Suspiria (2018)

Reseña: Ante todo, debo confesar que, hasta el momento, no he visto el clásico de culto Suspiria (1977). Por ello, empecé a ver su nueva versión con expectativas neutras, y sin saber exactamente con qué me iba a esperar. El resultado final fue irregular, aunque no puede negarse que Suspiria contiene suficientes momentos podersos que quedarán en mi memoria durante largo tiempo, y tan solo por eso, creo que vale la pena darle un oportunidad.

Suspiria está ambientada en el año 1977, y retrata a Susie, una bailarina estadounidense que llega a Berlín para incorporarse a una academia de danza que guarda algunos macabros secretos. La cinta empieza de manera intrigante y atmósferica, además de estar respaldada por la excelente música de Thom Yorke y la atractiva cinematografía de Sayombhu Mukdeeprom. Sin embargo, Suspiria tiende a divagar más de lo necesario en la parte media, cansando un poco ocasionalmente y extendiendo innecesariamente la duración hasta las dos horas y media. Afortunadamente, eso se compensa cerca del final, cuando llegamos a una extensa secuencia tan delirante como grotescamente hipnótica, además de un epílogo que cierra la experiencia de manera críptica y hasta tenebrosa.

El director Luca Guadagnino hizo en Suspiria una película tan diametralmente opuesta a su cinta previa, Llámame por tu Nombre (Call Me by Your Name, 2017), que cuesta creer que ambas sean del mismo cineasta. Como sea, demuestra un buen manejo de los climas y del lenguaje visual en Suspiria, además de orquestar bizarros y únicos momentos que realmente no recuerdo haber visto en ninguna otra película. En lo único que Guadagnino trastabilló un poco fue en la edición, ya que creo que se podrían haber recortado varios momentos de la parte media que restan energía a la experiencia general, y, en el peor de los casos, incluso terminan aburriendo un poco.

En cuanto al elenco, tengo opiniones encontradas. Francamente, Dakota Johnson me pareció bastante floja en el papel de Susie. Al igual que me ocurrió en la reciente Bad Times at the El Royale (2018), el desempeño de Johnson me pareció insulso y carente de carisma, por lo que creo que cargar con un rol protagónico le queda demasiado grande. De hecho, me gustó mucho más el trabajo de Mia Goth como una compañera de Susie en la compañía de danza, demostrando mucha más credibilidad y presencia escénica. Por su parte, el desempeño de Tilda Swinton es perfecto, como ya nos tiene acostumbrados, logrando transmitir un aura escalofriante tan solo con su mirada.

En conclusión, Suspiria dista de ser perfecta, pero sus virtudes son lo suficientemente sólidas para hacerla merecedora de una recomendación para quienes busquen una película de terror concebida de manera mucho más artística y refinada de lo que estamos acostumbrados a encontrar en este género. La recomiendo con la advertencia de que no será para todos los gustos, y de que habrá que sobrellevar algunos momentos cansados para obtener valiosas recompensas que hacen que la balanza general termine cayendo del lado positivo.

Mid90s (2018)

Reseña: Mid90s es el debut como director y guionista del popular actor Jonah Hill, y aunque demuestra energía detrás de cámaras, le faltan pulir algunos aspectos para sus futuros proyectos. Para empezar, el aspecto visual se siente un poco "rústico", y algunas escenas no "pegan" correctamente en la experiencia general. Sin embargo, lo más importante que tiene que pulir es que tiende a abordar muy por arriba los momentos más interesantes del relato, y a dedicarles demasiado tiempo a cosas que no lo ameritan, porque son repetitivas o porque no logran añadir nada sustancioso a la película.

Mid90s retrata a un joven pre-adolescente allá por medidados de los '90 (como el título mismo ya nos anticipa), con una vida bastante gris, conviviendo con una madre soltera y un hermano mayor que constantemente lo maltrata y lo golpea. Entonces, termina encontrando una especie de alivio cuando conoce a un grupo de "skaters" con quienes termina haciéndose amigo. Lo más interesante de la cinta es cuando se enfoca en la dinámica familiar del protagonista, y en cómo funciona la interacción con su madre y su hermano. Lástima que Hill descuide demasiado esos aspectos, para mostrar una y otra vez al protagonista practicando "skate" o realizando cosas sin importancia con sus nuevos amigos.

