Peligro en la Intimidad (Bug, 2006)

Reseña: Peligro en la Intimidad es una película extraña, que mezcla diversos géneros (terror, thriller, drama y hasta ciertos atisbos de comedia negra) para terminar formando una experiencia anómala e impredecible, que logra capturar al espectador justamente por desviarse por completo de terrenos fáciles o predecibles. Si bien la cinta está basada en una obra de teatro, el legendario director William Friedkin encontró la manera de plasmar la historia de una forma visualmente interesante, jamás tornándose estática ni monótona. Las actuaciones de Ashley Judd y el gran Michael Shannon son excelentes, navegando sin dificultad y con absoluta crediblidad por la amplia gama de emociones que sus personajes atraviesan. El resto del elenco también hace un trabajo eficiente (por cierto, ¿me parece a mí o Lynn Collins realmente se parece a Haley Bennett?), pero indudablemente Judd y Shannon son quienes cargan con toda la cinta sobre sus hombros, lo cual logran con mucho éxito. Quizás no sea una cinta para todos los gustos, pero personalmente me gustó Peligro en la Intimidad, principalmente porque siempre aprecio las películas que rompen moldes y salen del común, evitando así todo tipo de encasillamiento en un género determinado.

Balance 2016

Como podrán ver, esta lista reúne cintas de varios años distintos. Simplemente hice un compilado de las 10 películas que más me gustaron (notar que no dije "las mejores") entre todas las que vi en este 2016 que hoy se termina, independientemente de su año de realización. Entonces, sin más preámbulo, les digo cuáles son (sin orden de preferencia).

- ¿Soy Linda? (¿Bin Ich Schön?, 1998)
- Sangre de mi Sangre (Sangue del Mio Sangue, 2015)
- El Verano de Kikujiro (Kikujirô no Natsu, 1999)
- La Bruja (The Witch, 2015): sobre esta no escribí reseña, asi que voy a hacer un pequeño comentario acá. Me parece una auténtica joya, que funciona igualmente bien como película de terror y como drama, además de contar con una increíble atmósfera y excelentes actuaciones del elenco entero. Además, una clara muestra de que la sugestión es la mejor arma para generar terror de manera palpable y genuina.
- The Eyes of My Mother (2016)
- La Princesa y el Guerrero (Der Krieger und Die Kaiserin, 2000)
- The Hi-Lo Country (1998)
- Secret Défense (1997)
- Cautivos del Amor (Besieged, 1998)
- A Perfect Day (2015)

Entonces, no me queda más que desearles un excelente año 2017 a todos los lectores de este blog o de su fanpage en Facebook. Tengan mucha suerte, salud y buen cine. ¡Felicidades!

The Autopsy of Jane Doe (2016)

Reseña: The Autopsy of Jane Doe es una eficiente película de terror que logra generar tensión e inquietud con mínimos recursos: casi toda la cinta transcurre con dos actores en una sola locación. Sin embargo, el director noruego André Øvredal sabe crear atmósfera e intensidad de manera precisa e impactante, dando como resultado una muy entretenida experiencia que no se detiene ante nada para mantenernos en constante expectativa. También ayuda contar con dos actores sólidos y carismáticos como Brian Cox y Emile Hirsch que logran que el espectador se interese por sus personajes (gran diferencia con muchas otras cintas del mismo género, que cuentan con elencos anónimos y personajes tan odiosos que la audiencia desea que mueran de la forma más sangrienta posible). En fin, sin llegar a ser una joya oculta, The Autopsy of Jane Doe me pareció una competente película que merece más atención de la que recibió. Francamente, mis expectativas antes de verla eran bajas, pues la previa cinta de Øvredal (Trolljegeren -2011) no me había gustado para nada; sin embargo, me terminé llevando una grata sorpresa, y ahora sí estaré esperando con interés el futuro trabajo de este cineasta.

A Todo Corazón (À la Place du Cœur, 1998)

Reseña: Resulta muy agradable ocaisonalmente ver una película sobre gente común a la que le pasa cosas "normales". A Todo Corazón es una de esas cintas, y es justamente la mundanidad de los hechos que retrata lo que la hace interesante, honesta y, por sobre todas las cosas, muy humana. El guión de la película está basado en una novela, y realmente puede sentirse un cierto sabor literario en cada escena, con múltiples sub-tramas que se complementan entre sí para finalmente enriquecer toda la experiencia. Las actuaciones del elenco entero son excelentes; es fácil aceptar a los personajes como seres humanos reales desde el primer fotograma gracias al absolutamente creíble trabajo de los actores. Por último, el director Robert Guédiguian conduce la película de manera sobria pero firme y a un buen ritmo. Quizás el lento ritmo de A Todo Corazón aleje a algunos espectadores, pero yo percibí eso como una virtud, ya que nos permite conocer de manera más profunda a los personajes y sentir sus conflictos de manera más real y palpable. Entonces, habiendo hecho esa advertencia, recomiendo A Todo Corazón como una película que demuestra que se puede realizar algo interesante y rico en detalle y emoción partiendo de una premisa sencilla. Todo depende simplemente de la manera en la cual esté contado.

Seom (2000)

Reseña: Las películas del director y guionista Kim Ki-Duk indudablemente son un gusto adquirido, pero no se puede negar que tienen elementos realmente originales y exóticos que no se ven en ninguna otra película. Todo eso me lleva Seom, la cual fue apenas su cuarta película en su prolífica filmografía, aunque ya se notaba su audacia para incursionar en extraños y desconcertantes territorios narrativos. De las películas que he visto de este cineasta, Seom no está entre mis favoritas, pero no puede negarse la hipnótica atmósfera onírica de cada una de sus escenas, así como también algunos momentos tan impactantes como inolvidables (como la escena de los anzuelos... cuando vean la cinta, sabrán a lo que me refiero). Como es habitual en las películas de Kim, los diálogos son escasos y escuetos, por lo que la película se apoya plenamente en el lenguaje visual para contar la historia; sobra decir que eso me parece admirable. En mi humilde opinión, Kim ha ido puliendo mejor su oficio en futuras películas de su carrera, pero eso no me impide recomendar Seom como una provocativa y fascinante experiencia cinematográfica que realmente logra permanecer en la memoria del espectador.

Jaffa (2009)

Reseña: La primera mitad de Jaffa me pareció extraordinaria: atrapante, impredecible, con personajes muy humanos y hasta un relevante contenido social relativo al conflicto entre judíos y musulmanes en Israel. Al igual que en Or (2004), la directora Keren Yedaya muestra un virtuoso dominio del lenguaje cinematográfico, logrando tal realismo que el espectador genuinamente se siente parte de las escenas. Y claro, no puedo dejar de mencionar las impecables actuaciones del elenco entero, absolutamente naturales y carentes del más mínimo artificio. Sin embargo, durante la segunda mitad, Jaffa decae un poco. No por ello deja de ser interesante, pero el guión se torna un poco repetitivo y hasta ocasionalmente cansado, hasta concluir de forma demasiado abrupta. Realmente me esperaba un final mucho más contundente, sobre todo en vista de la deliciosamente intensa primera mitad de la cinta. No obstante, con todo y sus fallas, Jaffa no deja de ser una provocativa experiencia fílmica, y una interesante alternativa para aquellos espectadores que busquen cine con sustancia.

