Christine (1983)

Reseña: Christine (basada en una novela de Stephen King sobre un joven que adquiere un coche poseído por una fuerza maligna) me dejó con sensaciones encontradas. Por un lado, me pareció divertida por su dinámico ritmo, sólida manufactura (la película me pareció muy bien realizada, sobre todo para su época) y por nunca tomarse muy en serio; por el otro lado, el hecho de no tomarse muy en serio hace que la cinta resulte más graciosa que terrorífica, y, en consecuencia, se elimina todo impacto y contundencia que hubiera podido lograr como cinta de terror.

Aún así, hay varios aspectos para disfrutar, principalmente la virtuosa dirección de John Carpenter, quien además de mantener la experiencia en constante movimiento, demuestra un perfecto uso del lenguaje cinematográfico mediante creativos emplazamientos y movimientos de cámara, además de brindar una innegable personalidad a cada escena. Por el otro lado, las actuaciones son bastante flojas, particularmente la de Keith Gordon en el personaje principal, lo cual genera momentos de humor involuntario que decrece aún más la eficacia de Christine como película de terror.

A pesar de eso, Christine me mantuvo entretenido de principio a fin, por lo cual la considero merecedora de una mediana recomendación, aunque no logre satisfacer por completo como una cinta del género al cual pretendía pertencer. Creo que, en esta ocasión, hacía falta encontrar un mejor balance entre humor y terror, para que lo primero no terminara opacando a lo segundo.

La Ciénaga (2001)

Reseña: En un nivel superficial, La Ciénaga es una película muy simple en la cual no pasa prácticamente nada. Sin embargo, esta cinta está plagada de subtexto en cada escena, y quien decida escarbar podrá darse cuenta de que nada fue librado al azar, y que todo el guión fue armado de manera cuidadosa e inteligente. No obstante, entiendo perfectamente por qué esta cinta tiene tanto detractores que la acusan de vacía y tediosa; respeto ese punto de vista, aunque no lo comparto, ya que quienes acepten el desafío que propone La Ciénaga serán recompensados con creces.

Otro aspecto a destacar es el clima opresivo y hasta macabro que empapa cada fotograma. Todas las escenas que vemos en La Ciénaga son bastante mundana, pero están teñidas de una atmósfera enrarecida y hasta onírica que logró capturarme y hacer la experiencia aún más enigmática. En ese sentido, me recordó un poco las películas dirigidas por David Lynch (aunque esta cinta no logre alcanzar esas excelsas alturas): la sensación de que hay algo oscuro y anormal por debajo de incluso lo más prosaico.

Definitivamente, La Ciénaga no es una película de fácil recomendación; es de esas experiencias que no admiten término medio, ya que lo que proponen es tan radical que no quedan otras alternativas que dejarse llevar para sumergirse en una experiencia inusual u odiarla con pasión. Yo pertenezco al primer bando, ya que generalmente aprecio aquellas cintas "raras" y de difícil clasificación que me permiten incursionar en terrenos diferentes y nada convencionales.

Esplendor Americano (American Splendor, 2003)

Reseña: Esplendor Americano es un genuino y afectuoso tributo a los "perdedores" (tal como queda evidente en la brillante escena en la que el personaje principal sale del cine luego de haber visto Revenge of the Nerds -1984-). Además de esa sinceridad con la cual la cinta fue realizada, tenemos una muy entretenida película que combina comedia y drama de manera muy acertada y natural, por lo que tenemos momentos realmente graciosos, así como también otros que resultan emotivos y hasta ocasionalmente conmovedores.

Esplendor Americano es la biografía de Harvey Pekar (1939-2010), un hombre que tenía una vida muy rutinaria y aburrida hasta que decidió plasmarla en una serie de comics. Sin embargo, esta cinta está muy lejos de ser una "biopic" tradicional, y eso es lo que me lleva a lo que, en mi humilde opinión, es su atributo principal: el innovador estilo cinematográfico mediante el cual fue realizada, combinando las escenas con los actores con viñetas de los comics momentos documentales en los cuales vemos a los verdaderos Pekar y su esposa hablando frente a cámaras (así como también ocasionales participaciones de otras personas de la vida real). Sin embargo, lo más importante es que todo se integra de manera fluida al relato, por lo que el espectador no queda descolocado en ningún momento; por el contrario, esos elementos se conjugan en un conjunto ingeniosamente ideado y sólidamente ejecutado.

Otro punto importante son las maravillosas actuaciones del elenco entero. Paul Giamatti como Pekar, Hope Davis como su esposa, Judah Friedlander como el "nerd" Toby Radloff, James Urbaniak como el legendario artista de comics Robert Crumb... todos ellos logran que sus personajes resulten sumamente queribles, por lo que el espectador termina sintiéndolos como viejos amigos a los cuales quisiera seguir viendo más allá de la duración de la película.