Las actuaciones de Mid90s me parecieron muy buenas, empezando por Sunny Suljic en el rol protagónico, demostrando convicción y el carisma suficiente para atraer la atención del espectador. También me gustó el desempeño de los intérpretes que encarnan a los nuevos amigos del protagonista; Olan Prenatt, Gio Galicia, Na-kel Smith y Ryder McLaughlin eran completos desconocidos para mí, y por ello fue una sorpresa encontrarme con actores tan naturales y espontáneos en sus papeles. Finalmente, también quiero hacer mención del sólido desempeño de Lucas Hedges y Katherine Waterston (los actores más conocidos del elenco) como el hermano y la madre (respectivamente) del personaje principal.

En conclusión, Mid90s es un decente primer esfuerzo de un director novato, aunque aún tiene mucho por pulir y trabajar para sus próximas películas. Aún así, amerita darle una mediana recomendación, por sentirse como una experiencia auténtica y libre de artificio, respaldada por buenas actuaciones y aspectos que resultan interesantes a pesar de no haber sido tan explorados como hubieran merecido. Además, hay que darle crédito a Hill por haber iniciado su carrera como cineasta con una película tan "anti-Hollywood" como esta.

Wildlife (2018)

Reseña: A grandes rasgos, Wildlife cuenta un tipo de historia que ya se ha visto en varias ocasiones: durante la década del '60, un matrimonio de clase trabajadora con un hijo se ve en problemas cuando él pierde su empleo, y tienen que ir buscando la manera de sobrevivir en el día a día, al mismo tiempo que presenciamos el "coming of age" del hijo. Sin embargo, lo que distingue a Wildlife es el buen ojo para los detalles que demuestra el director Paul Dano (prolífico actor que realiza su debut como cineasta en esta cinta), dejando que las pequeñas cosas digan mucho sobre los personajes y las cosas que experimentan. El resultado final es una película sencilla y sin grandes pretensiones, pero interesante y emotiva.

Dano demuestra sutileza y bajo perfil como director. Incluso la reconstrucción de época, la cual está muy bien lograda, nunca busca llamar la atención por sí misma, sino acoplarse naturalmente al relato. Por su parte, los personajes están escritos de manera humana y multi-dimensional, lo cual permite que la audiencia se identifique con ellos y comparta lo que les pasa de manera más íntima. Finalmente, la cinematografía de Diego García demuestra un buen manejo de la paleta de colores, dotando de personalidad y un sabor distintivo a todos los lugares donde transcurre el relato.

Los actores también tienen un desempeño muy bueno, adaptándose perfectamente a la sobriedad de la cinta. Ed Oxenbould es una revelación como el hijo del matrimonio, demostrando amplia expresividad y transmitiendo el genuino amor que siente por sus padres a pesar de los errores de ambos. Jake Gyllenhaal y Carey Mulligan también destacan, componiendo personajes complejos y brindándoles sinceridad; además, ambos saben generar muy bien la dinámica entre sus personajes, por lo que resulta muy fácil aceptarlos como un genuino matrimonio con constante tensión y fricciones entre ellos.

En conclusión, Wildlife me gustó bastante, y revela abundante potencial en Dano en su nueva faceta de director, demostrando una madurez y una visión que no suelen ser frecuentes en un debut. Entiendo que el pausado ritmo de Wildlife y su carencia de momentos lacrimosos o manipuladores (como quizás encontraríamos en dramas encarados de manera más "hollywoodense") podrían dejar afuera a algunos espectadores, pero yo justamente la aprecié por tomar un camino más sutil, y por ello más rico y emocionalmente satisfactorio.

El Hombre más Buscado (A Most Wanted Man, 2014)

Reseña: Tardé mucho en ver El Hombre más Buscado porque representó la última actuación de Philip Seymour Hoffman, uno de mis actores favoritos, antes de su trágico fallecimiento, y me parecía triste la idea de saber que esta cinta era su despedida definitiva (de hecho, se estrenó comercialmente de manera póstuma). Pero, bueno... finalmente la vi, y Hoffman ciertamente se despidió a lo grande, brindando una de sus características actuaciones tan detalladas como creíbles, componiendo genuinamente a su personaje, y, al mismo tiempo, brindándole total espontaneidad.

El Hombre más Buscado es un relato de espías sobrio y realista, siendo la total antítesis de los espectáculos de sagas como Misión Imposible o Jason Bourne. Esto significa que la película está fundamentada en investigación y diálogos en lugar de explosiones y persecuciones. Personalmente, creo que la cinta funciona generalmente bien, presentándonos un relato interesante con ricas connotaciones sociales y políticas, a pesar de algunas convenientes coincidencias que desentonan un poco con la naturalidad general de la experiencia. En la parte media, la película se torna algo redundante, pero luego se recupera en el tercer acto, cuando alcanza la mayor cantidad de tensión hasta culminar en un final tan contundente como inesperado.