Hallam Foe (2007)

Reseña: Hallam Foe es un interesante relato "coming of age", cuya principal virtud es su fascinante personaje central, quien no es totalmente bueno ni totalmente malo; pero son justamente esas imperfecciones y su compleja psicología lo que lo hacen un protagonista interesante y humano, con el cual el espectador logra fácilmente conectar. Claro, también ayuda la sólida actuación de Jamie Bell en ese difícil papel, manejando perfectamente las múltiples facetas del epónimo Hallam Foe. El director David Mackenzie conduce la narrativa un un buen despliegue de estilo, pero sin permitir que eso obstruya la sustancia; por el contrario, su foco está siempre en el flujo narrativo, y los previamente mencionados toques estilísticos están utilizados exclusivamente como eficientes complementos de la historia. Entonces, para resumir, Hallam Foe es una muy interesante película que nos permite conocer a un cautivante personaje de quien constantemente queremos conocer más. Y tomando en cuenta la gran cantidad de películas en las cuales los personajes son meros títeres del guionista, ese logro no es poca cosa. Muy recomendable.

La Sonrisa de Mi Madre (L'ora di Religione - Il Sorriso di Mia Madre, 2002)

Reseña: La Sonrisa de Mi Madre no es una película particularmente fácil o accesible, pero me pareció una mordaz crítica contra el mundo de la religión, además de poseer una atmósfera enigmática y extraña que me mantuvo intrigado desde el primer fotograma. De la misma forma que lo hizo muchos años después en Sangre de Mi Sangre (Sangue del Mio Sangue, 2015), el director Marco Bellocchio impregna cada escena de un cierto aire onírico y levemente surreal que tiñe cada escena con una cierta rareza (aunque debo aclarar que La Sonrisa de Mi Madre no me gustó tanto como Sangre de Mi Sangre). Por lo demás, los valores técnicos de la película están sumamente cuidados, y los actores hacen un trabajo creíble en sus respectivos personajes. Entonces, no cabe duda de que el lento ritmo y carencia de una narrativa convencional alejará a muchas personas de La Sonrisa de Mi Madre, pero creo que quienes busquen algo fuera de lo común encontrarán una interesante experiencia que logra atrapar y dejar pensando.

Invasión Zombie (Busanhaeng, 2016)

Reseña: Una montaña rusa. Esa es la mejor forma de definir Invasión Zombie (ugh... ¿No tenían un título más genérico e insulso para ponerle en Argentina?), una implacable, emocionante y tremendamente entretenida película surcoreana que mantiene al espectador constantemente en vilo. El director Sang-ho Yeon maneja muy bien el ritmo y la tensión del relato, y el guión crea personajes agradables con los cuales el espectador crea empatía muy fácilmente (rasgo no muy habitual en las películas de zombies, en las cuales los personajes se sienten absolutamente desechables en la gran mayoría de los casos). Y si bien la inclusión de zombies hace que Invasión Zombie pueda ser catalogada como "terror", a mí me parece más preciso describirla como una adrenalínica película de acción con la particularidad de tomar prestado a un tipo de villanos que usualmente se ve en el cine fantástico. En resumen, creo que Invasión Zombie es mi película de zombies favorita, y la recomiendo con entusiasmo como una experiencia entretenida, intensa, impredecible y hasta emotiva. Sí, todas esas sensaciones logra generar esta cinta. Ojalá Hollywood esté tomando notas, pero lo dudo.

Les Salauds (2013)

Reseña:  Les Salauds es una película oscura y sórdida, en la cual la directora Claire Denis muestra un interesante uso del lenguaje cinematográfico, ya que, incluso con pasajes en los cuales los diálogos son escasos, todo se entiende perfectamente gracias a la confianza que ella deposita en las imágenes. Por el lado negativo, creo que el guión no está a la altura de la impecable dirección. No me malinterpreten: la historia se sigue con interés, pero cerca del final, algunas cosas quedan un poco difusas, lo cual dificulta establecer una conexión clara y precisa entre todos los divergentes elementos que forman parte del guión. No obstante, como dije, Les Salauds no deja de ser una película interesante y provocativa, muy bien actuada y con una atmósfera apropiadamente lúgubre y desesperanzadora. Entonces, le doy una recomendación, con la advertencia de que su lento ritmo quizás dificulte su asimilación para algunos espectadores, aunque esté totalmente justificado para sumergirnos en la trama y las experiencias de los personajes.

The Eyes of My Mother (2016)

Reseña: The Eyes of My Mother tranquilamente podría formar un tríptico junto a La Bruja (The Witch, 2016) y Goodnight Mommy (Ich Seh, Ich Seh, 2014). Los guiones de las tres son muy diferentes, pero todas son películas de terror rebosantes de atmósfera y sugestión, además de emplear un ritmo deliberado pero nunca aburrido y una muy buena utilización de lenguaje cinematográfico, transmitiendo mucho a través de creativas decisiones de puesta en escena y sutiles detalles. Además, The Eyes of My Mother revela a dos grandes talentos a quien habrá que seguir con atención en el futuro. Por un lado, tenemos la tremenda actuación de Kika Magalhaes; de alguna manera, logra ser simultáneamente repelente, sensual, hipnótica y odiosa en su personaje. Y por el otro lado, el director, guionista y editor Nicolas Pesce ha tenido un muy interesante debut con esta cinta, revelando una visión muy distintiva y personal, por no mencionar su audaz decisión de emplear una cinematografía en blanco y negro, la cual complementa y refuerza la historia. En pocas palabras, una opción altamente recomendable para quienes quieran ver algo inusual y atrapante dentro del género de terror.

El Gusto de los Otros (Le Goût des Autres, 2000)

Reseña: El Gusto de los Otros es una película encantadora, ideal para pasar un rato placentero y en compañía de personajes entrañables perfectamente interpretados por el elenco entero. Resulta muy satisfactorio encontrarse con una cinta como esta, que logra contar una historia sencilla de manera fluida, interesante y simpática. Los co-guionistas Jean Pierre Bacri (quien además forma parte del elenco) y Agnès Jaoui (también la directora) manejan expertamente las múltiples sub-tramas de la cinta, brindándole igual importancia a todas sin dejar que ninguna tome preponderancia sobre las demás, hasta formar un rico tapiz de personajes y emociones. Para resumir, una cinta alegre y muy disfrutable, que me mantuvo con una sonrisa de oreja a oreja a lo largo de toda su duración. Una película ideal para sentarse, relajarse y simplemente dejarse llevar.

Or (2004)

Reseña: Lo primero que llama la atención de Or es la crudeza desbordada por sus escenas. La película está enfocada en las muy poco agraciadas vidas de una madre y su hija, y cómo ambas van descendiendo en un abismo cada vez más profundo. La directora Karen Yedaya retrata ese mundo de una manera tan realista y carente del más mínimo artificio que el espectador puede palparlo sin dificultad. Las actuaciones de Dana Igvy y la malograda Ronit Elkabetz en los papeles principales son asombrosas, transmitiendo absolutamente todo lo que necesitamos saber sobre sus personajes a través de simples gestos y lenguaje corporal. Finalmente, aunque la película diste mucho de tener un final feliz, resulta sumamente apropiado, recordándonos que hay ciertos laberintos en la vida de los cuales lamentablemente no hay escapatoria. En conclusión, una película valiente, que resulta tan dura como fascinante. Una excelente muestra de arte cinematográfico que no busca divertir al espectador, sino desafiarlo y dejarlo pensando un largo rato.