En conclusión, Esplendor Americano es una muy recomendable experiencia, cuya engañosa simplicidad oculta múltiples capas que giran en torno a un sólido eje emocional que nos permite interesarnos emocionalmente en los personajes y compartir sus alegrías y tristezas. Y además de homenajear a los "perdedores" (como ya mencioné en el primer párrafo), Esplendor Americano también funciona como una auténtica celebración del arte en general.

Millennium Mambo (2001)

Reseña: Millennium Mambo es una película seductora. Su trama propiamente dicha es ínfima, pero lo que hace que la cinta resulte una experiencia atractiva son la estética, las imágenes y la música que cada escena nos ofrece. Sin embargo, si bien el despliegue de estilo es lo que más atrapa, eso no significa que Millennium Mambo sea una película carente de sustancia; ciertamente no se encuentra a la vista, pero quien decida escarbar, encontrará pleno significado en escenas en las que aparentemente no pasa nada, pero que están repletas de subtexto que podemos descifrar a través del lenguaje visual. Esta es una de esas cintas que son difíciles de describir en palabras; hay que "vivirlas" y dejarse llevar por ellas para realmente saber lo que tienen para ofrecernos.

Otra "carta fuerte" de Millennium Mambo es la presencia de la actriz Shu Qi en el papel principal, quien no solo demuestra amplio talento histriónico, sino que también posee una magnética presencia que hipnotiza a la audiencia y nos invita a seguir con interés a su personaje. Por su parte, el director Hou Hsiao-Hsien merece admiración por confiar tanto en el poder narrativo de las imágenes, incluso corriendo el riesgo de dejar afuera a muchos espectadores que quizás buscaban una experiencia más pre-digerida o convencional.

Vi Millennium Mambo hace tan solo un par de horas, y quizás sea un error escribir esta reseña de manera tan inmediata, porque siento que esta es una de esas películas que luego van creciendo mucho en la memoria a medida que uno las analiza en retrospectiva. De todas maneras, este escrito se fundamente en mi reacción inicial, la cual fue muy positiva, principalmente porque fue un placer encontrarme con una experiencia tan sensorial, poética, sensual y etérea.

Lars y la Chica Real (Lars and the Real Girl, 2008)

Reseña: "Un joven presenta a una muñeca que compró por internet como su novia". Suena como la premisa de una comedia absurdista, pero, en realiad, Lars y la Chica Real la tomó para desarrollar un melancólico y sobrio drama (con algunos toques de humor) sobre una persona que pretende llenar el vacío emocional que lleva adentro suyo con la mencionada muñeca.

Lo que más destaca en Lars y la Chica Real son las perfectas actuaciones del elenco entero, destacando obviamente a Ryan Gosling, quien carga con toda la cinta sobre sus hombros de manera sumamente creíble. Él logra que el espectador logre crear empatía inmediatamente con su personaje gracias a su expresivo y carismático desempeño, y su trabajo en esta cinta es tan bueno que logró hacerme olvidar de la antipatía que me provocó este año cuando lo vi en La La Land (2016). El elenco secundario también brinda muy buenas actuaciones (aunque Kelli Garner quizás sea demasiado bonita para interpretar a una chica "normal") y provee un sólido apoyo a Gosling.

El guión de Lars y la Chica Real está bien armado, y se toma su tiempo para ir desarrollando al personaje principal sin prisa, pero sin retardar el avance narrativo; además, el humor que mencioné en el primer párrafo funciona como un adecuado contrapeso del contenido dramático. Por su parte, el director Craig Gillespie conduce la experiencia con sutileza y austeridad, evitando que la película degenere en algo cursi o empalagoso.

A pesar de todas las virtudes mencionadas, Lars y la Chica Real no me pareció una película memorable. La disfruté escena por escena, pero creo que le faltó un indescriptible "algo" (quizás mayor impacto emocional) para realmente permanecer en el recuerdo, en lugar de ser simplemente una cinta cálida y agradable, pero desechable. Aún así, creo que hay suficientes aspectos positivos para hacer a Lars y la Chica Real merecedora de una mediana recomendación.

Lantana (2001)

Reseña: Conviene saber lo menos posible sobre la trama de Lantana antes de verla, porque aunque no haya grandes giros ni sorpresas, se podrá apreciar mejor la gradual manera en la cual la cinta va desarrollando a sus múltiples personajes y las situaciones que van enfrentando. Si bien la manera en la cual los personajes se van cruzando me pareció un poco forzada en algunas ocasiones, esta es una película cuidadosamente armada y ejecutada, en la cual ningún detalle fue librado al azar.

El director Ray Lawrence conduce la experiencia con una mano segura, dejando que la historia y los personajes respiren y se desarrollen a su propio ritmo, pero siempre manteniendo un buen ritmo que no deja lugar para el aburrimiento. Las actuaciones del elenco entero me parecieron estupendas, destacando a Anthony LaPaglia como un policía abrumado por la rutina y el siempre brillante Geoffrey Rush, quien ofrece una de sus típicas actuaciones plagadas de matices en sus expresiones y miradas.