Las actuaciones son indudablemente un punto fuerte de El Hombre más Buscado. Como mencioné en el primer párrafo, Hoffman hace un trabajo impecable, y el resto del elenco es también merecedor de mención, empezando por Rachel McAdams y Willem Dafoe. También me gustó el desempeño del actor ruso Grigoriy Dobrygin como el epónimo "hombre más buscado", un inmigrante checheno que llega a Hamburgo, y podría o no estar vinculado al terrorismo; el trabajo de este actor es sutil y muy expresivo.

En resumen, El Hombre más Buscado es una sólida cinta de espionaje, que sin llegar a ser algo excepcional, logra mantener la atención con su bajo perfil y bien escrita historia. La recomiendo advirtiendo nuevamente que no es una cinta de acción, sino una película que expone cruda y realistícamente el mundo del espionaje. Adicionalmente, funciona como la última ocasión de poder apreciar el enorme talento de un gran actor, dejando el amargo sabor de que no podremos seguir disfrutando sus actuaciones.

Ain't Them Bodies Saints (2013)

Reseña: La historia que cuenta Ain't Them Bodies Saints es bastante "clásica": una pareja de delicuentes se enfrenta a la policía; el cae preso, y cuatro años después, escapa de prisión para reencontrarse con su novia y conocer a la hija que nunca pudo ver. Sin embargo, el director David Lowery eligió una manera bastante poética y hasta artística de traducir ese relato en imágenes. En otras palabras, Ain't Them Bodies Saints es algo así como una fusión de cine de género y "cine arte"... lo cual funciona bien en algunos aspectos, pero no tanto en otros.

Por el lado positivo, es fácil de apreciar el lenguaje cinematográfico empleado por Lowery en Ain't Them Bodies Saints. Su refinada dirección hace que todas las escenas ofrezcan algo atractivo para la vista, lo cual se ve perfectamente complementado por la perfecta cinematografía de Bradford Young, quien logra sacar el máximo provecho a las vastas locaciones rurales de Texas. En resumen, es indudable que Ain't Them Bodies Saints fue concebida con una genuina visión artística, lo cual se aprecia doblemente cuando uno está tan acostumbrado a ver películas genéricas y carentes de personalidad.

Por el lado negativo, aunque aprecié el estilo poético de Lowery, lamento decir que quizás eso no haya sido exactamente lo que necesitaba Ain't Them Bodies Saints. Francamente, siento que esa decisión le restó emoción a todo el aspecto "de género" de la cinta, haciéndola funcionar bien como drama, pero flaqueando como thriller. Entonces, algunos momentos de la cinta me terminaron pareciendo un poco cansados, ya que no sentía la tensión ni la expectativa que esas escenas deberían haber generado.

En cuanto al elenco, Ain't Them Bodies Saints se beneficia mucho con la presencia de tres excelentes actores en los personajes principales. Casey Affleck (como el fugitivo), Rooney Mara (como la novia con la cual el delincuente quiere reencontrarse) y Ben Foster (como el policía que terminó desarrollando un vínculo afectivo con ella) no necesitan palabras para expresar el tormento interno de sus roles, y tan solo con sus expresiones y sus miradas transmiten todo lo que necesitamos saber sobre sus personajes.

En conclusión, Ain't Them Bodies Saints me pareció sólida en varios aspectos, pero, a fin de cuentas, no del todo satisfactoria por no despertar la emoción que debería haber generado. Creo que esta cinta necesitaba un estilo menos poético y más escapista, aunque sin por ello dejar de lado la potente visión de Lowery como cineasta. Una muestra de que un estilo puede funcionar por sí solo, aunque no siempre es el adecuado para el tipo de película que se quiere realizar.

Leaves of Grass (2009)

Reseña: Leaves of Grass no recibió críticas muy favorables en general, pero, aún así, tenía interés en verla, ya que me atraía la combinación del director Tim Blake Nelson (responsable de The Grey Zone -2001-, una de mis películas favoritas) y la presencia de Edward Norton (uno de mis actores favoritos) como protagonista interpretando a dos hermanos gemelos. El resultado final me pareció irregular, pero con suficientes virtudes para sostener el interés del espectador a lo largo de su duración.