Amor por Sorpresa (De Surprise, 2015)

Reseña: Casi 20 años después de su debut como director con la sombría y solemne Carácter (Karakter, 1997), Mike Van Diem decidió hacer un diametral cambio de estilo para su segunda película, Amor por Sorpresa (el título original "La Sorpresa" es mucho más apropiado considerando la trama de la película), una comedia que parte de una premisa original y bien pensada, para luego desarrollarla con agilidad y hasta algunos giros inesperados. Los actores encajan a la perfección en sus roles (mención especial para el gran Jan Decleir, quien siempre logra dejar su huella independientemente de la extensión de su participación), y Van Diem logró mantener el tono exacto para este relato. Entonces, no es una gran película ni mucho menos, pero Amor por Sorpresa ofrece una experiencia amena, simpática y hasta creativa, y es una buena alternativa para pasar el rato.

Michael (2011)

Reseña: Michael es una película cuyas escenas están plasmadas con frialdad y distanciamiento; eso resulta muy apropiado, sobre todo considerando el difícil tema que funciona como núcleo del guión (la pedofilia) y la presencia de algunas escenas escabrosas. Lejos de convertir a la cinta en una vacía experiencia morbosa, el director y guionista Markus Schleinzer  muestra todo con una perturbadora sobriedad que termina incomodando a la audiencia, al mismo tiempo que muestra un muy buen dominio sobre el lenguaje visual, transmitiendo mucho con poco. También ayudan mucho las excelentes actuaciones de Michael Fuith y David Rauchenberger como el pedófilo/secuestrador y su víctima, respectivamente; ambos resultan absolutamente creíbles en sus papeles desde el primer instante, lo cual ayuda a la inmersión del espectador en el relato. En conclusión, una provocativa y muy interesante experiencia que cumple con su objetivo de enganchar a la audiencia... así como también de perturbarla.

Three (San Ren Xing, 2016)

Reseña: Three es una película compacta y eficiente: en menos de 90 minutos, logra contar una historia interesante en una sola locación (un hospital) de manera clara, precisa y atrapante. El director Johnnie To muestra un muy buen manejo sobre el ritmo del relato y, de paso, nos ofrece un antológico tiroteo filmado en cámara lenta y en plano secuencia (ver para creer). Los actores se adaptan sin dificultad a la energía que requiere la cinta, mostrando adecuada credibilidad en sus roles. Además, esta es una de esas películas a las que no les sobra ni les falta un minuto; todo está cuidadosamente planeado y ejecutado, logrando un sólido impacto en la audiencia. Entonces, quizás Three no sea una película excepcional ni mucho menos, pero me pareció un muy competente thriller chino que le brinda una lección a muchas cintas hollywoodenses pertenecientes al mismo género: lo importante no es contar con presupuestos estratosféricos ni con grandes estrellas, sino con un buen guión y el talento apropiado detrás y frente a las cámaras.

La Lengua de las Mariposas (1999)

Reseña: La Lengua de las Mariposas es un tierno y emotivo relato "coming of age" con un final triste que refleja lo que lamentablemente fue una realidad histórica durante la Guerra Civil Española. Las actuaciones del legendario Fernando Fernán Gómez y el niño Manuel Lozano (bueno, "niño" cuando se realizó esta cinta) son brillantes, transmitiendo absolutamente todo a través de expresiones y miradas. El director José Luis Cuerda encontró una forma muy apropiada de trasladar el guión a la pantalla, manteniendo un perfecto ritmo y un tono melancólico que complementa muy bien los temas de la historia. El resultado final es una película entrañable que logra emocionar apelando a buenas armas (no me hizo llorar, pero sí me generó un nudo en la garganta en más de una ocasión). Indudablemente recomendable, y podría hacer un muy buen programa doble con Secretos del Corazón (1997), otro drama español (aunque ambientado en los '50 en lugar de los '30) que pinta un sensible y profundo relato sobre el mundo visto a través de los ojos de la niñez.

Snow Angels (2007)

Reseña: Snow Angels es una película dura y deprimente con un final verdaderamente cruel y devastador. De todas formas, no hay duda de que se trata de una poderosa experiencia que logra permanecer en la memoria principalmente por el impacto que provoca. El guión de esta cinta podría básicamente describirse como un rompecabezas que va armándose de manera pausada y metódica (pero jamás aburrida) hasta formar un todo contundente e intenso. El elenco entero hace un buen trabajo en sus papeles, pero quien merece ser destacado es el inmenso Sam Rockwell, quien ofrece otra de sus magníficas actuaciones en esta película. El rango que Rockwell tiene como actor es indudablemente asombroso; siempre toma absoluta posesión de sus roles, y transita de manera absolutamente creíble todas las emociones que sus personajes deben atravesar (me parece un crimen que todavía Rockwell no haya sido reconocido con siquiera una nominación al Oscar). No diría que Snow Angels alcanza el calificativo de "joya oculta"; pero indudablemente es un muy sólido drama que merece mayor difusión y reconocimiento que otras cintas pertenecientes al mismo género. Entonces, la recomiendo con confianza, repitiendo la advertencia de que esta no es exactamente una película para pasar un rato ameno o agradable.

La Fortuna de Cookie (Cookie's Fortune, 1998)

Reseña: La Fortuna de Cookie no está entre las películas más aclamadas de la filmografía del legendario director Robert Altman, pero a mí me pareció muy simpática y entretenida, con un guión interesante, un buen ritmo y una atmósfera muy bien lograda que genuinamente logra transportar al espectador a la parte sureña de los Estados Unidos. Las actuaciones son perfectas; todos los intérpretes se ajustan por completo a sus roles, particularmente Patricia Neal, quien se roba toda la película en un papel relativamente breve, pero importante. El guión parece simple a primera vista, pero es gracioso, está bien estructurado y tiene muchos interesantes subtextos que dejan a la audiencia reflexionando. Y se nota claramente que, detrás de cámara, se encuentra una mano experta como la de Altman, quien mantiene la cinta bajo perfecto control y logra que nunca decaiga a lo largo de casi dos horas de duración. Como dije al principio, quizás no sea considerada uno de los "clásicos" de Altman, pero La Fortuna de Cookie es una película muy agradable que sirve perfectamente para pasar un rato entretenido y relajado.