En conclusión, Lantana es una interesante experiencia, y la recomiendo como una película compleja, atrapante y emotiva, que logra analizar temas profundos y variados desde una óptica inusual. En otras palabras, esta es otra de esas cintas que, a pesar de su buena calidad, pasaron desapercibidas por el público general, y merecen la oportunidad de ser re-descubiertas para que más espectadores logren apreciar sus virtudes.

El Porvenir (L'Avenir, 2016)

Reseña: Estrictamente hablando, El Porvenir no es una película en la que pasen "grandes cosas". Simplemente retrata la vida cotidiana de una profesora de filosofía que está entrando en la tercera edad, y cómo debe lidiar con cosas a las que cualquiera de nosotros le podría tocar enfrentar en algún momento, con un estilo calmo y relajado. Pero lo más importante es que El Porvenir logra ser una experiencia interesante justamente por todo eso; nos permite apreciar una genuina "rebanada de vida", cuyo principal atributo es la extraordinaria actuación de Isabelle Huppert en el rol principal.

Además del trabajo de Huppert, me gustó la firme dirección de Mia Hansen-Løve, quien conduce la película con serenidad y buen gusto, evitando todo artificio y exceso melodramático. Hansen-Løve deja que la experiencia simplemente fluya y se desarrolle a su propio ritmo, sin por ello jamás tornarse aburrida. El guión también es digno de mención, debido a que nos permite conocer a fondo al personaje principal, y nos invita a seguirla con interés.

En lo que respecta a lo negativo, toda la secuencia en la cual el personaje principal va al cine me pareció fuera de lugar; parece algo sacado de una comedia, y no de una cinta seria e introspectiva como ésta. Y ya que me estoy quejando, cuando la película terminó, me quedó la sensación de que le faltó ese indescriptible "algo" para realmente alcanzar la excelencia. Aún así, El Porvenir me pareció indudablemente recomendable, sobre todo para quienes busquen un drama realizado con mesura y talento, evitando la artificialidad o manipulación emocional en las cuales un cineasta menos talentoso hubiese caído.

Thirteen Conversations About One Thing (2001)

Reseña: Thirteen Conversations About One Thing es uno de esos dramas cocinados a fuego lento, en los que vamos conociendo a los personajes y las situaciones a las cuales se van enfrentando de manera gradual y sin prisa. Entiendo que ese estilo no es del gusto de todos los espectadores, pero yo tiendo a disfrutar los relatos de ese tipo, y esta película no fue la excepción.

Thirteen Conversations About One Thing se enfoca en cuatro personajes principales: un abogado, una chica que trabaja limpiando casas, un profesor de física y un empleado en una compañía de seguros (perfectamente interpretados por Matthew McConaughey, Clea DuVall, John Turturro y Alan Arkin, respectivamente). A medida que la cinta va transcurriendo, vamos viendo sus particulares historias, e incluso llegan a cruzarse en determinadas ocasiones. Lo que más me gustó es que esos cuatro personajes se sienten muy reales y multi-dimensionales; es muy fácil aceptarlos como seres humanos, principalmente porque están retratados en grises, por lo que no son completamente buenos ni completamente malos. Simplemente son personas que hacen algunas cosas que están bien, y otras que no lo están.

Por el lado negativo, el final de Thirteen Conversations About One Thing me pareció un poco abrupto; no me pareció precisamente inadecuado, pero creo que me hubiera gustado ver un cierre más concreto y contundente para la experiencia. A pesar de eso, me gustó esta película, y la recomiendo como un drama profundo y muy bien actuado, que logró envolverme e intrigarme de manera paulatina, para luego dejarme pensando por un largo rato luego de haberla visto. En resumen, una cinta poco conocida, la cual, sin llegar a ser una "joya oculta", merece ser apreciada por un público más amplio.

Perfectos Desconocidos (Perfetti Sconosciuti, 2016)

Reseña: Seguramente hayan notado que una de las expresiones que más utilizo en mis escritos es "lenguaje cinematográfico", y eso se debe a que creo que ahí debe radicar la base de toda película. En otras palabras, creo que toda cinta debe saber "expresarse" en términos audiovisuales, confiando principalmente en el poder de las imágenes para contarnos una historia y hacernos partícipes de una genuina experiencia. Por todo eso, creo que una película como Perfectos Desconocidos es anti-cinematográfica.

Perfectos Desconocidos es básicamente teatro filmado. Antes de proseguir, quiero aclarar que no me estoy refiriendo al teatro de manera despectiva; de hecho, hay películas basadas en obras teatrales que me gustaron y que encontraron un interesante estilo visual, tales como La Duda (Doubt, 2009) o Suburbia (1996). Sin embargo, Perfectos Desconocidos me pareció teatro filmado en el sentido de que está filmada de manera absolutamente plana y estática, ya que no hay rastro del más mínimo estilo visual, y la sensación que me quedó como espectador es que un camarógrafo (todo está rodado de manera tan impersonal e insulsa que no parece que haya habido un director tras las cámaras) se subió a un escenario y se puso a filmar una obra de teatro.