Leaves of Grass empieza bien, introduciéndonos eficientemente a uno de los personajes principales, un profesor de filosofía con una vida estable y respetada, hasta que, por un motivo que conviene no adelantar, debe viajar a su pueblo natal, donde se reencuentra con su hermano gemelo, quien se dedica a cultivar marihuana y sigue un estilo de vida que podría considerarse como "hippie". Durante esa introducción, la película logra ser simpática y graciosa, pero eventualmente se empantana un poco, empezando a divagar y perderse en tangentes irrelevantes (como esa inútil sub-trama romántica entre el profesor y una poeta del pueblo).

Afortunadamente, luego de ese estancamiento que estaba empezando a aburrirme un poco, Leaves of Grass logró súbitamente recuperar mi interés con un repentino giro que ubica la trama en un contexto mucho más serio y hasta violento, deparando algunas sorpresas narrativas hasta culminar en un final satisfactorio. Ahí fue cuando me di cuenta de la ambición de Nelson en su faceta como guionista, escapando el fácil encasillamiento en un género determinado para ofrecer algo impredecible y distinto.

Por su parte, las actuaciones son excelentes. Como no podía ser de otra manera, Norton hace un trabajo impecable en ambos roles, logrando dotar de genuina vida y personalidad a cada uno de ellos. Norton es uno de esos actores que saben encontrar el balance entre composición histriónica y sinceras emociones, y Leaves of Grass no fue la excepción. El resto del elenco está compuesto por varios sólidos intérpretes (como Susan Sarandon, Richard Dreyfuss, Josh Pais y el mismo Nelson) que brindan buenos trabajos y logran dejar su impronta, independientemente del tiempo que estén en escena.

En conclusión, a pesar de algunos ajustes que se podrían haber hecho al guion y a la edición, la balanza final de Leaves of Grass cae del lado positivo, y amerita ser recomendada para espectadores que busquen algo con un sabor diferente a lo usual. Además, en mi caso personal, me dio ganas de seguir hurgando en la filmografía de Nelson como director, ya que, habiendo visto dos películas de él, me queda claro que se trata de un cineasta ecléctico que gusta afrontar proyectos muy distintos entre sí y adaptar su visión a ellos.

I Am Not a Witch (2017)

Reseña: Al igual que otras películas africanas que he visto (como Mooladé -2004- o Timbuktu -2014-), I Am Not a Witch no está tan interesada en contar una historia concreta, sino en retratar viñetas que ilustran sobre las devastadoras y dolorosamente reales experiencias que experimentan a diario los habitantes de la mayoría de los países de ese contiente. En el caso particular de I Am Not a Witch, eso da como resultado una película intensa y con un mensaje contundente, aunque ocasionalmente cansada.

I Am Not a Witch transcurre en Zambia, en donde Shula, una niña de nueve años, es acusada de ser una bruja, y llevada a un campamento donde básicamente es obligada a realizar trabajo esclavo y a funcionar como una "atracción" para los turistas. El modo mediante el cual la directora y guionista Rungano Nyoni ilustra esa situación es inteligente, ya que nada está expuesto de manera explícita; por el contrario, Nyoni permite que las acciones de los personajes hablen por sí solas, y de esa manera, el espectador logra deducir el mensaje de la cinta.

Por el lado negativo, tengo que admitir que I Am Not a Witch contiene algunos momentos que me aburrieron un poco. La ausencia de un eje narrativo concreto da lugar a algunas escenas que tienden a divagar y perder el foco, resultando innecesarias y no aportando nada sustancioso a la experiencia. Afortunadamente, hay abundantes virtudes para contrarrestar esa objeción en buena medida, desde la sutil pero fuerte crítica hacia la explotación y sufrimiento que padecen muchas personas en África hasta la seguridad y distintiva visión demostrada por Nyoni en su faceta como directora, sin olvidar un final que alcanza un elevado nivel de potencia emocional.

En conclusión, I Am Not a Witch no es una película que pretenda entretener, sino ilustrar al espectador sobre la cruel realidad que muchas personas africanas experimentan en su día a día. Como tal, creo que la cinta sale airosa en dicho objetivo, ya que, a pesar de algunas fallas, logra ofrecer una experiencia provocativa y profunda, sin jamás regodearse en la miseria ni el sufrimiento. Entonces, la considero merecedora de una recomendación, advirtiendo que no es una película pasatista ni mucho menos, sino una dura y deprimente.