Hombre Irracional (Irrational Man, 2015)

Reseña: El año pasado, Hombre Irracional recibió críticas mayoritariamente negativas, alegando que era una película muy menor dentro de la filmografía de Woody Allen. Sin embargo, yo no comparto esa opinión. Por el contrario, Hombre Irracional me parece el tipo de entretenimiento profundo e inteligente que Allen suele ofrecernos; y aunque algunos críticos establecían que él se estaba copiando de películas previas suyas como Crímenes y Pecados (Crimes and Misdemeanors, 1989) y Match Point (2005), también debo disentir, pues lejos de plagiar a esas cintas, creo que Hombre Irracional selecciona alguno de sus temas, y los examinas desde una óptica distinta e interesante. De todas las películas de Allen que he visto, creo que Hombre Irracional es la única que podría ser catalogada como un thriller, ya que mantiene al espectador constantemente a la expectativa y sin saber dónde y hasta qué punto puede desencadenar todo. También me gustó la forma en la cual Hombre Irracional rehúye a toda solemnidad, empleando toques de humor y manteniendo un tono ligero, pero que no por ello descuida la profundidad de los temas que toca el guión. Finalmente, las actuaciones son muy buenas (destacando a Joaquin Phoenix), ya que todos los actores logran adaptarse perfectamente al estilo de la cinta. Como dije al principio de esta reseña, sé que estoy en la minoría, pero disfruté bastante Hombre Irracional, y personalmente, la recomiendo con confianza.

Avenida Cloverfield 10 (10 Cloverfield Lane, 2016)

Reseña: Hace varios años, vi Cloverfield (2008), y no quedé particularmente impresionado por ella. Por eso, empecé a ver su "secuela" (sería más preciso hablar de una película que transcurre en su mismo universo que de una "secuela", pero bueno...) con expectativas neutras... y sin embargó, me terminó gustando mucho más de lo que esperaba, y ahora sí tengo ganas de ver más secuelas (o lo que sea... ya expliqué la situación)... definitivamente hay mucho material por explorar dentro de este universo. Durante la mayor parte de su metraje, Avenida Cloverfield 10 es un tenso e impredecible thriller "minimalista"... es decir, una de esas películas que transcurren en una sola locación (exceptuando un breve prólogo) y con un número mínimo de personajes (tres, en este caso). La intriga está muy bien sostenida, y el director Dan Trachtenberg logra mantener una excelente atmósfera de desolación e incertidumbre. Después, viene la parte que conecta a esta cinta con Cloverfield, hasta culminar en una nota enigmática y muy satisfactoria que nos dejas con muchas ganas de seguir explorando este mundo (la tercera película de esta saga, God's Particle, se estrenará en febrero de 2017 en Estados Unidos, y es una de las cintas que espero con mayor entusiasmo para el año que viene). El reducido elenco hace un buen trabajo en sus papeles, destacando al gran John Goodman, uno de esos intérpretes de carácter que siempre logran brillar y dejar su huella. En conclusión, una muy agradable sorpresa, que merece ser descubierta por un mayor número de personas (por cierto, traten de saber lo menos posible sobre la trama antes de verla, porque esta es una de esas películas cuya historia es mejor ir "saboreando" al mismo tiempo que lo hacen los personajes). Y ahora, a esperar God's Particle...

El Coronel No Tiene Quien le Escriba (1999)

Reseña: El Coronel No Tiene Quien le Escriba es una excepcional película basada en un homónimo libro de Gabriel García Márquez que no he leído, aunque es fácil notar todas las riquezas literarias que la cinta logró conservar, tales como personajes fascinantes construidos a base de elocuentes detalles y una narrativa compuesta de múltiples elementos fascinantes que convergen en un relato profundo, emotivo y muy humano. El director Arturo Ripstein realizó un trabajo verdaderamente virtuoso, creando una perfecta atomósfera que nos hace sentir parte de los lugares en los cuales se encuentran los personajes, así como también un diestro dominio de recursos como el plano secuencia, que logran darle mayor vigor a muchas escenas. Fernando Luján y Marisa Paredes brindan extraordinarias actuaciones en los personajes principales, y también tengo que mencionar el sólido trabajo de todo el resto del elenco (sí, incluyendo a Salma Hayek); no hay un solo punto flojo en el reparto, y a fin de cuentas, todos contribuyen al tapiz narrativo de la cinta. En conclusión, una experiencia sumamente recomendable, y definitivamente, una de mis películas latinoamericanas favoritas.

Chopper: Retrato de un Asesino (Chopper, 2000)

Reseña: Mark "Chopper" Read fue un célebre criminal australiano que pasó muchos años de su vida en prisión, y quien escribió su autobiografía (que luego se convirtió en "best seller") estando preso. La película Chopper: Retrato de un Asesino nos ofrece una interesante mirada a la compleja psicología de Read, mostrándolo como un personaje tan revulsivo como fascinante. Una de las cosas que más me gustó de esta cinta es que Read no está retratado en una escala de blanco y negro, sino de grises; a pesar de ser un criminal, el espectador termina estableciendo una cierta empatía con el personaje (aunque no apruebe todos los actos que comete). Claro, también ayuda la extraordinaria actuación de Eric Bana (quien realmente me sorprendió en esta ocasión, demostrando un rango interpretativo que no le había visto en ninguna de las otras cintas en las cuales lo había visto) en ese difícil papel, apoderándose por completo de su personaje y generando simultáneas sensaciones de asco, arrogancia y extraña simpatía en la audiencia. Por cierto, hay que aclarar que Chopper: Retrato de un Asesino posee escenas brutales y muy crudas; en otras palabras, esta no es la violencia glamorizada que Hollywood acostumbra mostrarnos, sino una violencia que se siente muy real y palpable. Para resumir: una interesante película que, lejos de ofrecernos una biografía convencional, nos pinta un vívido retrato de una mente tan enferma como carismática.

The Monster (2016)

Reseña: Las expresiones "película de terror" y "emotiva" no suelen aparecer juntas, pero me alegra decir que combinan perfectamente en el caso de The Monster, una cinta de horror con un fuerte y conmovedor contenido emocional que complementa y fortalece todo el aspecto fantástico. Eso es mérito del preciso guión, que pinta la relación entre los dos personajes centrales (madre e hija) con trazos precisos y elocuentes; y de las excelentes actuaciones de Zoe Kazan (nieta del mismísimo Elia) y la joven Ella Balentina (una tremenda revelación; con semejante talento, le deseo la mejor de las suertes en su futura carrera). Por su parte, el director Bryan Bertino logra muy buenos climas, además de sacar el máximo provecho de la locación rutera en donde transcurre la mayor parte de la película. Ah, y no puedo dejar de mencionar los sólidos efectos "gore"; no son excesivos, pero funcionan justamente por la mesura con la cual están aplicados. En resumen, una competente cinta que funciona igualmente bien como drama y como terror. Y aunque no llega a ser una joya, ese es un atributo que debería verse más seguido.