Sin embargo, aunque me haya irritado que no haya la más mínima confianza en las imágenes, creo que ese no es el principal problema de Perfectos Desconocidos. Yo creo que la principal falla de esta película es el guión (que se enfoca en un grupo de amigos -tres parejas y un solterón- que se reúnen una noche y deciden compartir el contenido de sus teléfonos celulares como un reto que surge durante la velada), el cual me pareció obvio, forzado y burdamente subrayado. Las buenas películas son aquellas en las cuales se examinan muchos temas, pero nunca de manera explícita; por el contrario, se incorporan al relato de manera fluida, y nosotros solos nos vamos dando cuenta de ella. En Perfectos Desconocidos, ocurre lo contrario, ya que los temas que se tocan (todos ellos demasiado básicos, y algunos se sienten demodé incluso) están enunciados en voz alta, y repetidos una y otra vez, por si acaso no entendimos. El guión empieza con un cierto tono humorístico, el cual me pareció fallido ya que no me hizo reír ni me pareció simpático; pero lo peor llega cuando viene la parte "dramática", y hay varios momentos que me hicieron rechinar los dientes de lo burdos y forzados que se sienten. Y bueno, entre menos diga del final, mejor; me pareció sencillamente bochornoso.

En resumen, Pefectos Desconocidos es una película básica que se cree profunda; antipática cuando se cree simpática; y empalagosa e irritante cuando se cree emotiva. Adicionalmente, los personajes me parecieron demasiado unidimensionales como para encontrarlos interesantes, y ninguno de los actores me pareció particularmente carismático (ni siquiera Alba Rohrwacher, quien me ha dejado buena impresión en otras ocasiones). De todas maneras, sé que Perfectos Desconocidos gustó mucho en general, así que quizás el equivocado sea yo. Pero en mi caso personal, odié esta película, y es una de las pocas que realmente me arrepiento de haber visto.

Cecil B. Demented (2000)

Reseña: Cecil B. Demented una certera sátira contra el cine comercial, principalmente el que se produce en Hollywood. El humor me pareció gracioso, aunque no teme caer en el mal gusto (a decir verdad, no podía esperarse otra cosa por parte del director y guionista John Waters), lo cual indudablemente molestará a algunos espectadores; sin embargo, yo no percibí eso como un defecto, ya que funciona como un apropiado remate de la parodia.

La estética de Cecil B. Demented se ve barata y muy poco pulida, pero creo que eso también funciona a favor de la experiencia, ya que complementa la atmósfera "trash" en la que se mueven el epónimo "director" Cecil y sus secuaces. Lo que sí me pareció un defecto es que el guión termina tornándose un poco reiterativo, incluso con una duración que no alcanza los noventa minutos; algunos puntos se repiten demasiado, y parece que eso se hizo solo para inflar la duración de la cinta.

Sin embargo, la experiencia general que tuve con Cecil B. Demented es indudablemente positiva, principalmente porque me resultó refrescante ver una película que no teme criticar los vicios de Hollywood con tanto humor e irrefrenable energía (incluso debo decir que coincido con Cecil en algunos puntos). Aún así, entiendo que esta no es una película para todos los gustos, y que aunque a mí me gustó, otras personas la odiarán por su aspecto barato y el previamente mencionado mal gusto. Procedan con precaución.

The Limehouse Golem (2016)

Reseña: Los atributos que The Limehouse Golem quedan muy opacados por el hecho que el final es demasiado predecible (francamente, yo lo adiviné durante los primeros 10 minutos); y lo peor es que la cinta lo presenta como si estuviera dando un giro inteligente y novedoso cuando, en realidad, cualquier persona que haya visto una cierta cantidad de películas sobre la búsqueda de asesinos seriales logrará deducirlo con facilidad. En otras palabras, The Limehouse Golem comete el error de creer que es mucho más ingeniosa y creativa de lo que realmente es.

Es una lástima que el guión de esta cinta sea una decepción, porque, por el otro lado, hay varios elementos positivos, tales como las sólidas actuaciones de Bill Nighy, tan convincente y carismático como siempre; Olivia Cooke, quien ofrece un trabajo muy expresivo y lleno de matices; María Valverde, perfecta como arpía (además de ofrecer abundante placer visual); y el menospreciado Eddie Marsan, quien siempre logra brindarle un toque especial a los papeles secundarios que normalmente interpreta. La reconstrucción de Londres en 1880 está bien hecha, y carece de elementos distractores, mientras que el director Juan Carlos Medina conduce la cinta con un buen ritmo que no deja lugar al aburrimiento.

