esas películas minimalistas que se enfocan mayor o totalmente en un reducido número de personajes confinados a una sola locación. En este caso, todo se desencadena cuando hay una masacre en el funeral de un policía, y un ex-miembro de la milicia se da cuenta de que el perpetrador fue algún otrora compañero suyo; por ello, reúne a sus antiguos colegas en un galpón, y procede a interrogarlos hasta que alguno confiese antes de que la policía los localice. En otras palabras, esta es una cinta enfocada en diálogos y actuaciones, y no en floritura visual. Personalmente, creo que la cinta logró salir airosa del desafío en líneas generales, aunque eso no significa que esté exenta de algunas fallas.

Cuando se realiza una película de este tipo, siempre se corre el riesgo de caer en lo monótono o lo teatral. Sin embargo, el director y guionista Henry Dunham (realizando su ópera prima) supo crear tensión con elementos mínimos, así como también una atmósfera apropiadamente lúgubre y desolada. En lo que respecta al guion, está generalmente bien construido, manteniendo la atención en base a diálogos y haciéndonos cuestionar constantemente si los personajes están mintiendo o diciendo la verdad.

En lo que respecta al elenco, todos hacen un sólido trabajo. Algunos intérpretes son medianamente conocidos (James Badge Dale, Brian Geraghty, Robert Aramayo, Gene Jones y Patrick Fischler) mientras que no estaba familiarizado con otros (Happy Anderson, Chris Mulkey), pero, como sea, entre todos forman un ensamble en donde no hay "estrellas", sino buenos actores de carácter que ocupan sus roles con convicción y comparten una química creíble entre ellos.

Por el lado negativo, el guion quizás dé más vueltas de las necesarias en algunas ocasiones, y aunque el final se desvía un poco de lo esperado, creo que hubiera venido mejor un remate más contundente a la experiencia. En este punto, me fue inevitable recordar la reciente película danesa The Guilty (Den Skyldige, 2018), otra muestra de cine minimalista que también contó un relato "chico", pero que resultaba más impactante. Personalmente, creo que The Standoff at Sparrow Creek careció de ese proverbial "toque final".

Aún así, The Standoff at Sparrow Creek es una competente muestra de cine realizado con poco dinero pero suficiente talento para capturar el interés a lo largo de poco menos de noventa minutos bien llevados. Adicionalmente, crea buenas expectativas para la obra futura de Dunham; veremos si sigue realizando películas "pequeñas" como esta, o si eventualmente terminará dirigiendo su visión a cosas más grandilocuentes. Haga lo que haga, será interesante contemplar los resultados.

Noi, el Albino (Nói Albinói, 2003)

Reseña: A grandes rasgos, Noi, el Albino puede sonar como tantos relatos "coming of age", con un protagonista joven retraído que se siente incomprendido, y está en contacto con personas pintorescas (entre quienes se encuentran su padre y su abuela). Sin embargo, la cinta tiene algunos elementos distintivos que la hacen un poco diferente, empezando por su ambientación en un helado pueblo islandés, lo cual tiñe a toda la experiencia de una idiosincracia muy particular, que uno no está acostumbrado a encontrar en el cine. El resultado final no está exento de interés, a pesar de algunos momentos en los cuales la película se torna un poco aburrida.

Durante su primer acto, Noi, el Albino nos introduce de manera simpática al protagonista y a las personas que lo rodean. Empleando un humor sutil y naturales actuaciones del elenco entero, Noi, el Albino nos presenta un universo interesante, con un "sabor" propio y una atmósfera de pueblo pequeño bien logrado. Lamentablemente, cuando llegamos a la parte media, la narrativa de Noi, el Albino se empantana un poco y se torna redundante; la falta de un desarrollo significativo y los divagues sin un eje narrativo francamente me terminaron cansando.

No obstante, Noi, el Albino recobra vigor en su conclusión, cuando ocurre un giro inesperado que le brinda inusitada profundidad a la experiencia. De esa manera, lo que inicialmente parecía una simpática película "coming of age" termina adquiriendo otra dimensión y ganando connotaciones más ricas. Ahí es donde particularmente se nota la ambición del director Dagur Kóri por trascender géneros y entregar una cinta difícil de encasillar.