Camino (2008)

Reseña: Uf... va a estar difícil realizar una reseña sobre esta cinta, porque me dejó con sentimientos muy encontrados. Por un lado, Camino es una brutal y muy certera denuncia sobre el extremismo religioso, examinando precisamente cómo logra lavar el cerebro de muchas personas en una manera irreversible. Por otro lado, me pareció una cinta sumamente manipuladora y repleta de groseros golpes bajos. Camino es un relato sobre una pre-adolescente alegre y dulce (por cierto, excelente actuación de Nerea Camacho en ese papel) a la que se le diagnostica un cáncer terminal, y luego procede a retratar con sumo detalle todo el sufrimiento y calvario que atraviesa esa pobre joven. Confieso que, en la mayoría de los casos, no me gustan las películas sobre enfermedades; me parecen una vulgar explotación del sufrimiento que mucha gente lamentablemente atraviesa en la vida real. Y eso es exactamente lo que me hizo sentir Camino en muchos de sus momentos. Sin embargo (y acá llego a otro de los sentimientos encontrados que me dejó esta película), debo decir que todo ese padecimiento está retratado con un tremendo realismo, generando un potente y devastador efecto emocional que no se olvida fácilmente. Camino es una de las películas con las que más me cuesta llegar a un veredicto final: admiro algunos de sus aspectos, pero odio otros. No obstante, creo que, a fin de cuentas, eso debe tomarse como algo positivo, ya que, habiendo tantas películas genéricas y olvidables que dejan a la audiencia con una sensación de "meh", es respetable encontrarse con una cinta que provoca reacciones extremas, tanto positivas como negativas. Entonces, me cuesta determinar si Camino me gustó o no me gustó; sin embargo, logró quedarse en mi recuerdo, y definitivamente no deja ningún lugar a la indiferencia, lo cual definitivamente me parece algo valioso.

Fear X (2002)

Reseña: Como he mencionado en otras ocasiones, soy gran aficionado al director David Lynch, y Fear X es una película que muestra claras influencias de la obra de ese cineasta. Quizás esa sea la razón por la cual soy una de las pocas personas que disfrutó esta película, ya que pueden apreciarse virtudes presentes en muchas cintas de Lynch: una atmósfera macabra y envolvente; actuaciones serias que complementan el clima evocado por la cinta; y, por sobre todo, una sensación onírica y extraña que empapa hasta las más mundanas escenas. Y, como ocurre en esas películas de Lynch, Fear X no es una cinta que ofrezca respuestas claras y contundentes a todos los enigmas planteados por la trama; por el contrario, corre por parte del espectador completar la experiencia con sus interpretaciones o disfrutar el camino independientemente del destino final. Como dije previamente, yo disfruto este estilo, y por eso me gustó Fear X, pero entiendo que no resulte del paladar de todos los espectadores, y que muchos se sientan frustrados o irritados por ella. Entonces, aunque sea difícil brindarle una recomendación amplia, esta me pareció una película provocativa y fascinante que rompe todos los moldes convencionales y ofrece algo distinto. Y, en mi humilde opinión, una película que sale de lo común e interpela a la audiencia es digna de aplauso.

Swiss Army Man (2016)

Reseña: Definitivamente, Swiss Army Man no es una película para todos los gustos. Personalmente, me gustó bastante por su desbordante originalidad, audacia e inesperada complejidad. Como toda obra de arte que se precie de serlo, Swiss Army Man está abierta a múltiples interpretaciones, y no existe una explicación uniforme para lo que ocurre en ella; cada espectador elaborará sus teorías en base a las herramientas ofrecidas por la película. Eso habla de la seguridad y confianza en el espectador que tienen los co-directores y co-guionistas Dan Kwan y Daniel Scheinert (haciendo su debut en largometrajes). Swiss Army Man es una de esas películas que permanecen en el recuerdo; de hecho, sigo pensando en ella y buscándole nuevos niveles de significado. En una época de películas mayoritariamente genéricas y olvidables, ese es un mérito admirable, y en consecuencia, tengo que darle una recomendación a Swiss Army Man. Como dije antes, no será del gusto de todo el mundo, pero vale la pena darle una oportunidad, porque no es común encontrarse con una cinta tan valiente y audaz que se rehúsa a quedar encasillada en un determinado nicho y que cuenta con un creativo guión que permite la coexistencia de humor escatológico y profundas reflexiones filosóficas. Además, crear buenas expectativas para el trabajo futuro de Kwan y Scheinert; ojalá sigan apostando por proyectos similarmente extraños y singulares.

Calvaire (2004)

Reseña: Calvaire es una interesante película de terror, cuyo principal atributo es la atmósfera onírica lograda por el director Fabrice du Welz. El espectador logra compenetrarse con todo lo que le ocurre al protagonista, y al igual que él, uno se termina sintiendo parte de una pesadilla que no tiene escapatoria. Las locaciones son perfectas, transmitiendo perfectamente el clima de desolación requerido por el guión. Durante la primera mitad de Calvaire, disfruté mucho el crecimiento gradual y "a fuego lento" del suspenso; durante la segunda mitad, el ritmo se acelera, y funciona como un apropiado y catártico remate de todo lo que poco a poco fue generándose previamente. El actor Laurent Lucas hace un buen trabajo en el papel principal, y logra que el espectador logre empatizar con su personaje (lo cual no siempre ocurre en las cintas de terror), y el final me pareció simultáneamente ambiguo y satisfactorio. En resumen, Calvaire no será un clásico del cine de terror, pero me gustó, y merece una recomendación como una tensa y eficiente experiencia que constantemente me mantuvo atento y a la expectativa.

Contra la Corriente (Time and Tide, 2000)

Reseña: Generalmente estoy en contra de las películas que ponen estilo sobre sustancia; en otras palabras, aquellas cintas que buscan cubrir un guión deficiente con sus aspectos técnicos. Sin embargo, dije "generalmente" porque hay algunas excepciones, como Contra la Corriente. El guión de esta película me pareció prácticamente incomprensible; nunca pude dilucidar quiénes eran los buenos, quiénes eran los malos y cuáles eran sus objetivos. La historia es básicamente una gran maraña de personajes y situaciones que nunca logran ensamblarse en un todo coherente o asimilable. Sin embargo, las secuencias de acción son verdaderamente asombrosas, y dejan muy por atrás a la mayorías de las películas hollywoodenses pertenecientes a este género. Nadie las acusará de ser realistas, pero deslumbran por su surrealismo y adrenalina, alcanzando altos niveles de emoción y placer visual. En este caso, el "estilo" me pareció tan abrumador que terminé disfrutando bastante la experiencia, a pesar de no haber entendido prácticamente nada del guión.

Tú, Yo y Todos los Demás (Me and You and Everyone We Know, 2005)

Reseña: Lo que más me gustó de Tú, Yo y Todos los Demás es la honestidad con la que fue hecha. Todos los personajes se sienten como personas vivas y reales, y no como meros títeres del libreto. Esto no es solo mérito de los actores, sino también del sólido trabajo de Miranda July (quien también interpreta uno de los roles protágonicos) como directora y guionista, creando personajes complejos y multi-dimensionales y generando una atmósfera que resulta muy creíble. Hablando de creíble, hay algunas escenas que resultan tremendamente incómodas, pero que están muy bien ejecutadas por July (y si bien son escenas relacionadas con el tema de la sexualidad, no son particularmente explícitas; esos momentos son más efectivos por lo que sugieren que por lo que muestran). Definitivamente no es una cinta para todos los gustos, y no puedo negar que hay momentos que se sienten pretenciosos, pero Tú, Yo y Todos los Demás es una potente película que cubre una amplia gama de temas interesantes, y que logró permanecer en mi memoria. Y, en mi humilde opinión, esa es la marca de una provocativa película que merece ser apreciada.