Debido a todas esas virtudes, duele aún más que el guión de The Limehouse Golem sea tan predecible. Quizás si fuera el primer thriller que veo en mi vida, genuinamente me hubiera sorprendido; pero lamentablemente no fue así, y me resultó penosamente fácil deducir a dónde iba a desembocar la trama. Y ya que me estoy quejando, me pareció absolutamente fuera de lugar la inclusión de Karl Marx (sí, leyeron bien) como uno de los sospechosos; parece algo sacado de una comedia, y no de una cinta supuestamente "seria". En resumen, me cuesta sentir particular entusiasmo por The Limehouse Golem, y justamente por eso, no podría recomendarla a pesar de las virtudes mencionadas en el previo párrafo.

El Vecino (Un Etaj mai Jos, 2015)

Reseña: El director y guionista Radu Muntean me había dejado muy buena impresión con la película Aquel Martes Después de Navidad (Marti, dupã Crãciun, 2010), la cual tomó un tema tan trillado como el adulterio como base para desarrollar una experiencia potente, intensa e inolvidable, logrando niveles de adrenalina y emoción que uno normalmente no esperaría en un drama de apariencia austera como ese. Por eso, tenía altas expectativas antes de ver El Vecino, su cinta posterior; lamentablemente, debo decir que, en este caso, me decepcionó el guión, aunque el talento de Muntean como director sigue siendo innegable.

El Vecino empieza muy bien, estableciendo su premisa de manera inmediata y muy eficiente: el personaje principal escucha a una pareja que vive un piso debajo de donde él está peleándose, y más tarde, la mujer aparece muerta, lo cual desconcierta al hombre y hace que no sepa cómo reaccionar ante la policía (¿Debería contar o no lo que él escuchó?) Indudablemente, es un concepto provocativo, y como dije, está perfectamente establecido mediante el lenguaje cinematográfico. Sin embargo, aproximadamente a la media hora, el guión parece quedarse sin combustible, y empieza a vagar sin rumbo fijo; y cuando llegamos al final, no sentí que la película ofreciera un cierre satisfactorio. Me quedé con la impresión de que Muntean no supo a dónde llevar la interesante idea que disparó su libreto, y por eso terminó divagando luego de establecerla.

De todas maneras, incluso en una película no del todo satisfactoria como El Vecino, se puede percibir el gran talento que Muntean posee para narrar con imágenes, logrando cargar muchas escenas de significado que va mucho más allá de lo que simplemente se dice. Y hablando de decir, Teodor Corban ofrece una excelente actuación en el rol principal, ya que no necesita palabras para transmitir el dilema moral y la confusión que el personaje siente en su interior; tan solo con sus expresiones y sus miradas, el espectador puede percibir todo lo que le pasa.

En conclusión, a pesar de sus virtudes, no quedé muy satisfecho con El Vecino, principalmente por su guión. Aún así, sigo teniendo fe en la filmografía de Muntean; definitivamente tiene mucha capacidad como director, y espero que, en su próximo proyecto, tenga un buen apoyo por parte del libreto, tal como ocurrió en la previamente mencionada Aquel Martes Después de Navidad.

Violencia Diabólica (The Devil's Rejects, 2005)

Reseña: Aunque Violencia Diabólica tranquilamente puede ser considerada una película de terror, yo creo que sería más apropiada considerarla como una comedia negra repleta de sangre y brutalidad... aunque también ofrece ternura y corazón. Ciertamente parece rídiculo usar esas dos últimas palabras en una cinta cuyos tres personajes principales son salvajes asesinos seriales que consideran matar como algo rutinario... pero el mérito del director y guionista Rob Zombie consiste en hacerlos queribles a pesar de las atrocidades que cometen.

Por el lado negativo, la parte media de Violencia Diabólica se extiende más de lo necesario, con algunos momentos en los cuales la narrativa se empantana un poco, y no parece haber gran avance en la historia. Condensando un poco esa parte, la experiencia hubiera sido más concisa y contundente, sin por ello sacrificar el desarrollo de los personajes. No obstante, la película logró entretenerme de principio a fin, gracias a la imparable energía que Zombie logra mantener y a los carismáticos personajes principales, sólidamente interpretados por Sid Haig, Bill Moseley y Sheri Moon Zombie (la esposa del director).

Algunos espectadores quizás consideren a Violencia Diabólica como una película ofensiva; sin embargo, yo no la sentí de esa manera, ya que su sentido del humor funciona como un apropiado contrapeso de los horrores, y eso es justamente lo que evita que la cinta degenere en una hueca muestra de sadismo sin sentido (como ocurrió en -por poner un ejemplo de una película que vi en tiempos recientes- la atroz The Girl Next Door -2007-). En resumen, no será para todos los gustos, pero Violencia Diabólica me pareció una película entretenida, graciosa y hasta emotiva. Sí, emotiva... nunca me hubiera imaginado que las peripecias de tres dementes asesinos terminaran provocando ese efecto en mí.