Entonces, Noi, el Albino me dejó con sensaciones encontradas. Personalmente, creo que vale la pena sobrellevar el ocasional tedio que despierta la parte media en vista de la gracia comienzo y de la inesperadamente impactante conclusión. Entonces, creo que eso basta para darle una moderada recomendación como una competente cinta proveniente de una nacionalidad de la cual no se conoce mucho cine a nivel internacional (anteriormente a esta, la única película islandesa que había visto fue I Remember You -Eg Man Þig, 2017-, la cual detesté y borré inmediatamente de mi cerebro).

Viudas (Widows, 2018)

Reseña: Una breve reseña de la trama de Viudas podría hacerla sonar como una típica "heist movie", pero, en realidad, el guion incluye elementos que le añaden cierta frescura a dicha fórmula. La cinta arranca cuando un grupo de ladrones muere tras un robo; esto deja a sus esposas con problemas económicos, por lo cual ellas terminan planeando un robo, pero no será tan fácil, ya que hay algunos políticos que tienen vinculación con las actividades delictivas de sus respectivos maridos. Entonces, además del planeamiento del robo, también tenemos elementos de thriller político, así como también vemos las penurias y dificultades que las mujeres tienen que enfrentar tras el fallecimiento de sus esposos. El resultado final es una película interesante y entretenida, aunque no exenta de algunos problemas.

Ciertamente era un riesgo simultáneamente balancear tantos elementos divergentes y hacerlos confluir en el guion de Viudas, pero la cinta salió airosa en su ambición, sin descuidar ninguno de dichos elementos, y dándoles a cada uno un desarrollo detallado y bien escrito. Por el lado negativo, hay algunos aspectos cerca del final que resultan un poco confusos, además de algunos momentos forzados y convenientes que resaltan doblemente considerando que lo demás está bien escrito y pensado. De todas maneras, a pesar de esos tropiezos, la película logró sostener mi atención de principio a fin, y su duración de más de dos horas se me pasó de manera ágil y fluida.

Luego de 12 Años de Esclavitud (12 Years a Slave, 2013), película que fue muy aclamada pero que personalmente odié, el director Steve McQueen ofrece un trabajo mucho mejor logrado en Viudas. Su estilo visual es atractivo, pero nunca busca llamar la atención por sí mismo; por el contrario, su elegante manejo de cámaras y su buen ojo para la puesta en escena siempre están al servicio de la narrativo, por lo que se integran naturalmente a la experiencia. McQueen también me dejó una buena impresión en las escenas de acción, las cuales están filmadas de manera clara y realista, haciéndonos íntimos partícipes de ellas.

En cuanto al elenco de Viudas, aunque generalmente no trago a la actriz Viola Davis, debo admitir que la encontré tolerable en esta ocasión. Hay algunas breves instancias en las cuales se manifiesta su tendencia a la sobre-actuación, pero, en general, la encontré medida y controlada. En cuanto a las demás viudas que participan en el robo, Michelle Rodríguez (demostrando mayor humanidad de la que solemos encontrar en sus actuaciones) y Elizabeth Debicki hacen un buen trabajo, mientras que Cynthia Erivo (quien no es una viuda, pero se incorpora más tarde como la chofer) demuestra férrea presencia en su papel. Por su parte, Daniel Kaluuya logra ser un villano temible tan solo con su intensa mirada, mientras que Brian Tyree Henry y Colin Farrell también logran dejar una sólida impresión como políticos con pocos escrúpulos. Finalmente, aunque aparezca relativamente poco, siempre es un placer ver a Robert Duvall en escena (además, merece aplausos por mantenerse activo comon actor a pesar de su avanzada edad).

En conclusión, a pesar de algunas quejas que tengo contra ella, Viudas me dejó satisfecho, logrando  ser una tensa y entretenida "heist movie" que indudablemente merece una recomendación, con un guion ambicioso que balancea múltiples aspectos con talento y precisión narrativa. Y por si eso fuera poco, también tenemos sólidas actuaciones y la dinámica y firme dirección de McQueen, quien se redime del bodrio que fue 12 Años de Esclavitud y logra recuperar mis buenas expectativas para sus futuros proyectos.