Charlie's Country (2013)

Reseña: Charlie's Country tranquilamente puede formar una trilogía temática con El Rastro (The Tracker, 2002 -que también fue dirigida por Rolf de Heer-) y Samson and Delilah (2009): tres intensos y conmovedores retratos de la situación que viven los pueblos aborígenes de Australia, y cómo esas personas son tristemente menospreciadas y marginadas por la mayoría de las personas. En lo que respecta particularmente a Charlie's Country, tenemos un guión interesante y emotivo plasmado en imágenes bajo la firme mano de de Heer, además de otra extraordinaria actuación de David Gulpilil (el inolvidable protagonista de la previamente mencionada El Rastro), nuevamente sacando el máximo provecho de su expresivo rostro y su potente mirada. En conclusión, Charlie's Country merece una entusiasta recomendación, pues además de contar una historia apasionante, también es útil para generar conciencia sobre la triste situación que viven esos pueblos originarios. Lamentablemente, las cosas nunca parecen cambiar para esa gente, pero nunca hay que perder la esperanza.

Kinsey: El Científico del Sexo (Kinsey, 2004)

Reseña: Kinsey: El Científico del Sexo (puaj... ese subtítulo que le agregaron en la Argentina parece sacado de alguna película porno) es una de esas raras biografías que realmente nos permiten conocer al sujeto en cuestión, transmitiendo sin dificultad algunas sus pasiones y sus luchas. En este caso, la figura examinada es Alfred Kinsey, un biólogo estadounidense que se dedicó a analizar las conductas sexuales durante los '40 y '50, siendo uno de los científicos pioneros en el estudio de tales menesteres. El director y guionista Bill Condon logra contar la historia del científico de manera dinámica e interesante, y el elenco entero hace un excelente trabajo, desde Liam Neeson (demostrando que su talento va mucho más allá de las genéricas películas de acción en las que se ha encasillado en el último tiempo) y Laura Linney en los papeles principales, hasta los intérpretes secundarios (entre los cuales se encuentran algunos brillantes actores de carácter como John Lithgow y Peter Sarsgaard). En resumen, una biografía muy interesante que logra pintar un fascinante retrato de Kinsey, en lugar de ser un desganado recuento de "hechos reales", lo cual es un error común en muchas "biopics".

Hunt for the Wilderpeople (2016)

Reseña: Un niño rebelde y problemático se termina accidentalmente embarcando en una aventura con un señor mayor serio y malhumorado; al principio, no se soportan, pero eventualmente, desarrollan una amistad y terminan aprendiendo mucho uno del otro. Así podría sintetizarse someramente la trema de Hunt for the Wilderpeople; suena tremendamente cursi y sentimentaloide, ¿no? Bueno, les aseguro que, en la práctica, no lo es en absoluto. Por el contrario, es una película muy entretenida, emocionante y genuinamente emotiva, que mantiene constantemente atento al espectador y lo hace desear que todo termine bien para los dos personajes principales, ya que uno logra verdaderamente encariñarse con ellos. Claro, además tenemos perfecta dirección de Taika Waititi (quien también interpreta un breve -y muy gracioso- rol en la cinta) y excelentes actuaciones de Sam Neill y Julian Dennison. Y por si fuera poco, la cinta está impregnada de la idisioncracia neozelandesa; siempre es interesante entrar en contacto con una cultura de la que generalmente uno no escucha mucho (y además, los paisajes son bellísimos). En resumen, una película entretenida, graciosa, emotiva y tierna que logra permanecer en el recuerdo. Muy recomendada.

Cómo Maté a mi Padre (Comment j'ai Tué mon Père, 2000)

Reseña: Cómo Maté a mi Padre es un interesante estudio psicológico con varios niveles de profundidad y significado y muy buenas actuaciones que gradualmente nos van revelando las complejas mentes de los personajes. Lo más atractivo de la película es que puede interpretarse tanto en un nivel literal como en otro metafórico; aunque no esté basada en una novela, eso le brinda un aura muy literaria a la cinta. La directora Anne Fontaine (resulta curioso que una película tan "masculina" como esta haya sido realizada por una mujer) plasma la historia en imágenes empleando un estilo frío, pero no distante; por el contrario, esa "frialdad" es lo que nos ayude a sumergirnos en las gélidas psiquis de los personajes. En resumen, una muy interesante película sobre la relación entre padre e hijo, y cómo los errores del primero inevitablemente terminan influyendo en el segundo.

O Outro Lado da Rua (2004)

Reseña: O Outro Lado da Rua es una película que genuinamente logra conmover; y lo más notable es que logre ese efecto apoyándose puramente en sutilezas, miradas y lenguaje corporal. Eso es otra manera de decir que estamos ante una cinta precisamente escrita y brillantamente actuada, que logra que el espectador logre encariñarse con los personajes y sentir las emociones que evoca la historia con la misma intensidad que ellos. El cineasta Marcos Bernstein hizo un brillante trabajo; como guionista, escribió un fascinante relato que empieza de una manera para luego seguir de otra, pero siempre manteniendo integridad narrativa y una fuerte carga emocional; y como director, logró crear climas muy elocuente y extraer perfectas actuaciones de su elenco. En resumen, una película muy poco conocida, pero que merece más reconocimiento que muchos dramas de Hollywood realizados con mayor parafernalia, pero ni un ápice de la solidez narrativa y genuina ternura de esta menospreciada cinta brasilera.

El Fin de la Inocencia (12 and Holding, 2005)

Reseña: Debo confesar que, en la gran mayoría de los casos, las películas de terror no logran asustarme. Ciertamente he disfrutado muchas películas de ese género (por ejemplo, La Bruja -The Witch, 2016- es una de las mejores cintas que he visto en lo que ha transcurrido de este año), pero creo que, a fin de cuentas, no logran generarme miedo porque lo que muestran está muy alejado de la realidad. Por otro lado, El Fin de la Inocencia es una película que no tiene nada que ver con el género de terror, pero que sin embargo, logró perturbarme y evocar un cierto miedo en mí, justamente porque lo que retrata se siente escalofriantemente real. No entraré en más detalles porque inevitablemente me tendría que meter en el terreno de los "spoilers", pero aplaudo que una cinta haya logrado dejar un efecto tan potente en mí. Y más allá de eso, El Fin de la Inocencia tiene mucho para ofrecer: un preciso guión, implacable dirección de Michael Cuesta y excelentes actuaciones del elenco entero (incluyendo a Jeremy Renner, quien participó en esta cinta antes de ser famoso). En resumen, una cruda y perturbadora película que no se "disfruta" en el sentido convencional, pero que merece una entusiasta recomendación por el inolvidable y contundente efecto que provoca.

Tokyo Sonata (2008)

Reseña: Tokyo Sonata es una película sobre una familia enfrentando las idas y vueltas de la vida cotidiana. Quizás suene demasiado prosaico, pero la cinta logra ser fascinante, justamente por ser un relato muy humano con realistas personajes con quien el espectador genuinamente logra crear un vínculo. Las actuaciones son muy buenas, y el director Kiyoshi Kurosawa (haciendo un diametral cambio de estilo con respecto a sus usuales películas de terror -ah, y por cierto, no tiene ningún parentesco con el legendario Akira-) logra llevar la película a un perfecto ritmo que constantemente mantiene las cosas en movimiento, evitando el más mínimo atisbo de aburrimiento. Ah, y no puede faltar una mención especial a esa extraordinaria escena final; es una verdadera "cereza del postre", y resulta notable que un momento tan sutil logre al mismo tiempo ser tan efectivo y poderoso. Sumamente recomendable, y una muestra perfecta de que, a partir de una premisa simple, se puede lograr una gran película.