Suburbia (1996)

Reseña: Suburbia es una de esas películas sobre las cuales tranquilamente se puede decir que "no tienen trama". Sin embargo, eso de ninguna manera significa que la experiencia carezca de interés. Enfócandose en un grupo de jóvenes a lo largo de toda una noche, la cinta ofrece agudas observaciones sobre los seres humanos y algunos brillantes diálogos, además de una conclusión que genuinamente logró dejarme pensando.

Al ser una película de constantes conversaciones, Suburbia se siente ocasionalmente monótona, y ya que me estoy quejando, debo agregar que los personajes no me parecieron muy agradables, por lo que me costó establecer un vínculo emocional con ellos. De todas maneras, esos defectos se ven compensados hasta cierto punto por las buenas actuaciones, así como también por el incisivo y profundo contenido del relato. Además, Suburbia gana mucho durante su último acto, en donde se rematan a la perfección los temas que previamente se habían estado examinando, hasta culminar de manera amarga pero satisfactoria.

En conclusión, esta es una película sencilla en su forma, pero compleja en su fondo. Bajo la superficie de un relato juvenil sobre jóvenes sin rumbo que disfrutan no hacer nada con sus vidas, se esconden reflexiones sobre cómo somos los seres humanos y qué es lo que realmente queremos para nuestras vidas. Tan solo por esa ambición, creo que Suburbia merece una recomendación; a pesar de sus fallas, no es común encontrarse con una película que tenga tanto para decir.

The Big Sick (2017)

Reseña: The Big Sick fue co-escrita por el comediante Kumail Nanjiani (quien también se interpreta a sí mismo en el rol protagónico) y su esposa Emily V. Gordon basándose en eventos reales que ellos compartieron (particularmente, cuando ella cayó en coma al poco tiempo de conocerlo), y eso hace que el relato se sienta sumamente personal, lo cual le brinda una inusual honestidad a la experiencia, al mismo tiempo que se examinan una amplia variedad de interesantes temas. El resultado final me pareció competente, aunque poco memorable y demasiado largo.

Para empezar, The Big Sick tiene varios momentos que deberían haber sido emotivos, y, sin embargo, no me provocaron la más mínima emoción. Por un lado, aprecio mucho que no se haya realizado un dramón lacrimoso y manipulador cuando tranquilamente se podría haber caído en eso; pero, por el otro lado, me decepcionó un poco que la película se sintiera tan fría en el plano emocional. Además, como dije en el previo párrafo, creo que la cinta se podría haber acortado un poco, ya que, aunque no me aburrió en ningún momento, algunas partes durante el último tramo se sienten innecesariamente estiradas.

De todas maneras, a pesar de esas quejas, The Big Sick me pareció una entretenida cinta que examina temas serios sin solemnidad y con un apropiado sentido del humor, aunque sin por ello descuidar su gravedad. Aunque no me haya parecido muy memorable en el largo plazo, creo que eso (junto con las sólidas actuaciones del elenco entero) la hace merecedora de una moderada recomendación. Además, toda película cuyo personaje principal sea un entusiasta cinéfilo (como en este caso) gana puntos extra desde mi punto de vista.

Xiu Xiu: Inocencia Perdida (Tian Yu, 1998)

Reseña: Ambientada en China durante la época de la Revolución Cultural, y enfocándose en una joven que es enviada al medio del campo para realizar trabajo manual, Xiu Xiu: Inocencia Perdida cuenta una historia que debería haber sido devastadora... aunque, por alguna razón, me despertó una mera indiferencia. A pesar de las desafortunadas situaciones en las cuales la chica se ve involucrada, nunca logré sentirme cautivado en el nivel emocional.

Curiosamente, los momentos que mejor funcionan en Xiu Xiu: Inocencia Perdida (al menos desde mi punto de vista) son los de la primera parte, en donde se establece la situación, y todavía no llegamos a los momentos duros del relato. El problema que yo percibí es que, eventualmente, la cinta sufre una pérdida de foco narrativo, y quizás eso es lo que haya sido lo que generara una cierta distancia (al menos en mi caso) con los terribles eventos retratados.

De todas maneras, no se puede negar que las actuaciones de los dos actores protagónicos son excepcionales. Li Xiaolu logra transmitir una gran variedad de emociones tan solo con su expresivo rostro, desde inocencia hasta impotencia, además de fortaleza y vulenrabilidad de manera simultánea. Por su parte, Lopsang (sic) también hace un trabajo fenomenal como el campesino con el cual ella termina conviviendo, ya que, tan solo con su mirada, podemos percibir el profundo cariño que siente por ella.

En conclusión, Xiu Xiu: Inocencia Perdida tenía todos los ingredientes para ser una experiencia poderosa y memorable... y justamente por eso me frustró que resultara fría y poco satisfactoria. No obstante, debo admitir que no me aburrió en ningún momento, y tan solo por las tremendas actuaciones de Xiaolu y Lopsang, esta película amerita una modesta recomendación.

Liberty Heights (1999)

Reseña: En manos de otro cineasta, Liberty Heights tranquilamente hubiera podido degenerar en sentimentalismo barato y golpes bajos. Pero gracias al sólido guión y sutil dirección de Barry Levinson, esta cinta está narrada con sensibilidad y buen gusto, evitando la solemnidad y empleando apropiados toques de humor (aunque no por ello se descuida el aspecto dramático) en su retrato de la vida de una familia judía allá por mediados de la década del '50.

En Liberty Heights, Levinson cuenta un relato semi-autobiográfico, y ciertamente se nota en muchos momentos lo cercana que siente esta historia, gracias a la honestidad emocional que logra impregnar en cada fotograma. Además, se examinan una amplia variedad de temas, pero ninguno se siente añadido a la fuerza; por el contrario, se integran de manera natural al guión. La reconstrucción de época está muy bien lograda, gracias a la atención al detalle demostrada, y los aspectos técnicos también son dignos de mención, particularmente la cinematografía, la cual permite apreciar un atractivo estilo visual que brinda genuina vida al período histórico retratado.

Por el lado negativo, Liberty Heights se extiende más de la cuenta. En su segunda mitad, empiezan a aparecer momentos que no logran aportar nada sustancioso, y que terminan inflando innecesariamente la duración de la película, por lo que se termina tornando un poco cansada en algunas ocasiones. Afortunadamente, las cosas repuntan un poco cuando llegamos al final, y eso me ayudó a disculpar esa queja hasta cierto punto.

En conclusión, el balance final de Liberty Heights definitivamente cae del lado positivo en mi caso, y la recomiendo como una agradable experiencia que verdaderamente logra transportar a la audiencia a otra época, además de ofrecer buenas actuaciones (destacando particularmente el trabajo de Ben Foster) y todos los atributos ya mencionados. Como dije al principio de esta reseña, esta cinta tranquilamente podría haber alcanzado insoportables niveles de cursilería y melosidad en otras manos, y es testimonio del talento de Levinson que Liberty Heights sea una película sobria sin por ello dejar de ser sincera y emotiva.

Abrir Puertas y Ventanas (2011)

Reseña: En Abrir Puertas y Ventanas, la directora Milagros Mumenthaler demuestra una buena mano para crear una atmósfera intrigante y desolada, logrando dotar a la casona donde transcurre toda la película de un aura de misterio que logra mantener el interés del espectador.

Lamentablemente, creo que el trabajo de Mumenthaler como guionista no logró estar a la altura de su dirección, ya que me quedé con la impresión de que el guión no tiene mucho para decir. Cuando la película terminó, me quedé con la frustrante sensación de haber visto algo así como un cortometraje estirado hasta poco más de noventa minutos de duración. En mi humilde opinión, faltó una estructura narrativa más sólida, o al menos, un disparador dramático más potente para que Abrir Puertas y Ventanas lograra satisfacerme en el plano narrativo.

Es una lástima que eso suceda, porque, como dije previamente, Mumenthaler es una talentosa directora que, además de lo que mencioné en el primer párrafo, también sabe mantener un ritmo fluido y captar la atención de la audiencia hasta con las escenas más mundanas. Además, también tenemos las sólidas actuaciones de María Canale, Martina Juncadella y Ailín Salas, quienes muestran credibilidad en sus roles y logran una perfecta química fraternal entre ellas, por lo que su modo de relacionarse queda claro de manera inmediata.

Abrir Puertas y Ventanas es una película austera y de bajo perfil, con muchos atributos para ofrecer, aunque, a fin de cuentas, me resultó poco satisfactoria. Esta cinta es partidaria de la política "menos es más", y yo generalmente apoyo esa decisión en lo que respecta a lo cinematográfico; sin embargo, en esta ocasión, sentí que "menos" terminó siendo demasiado poco. Como contraste con otra película que vi este año, puedo señalar Las Horas del Verano (L'heure d'été, 2008), la cual también retrató lazos familiares y se enfocó en situaciones cotidianas; sin embargo, tenía un subtexto plagado de connotaciones y profundidad, y exactamente eso fue lo que faltó en Abrir Puertas y Ventanas.

Demente (Raising Cain, 1992)

Reseña: Lo que más me llamó la atención después de ver Demente fue descubrir todos los elementos que el director y guionista M. Night Shyamalan "tomó prestados" (por no decir "robó descaradamente") de esta película para su popular cinta Fragmentado (Split, 2017), la cual me gustó, aunque ahora se me amargó un poco en el recuerdo al ver todas las cosas que plagió. En fin, voy a dejar eso de lado, y enfocarme en Demente, la cual me pareció una entretenida experiencia que retrata la torcida psiquis de un personaje principal afectado por sus múltiples personalidades.