Secretos del Corazón (1997)

Reseña: Secretos del Corazón es una sensible y emotiva película que logra capturar la niñez de manera muy elocuente, mostrando de manera certera y precisa cómo se percibe el mundo a una temprana edad, y todas las dudas e inquietudes con la que uno vive en ese momento de la vida. Eso se logra gracias al bien escrito guión, la sutil dirección de Montxo Armendáriz y la brillante actuación de Andoni Erburu en el papel principal (lástima que haya decidido abandonar la actuación posteriormente, porque realmente  demostró un gran potencial a una tempranísima edad). La atmósfera de la película también está muy bien lograda, transportándonos inmediatamente a una época distinta, y haciéndonos sentir en los lugares retratados en la cinta (casi pude sentir el olor de esa casa...). En resumen, una interesante película que, sin ser infantil, captura perfectamente qué es ser un niño, y que logró evocar recuerdos nostálgicos en mí.

Ratcatcher (1999)

Reseña: Ratcatcher es una verdadera obra de arte; una película tan hermosa como triste, tan simple como profunda y tan elocuente como inolvidable. Indudablemente estamos hablando de una menospreciada joya que merece ser descubierta por muchas más personas. El guión es excelente, y una muestra de que, partiendo de una premisa sencilla, se puede construir una historia fascinante y repleta de capas que dejan al espectador pensando mucho tiempo después de terminada la cinta. La directora Lynne Ramsay plasma ese guión con un estilo poético, lleno de metáforas visuales e ingeniosos usos del lenguaje cinematográfico. El elenco hace un trabajo brillante en sus roles, y desde el primer fotograma, yo ya estaba sumergido en la atmósfera de la cinta. Es verdaderamente una pena que esta película no haya sido vista por más gente; ojalá esa situación se rectifique en el futuro.

The Limits of Control (2009)

Reseña: Las películas del director Jim Jarmusch definitivamente no son para todos los gustos, pero yo generalmente disfruto su lánguido y parsimonioso estilo. Como ejemplo de esto, tenemos a The Limits of Control, quizás su película más inaccesible y críptica (al menos de las que he visto), pero que sin embargo, logró capturarme en todo momento. Todo en esta cinta es enigmático e intrigante; a decir verdad, no hay mucha trama, pero el guión está lleno de elementos y personajes extraños, a los que resulta muy difícil de descifrar. Pero es justamente esa rareza, esa sensación de que hay algo muy extraño por debajo de cada escena lo que logró manterme atento e interesado. La dirección de Jarmusch refuerza el enigmático tono de todo lo que vemos (por cierto, hablando de ver, el estilo visual creado por Jarmusch y su cinematógrafo Christopher Doyle es sumamente atractivo), y para cuando la película terminó, seguía dando vueltas en mi cabeza, preguntándome el significado de lo que había visto. Eso no lo logran todas las películas, y quizás esa frase englobe la razón por la cual generalmente me gustan las películas de Jarmusch: provocar al espectador (al menos a mí) y dejarlo pensando partiendo de un escueto guión. Entonces, a mí me gustó The Limits of Control, pero es perfectamente entendible que otras personas la odien. Ante una cinta como esta, solo queda amarla o detestarla... pero es imposible que despierte indiferencia.

The Confirmation (2016)

Reseña: The Confirmation es una buena muestra de que, partiendo de una historia sencilla (un padre que quiere recuperar su caja de herramientas con la ayuda de su hijo), se puede lograr una película honesta, emotiva y muy entretenida. Los personajes principales son inmediatamente entrañables, y también ayuda que estén perfectamente interpretados por el carismático Clive Owen y el joven Jaden Lieberher, quienes además comparten una muy buena química. Como dije previamente, el guión es sencillo, pero sabe cómo sacarle jugo a su premisa, y en consecuencia, tenemos buenos momentos de humor y de drama, los cuales terminan combinándose armoniosamente para producir una experiencia que quizás no resulte de gran trascendencia, pero que indudablemente logra dejar satisfecho al espectador. En resumen, una película "chica" que resulta mejor que muchas "grandes" realizadas con mayor parafernalia pero menor talento.

Secret Défense (1997)

Reseña: Secret Défense es una película auténticamente impredecible. Al principio, parece fácil discernir a dónde va a conducirnos la historia, pero a lo largo de sus casi tres horas de duración, la cinta nos va llevando a lugares impensados, constantemente cambiando de rumbo y manteniéndonos intrigados por saber a dónde va conducir todo el asunto. Y el final me pareció absolutamente perfecto, rematando muy elocuentemente la enigmática historia. También me gustó mucho la manera en la que el director Jacques Rivette (importante figura de la "Nouvelle Vague" que falleció en enero de este año) maneja los tiempos, permitiendo que muchas escenas se alarguen bastante más de lo habitual (como por ejemplo, el viaje en tren que abarca 20 minutos de la película); en lugar de generar aburrimiento, esa manera calma y reposada de trabajar las escenas facilita la inmersión del espectador en la historia, haciéndolo sentir en compañía de los personajes y compartir sus experiencias. En resumen, una fascinante y atípica experiencia que quizás no resulte del paladar de todos los espectadores, pero que, en mi caso personal, logró mantenerme hipnotizado a lo largo de casi tres horas. Y un consejo: no sepan nada de la trama antes de ver la película. Esta es una de esas cintas que se disfrutan más si se empiezan viendo "en blanco".

Clean (2004)

Reseña: Clean es la segunda película que veo del director francés Olivier Assayas (la primera fue la bizarra Demonlover), y resulta interesante que ambas sean películas totalmente distintas, pero que al mismo tiempo, resultan eficientes, cada una a su manera. Esa es la marca de un buen cineasta, incursionando en distintos géneros e historias, y a la vez logrando que las películas salgan airosas en lo que se proponen. Clean es un drama íntimo y emotivo, que logra buenos niveles emocionales manteniendo siempre austeridad y un perfil bajo. Las actuaciones de Maggie Cheung y Nick Nolte son excelentes, y la cinta nos cuenta una interesante historia sobre la lucha de una persona para vencer sus demonios personales (en este caso, la drogadicción), e intentar cambiar y salir adelante. En resumen, una muy interesante película de un director de quien definitivamente tengo que ver más cintas.

Aquel Martes Después de Navidad (Marti, dupã Crãciun, 2010)

Reseña: Es notable cómo, partiendo de un tema bastante trillado (la infidelidad), Aquel Martes Después de Navidad logra ser un drama tan poderoso. Es que lo que destaca a esta película no es el qué sino el cómo; en otras palabras, lo más interesante no es el concepto, sino la ejecución, logrando que la cinta genere un intenso efecto emocional en el espectador. También ayuda que las actuaciones sean extraordinarias; en ningún momento parece que estamos viendo actores, por lo que resulta muy fácil asimilar a los personajes como seres humanos atravesando una difícil situación. También merece mención el trabajo del director Radu Muntean, manteniendo un tono austero, pero absolutamente hipnótica, plasmando cada escena en larguísimos planos secuencia que permiten al espectador sumergirse de lleno en la historia, y hasta sentirse partícipe íntimo en la vida de los personajes. En resumen, un excelente ejemplo de cómo se le puede sacar mucho jugo hasta a las ideas más simple, para finalmente crear algo muy interesante que logra perdurar y enriquecerse en el recuerdo.

Pieta (2012)

Reseña: El director sur-coreano Kim Ki-Duk está acostumbrado a trabajar con historias inusuales, pero con un centro emocional muy intenso y humano (de las que he visto de su filmografía, mi favorita es Primavera, Verano, Otoño, Invierno y Otra Vez Primavera -Bom Yeoreum Gaeul Gyeoul Geurigo Bom, 2003-). Pieta no es la excepción. El personaje principal de esta cinta es inicialmente desagradable, pero es admirable la forma en que la película lo va gradualmente humanizando hasta que el espectador genera una auténtica empatía con él. Y como no podía ser de otra manera en una película de Kim Ki-Duk, Pieta está cargada de simbolismo que le brinda profundidad y hasta un cierto aire poético a muchas escenas. Los actores Lee Jung-jin y Jo Min-su hacen un brillante trabajo en sus papeles, ya que transmiten todo lo que necesitamos saber de sus personajes con sus expresiones y lenguaje corporal. Resumiendo, un drama intenso y fascinante, que nos deja reflexionando sobre temas tan complejos como la culpa, la redención y el arrepentimiento.

Theeb (2014)

Reseña: Theeb es una apasionante película de aventuras en el desierto con una genuina sensibilidad "old school" y un guión deliciosamente impredecible que juega constantemente con las expectativas de la audiencia y termina llevando la trama a lugares impensados. Esta es una de esas películas que demustran el verdadero poder del arte cinematográfico; en otras palabras, esta es una de esas cintas que tienen relativamente pocos diálogos, pero que confían en el poder las imágenes para contar una historia fascinante. Las actuaciones son excelentes, y la dirección de Naji Abu Nowar es notable, ya que logra sumergir al espectador en la atmósfera desértica desde el primer fotograma. En conclusión, una verdadera joya, que merecería un público más amplio del que tuvo (ni siquiera habiendo cosechado una nominación al Oscar como Mejor Película Extranjera logró tener mucha difusión).

The War Zone (1999)

Reseña: The War Zone es una película opresiva y perturbadora, que logra un efecto potente en la audiencia con su crudeza. En su primera y hasta el momento única película como director, Tim Roth hizo un excelente trabajo, abordando con valentía y sin el más mínimo pudor un tema difícil y hasta desagradable. No diré cuál es ese tema, ya que la película se aprecia más si uno va desentrañando lo que ocurre al mismo tiempo que el personaje principal. Las actuaciones son perfectas (particularmente Ray Winstone, quien logra humanizar un personaje repugnante), y la dirección de Roth es pausada, pero nunca aburrida, permitiendo que uno pueda ir sumergiéndose gradualmente en la atmósfera gris y desesperanzada que impregna cada escena de la cinta. En resumen, una película difícil, pero muy recomendable para quienes gusten del cine que reta al público.

Évolution (2015)

Reseña: Évolution es una película que constantemente desconcierta y produce extrañeza. Las locaciones parecen salidas de otro planeta; hay pocos diálogos; y la atmósfera es genuinamente tenebrosa. Incluso me atrevería a decir que esta película es algo así como una pesadilla filmada: no tiene mucho sentido, pero hasta en los momentos más prosaicos, uno puede percibir algo macabro impregnando cada fotograma. Definitivamente no es una película fácil, y entiendo perfectamente que no resulte del agrado de todo el mundo; pero personalmente, aplaudo a la directora Lucile Hadzihalilovic por haberse arriesgado con una película que no se parece en lo más mínimo a ninguna otra cinta que haya visto. En resumen, un experimento extraño, que aprecié mucho principalmente porque logró transportarme a un universo distinto y cautivante. Y por cierto, esta es una de las pocas películas que verdaderamente merecería una secuela.

Mr. Nobody (2009)

Reseña: Mr. Nobody quizás no sea del agrado de todos los espectadores, pero es innegable que no es muy común enfrentarse a una película tan ambiciosa, original y arriesgada como esta. El guión es bastante complicado de seguir, ya que hasta los más mínimos detalles son parte fundamental de la historia; pero aunque queden cabos sueltos, mi experiencia personal con esta cinta fue fascinante. Y la palabra "experiencia" es fundamental para describir Mr. Nobody, ya que ninguna descripción le haría justicia a todo lo que esta película tiene para ofrecer; esta es una de esas cintas que realmente merecen ser vividas, y que cumplen con el objetivo de transportarnos a todo un universo. Los actores hacen un buen trabajo en sus papeles, enfrentando con éxito los complejos arcos dramáticos de sus personajes; y el director belga Jaco van Dormael merece aplauso por haberse arriesgado con un proyecto de esta magnitud. En resumen: véanla. Esa sola palabra es la mejor recomendación que se le puede dar a Mr. Nobody.

Elena (2011)

Reseña: Elena es una película que plantea complejos dilemas morales, y cuyos personajes residen en un área gris: nadie es totalmente bueno, ni totalmente malo. Esa ambigüedad moral es lo que los hace fascinantes e impredecibles, y uno de los principales motivos por el cual el espectador se siente atrapado. El guión está muy bien planteado y ejecutado, ya que, a partir de una idea relativamente simple, logra llevar la historia a lugares realmente inesperados y hasta impactantes. Las actuaciones del elenco entero son extraordinarias; absolutamente todos se sienten como personas reales, y sin necesidad de palabras, es muy fácil palpar los difíciles procesos psicológicos que atraviesan. El director Andrei Zvyagintsev realiza un trabajo sólido y meticuloso, confiando sumamente en el guión y permitiéndolo desarrollar a su ritmo, simultáneamente pausado y cautivante. En conclusión, una película sumamente interesante, que logra permanecer en la memoria a base de todas las capas que su historia tiene para ofrecer.

Recursos Humanos (Ressources Humaines, 1999)

Reseña: Recursos Humanos es una excelente muestra de que se puede hacer cine simultáneamente social, profundo y entretenido, sin caer en la solemnidad ni en insulsas moralejas. La película plantea una situación bastante común en el mundo del trabajo (máquinas reemplazando humanos), y muestra cómo un joven debe enfrentar la situación de dejar a su padre sin trabajo (ya que está haciendo una pasantía en el sector de Recursos Humanos del lugar). Quizás eso suene demasiado prosaico para una cinta, pero es justamente uno de los principales factores que la hace muy interesante: todo se siente real y a escala humana, lo cual facilita la identificación y compenetración por parte del espectador con todo lo que ocurre en la pantalla. Además, también tenemos las extraordinarias actuaciones del elenco entero; y el hecho de que la mayor parte de los actores no sean profesionales (solo el protagonista, Jalil Lespert, lo es) las hace dobelemente asombrosas. Y no puedo dejar de mencionar el perfecto final, que concluye la experiencia dejándonos en una nota emocional muy satisfactoria. En resumen, una película que entretiene y lo deja a uno pensando. Lamentablamente, no son dos cualidades que coincidan con mucha frecuencia en el cine.