El guión de Demente es indudablemente bizarro y hasta absurdo, pero se sigue con interés y logra ser impredecible. De todas maneras, creo que el principal atributo de esta cinta es la virtuosa dirección de Brian de Palma, quien emplea un frenético ritmo y un alucinante estilo visual que capturan rápidamente al espectador, y logra que uno termine fácilmente pasando por alto algunas incongruencias del guión para dejarse llevar por su fascinante utilización del lenguaje cinematográfico.

El gran John Lithgow merece un párrafo aparte con la brillante actuación que ofrece en Demente. Durante la película, Lithgow tiene que atravesar extremos estados anímicos y transmitir creíblemente las múltiples personalidades de su personaje, y logra todo eso con absoluta credibilidad y hasta con ciertos guiños humorísticos que funcionan como un buen complemento de una experiencia tan desquiciada como esta. Lithgow no deja de asombrarme en cada película donde lo veo, y no me explico por qué no se le tiene mayor estima en círculos cinéfilos.

Entonces, resumiendo, Demente no me pareció una gran película, ni tampoco es muy memorable en el largo plazo, pero indudablemente logró divertirme mientras la veía, y la recomiendo como una (haciendo honor al título que recibió en la Argentina) una demente fusión de comedia negra y terror que no se detiene ante nada ni le teme a los excesos o al rídiculo para capturar la atención del espectador.

Poesía para el Alma (Shi, 2010)

Reseña: Poesía para el Alma es una película sobre una sexagenaria (magistralmente interpretada por Yoon Jeong-hee) que debe lidiar con los primeros síntomas del Alzheimer y un atroz acto en el que su nieto estuvo implicado, mientras comienza a concurrir a clases de poesía, narrada de manera serena... aunque desafortunadamente, esa serenidad se traduce ocasionalmente en tedio, con una abundancia de momentos repetitivos y/o irrelevantes que terminan inflando innecesariamente la duración de la cinta (139 minutos que, al menos en mi caso, se sienten) y cansando un poco.

La primera parte de Poesía para el Alma establece las cosas de manera pausada, pero interesante, logrando que nos compenetremos con el personaje principal y la difícil situación en la que se ve involucrada. El problema llega en la parte media, cuando la narrativa se estanca y divaga demasiado (en serio... ¿Hacía falta dedicar tanto tiempo a las lecturas de poesía?) Eventualmente, las cosas mejoran durante el último tramo, culminando en un final etéreo y, haciendo justicia al título de la cinta, poético... aunque en ese punto, yo ya estaba algo cansado por el ocasional aburrimiento que había experimentado previamente.

Entonces, extirpando unos treinta minutos, creo que Poesía para el Alma hubiera sido una película mucho más eficiente y elocuente. Pero, en su estado actual, sus varios méritos se ven opacados por todo el relleno superfluo de la parte media. De todas maneras, no hay duda de que el director Lee Chang-dong posee una potente visión artística que hace que Poesía para el Alma sea digna de verse a pesar de sus traspiés, por lo que creo que esta cinta merece una recomendación, con las reservas ya mencionadas.

El Rebelde Mundo de Mia (Fish Tank, 2009)

Reseña: La sensación general que me dejó El Rebelde Mundo de Mia (horrible título que puede hacer creer que la cinta es una estúpida comedia juvenil, cuando la realidad no podría ser más distinta) es que es una película que se toma demasiado tiempo para decir algo demasiado simple. De ninguna manera eso quiere decir que sea mala; por el contrario, las actuaciones son excepcionales, y la directora Andrea Arnold demuestra buena mano para crear una atmósfera tan realista como envolvente. Sin embargo, siento que la cinta está un poco estirada, ya que, a lo largo de dos horas, reitera algunos puntos una y otra vez, al mismo tiempo que el mensaje que deja no es tan profundo ni novedoso como pretende serlo.

De todas maneras, es indudable que El Rebelde Mundo de Mia tiene abundantes atributos que la hacen digna de verse. Como dije previamente, las actuaciones son excelentes, destacando a Katie Jarvis en el rol principal (una joven de 15 años que ve su diaria existencia cambiada con la aparición de un nuevo novio de su madre), demostrando carisma y una amplia expresividad que le brinda peso y espesor a su personaje, y Michael Fassbender (quien participó aquí antes de alcanzar su actual fama como intérprete) como el mencionado padrastro. Además, la experiencia nunca aburre, y siempre sentí curiosidad por saber qué podía pasar luego, aunque me decepcioné un poco cuando pasaban algunas cosas que ya había logrado predecir bastante antes.

En resumen, El Rebelde Mundo de Mia es una película interesante, aunque creo que se la podría haber acortado un poco, además de darle algunas pulidas al guión. De todas maneras, creo que merece una recomendación, aunque en lo que respecta a dramas que retratan la vida en algún barrio pobre británico, mi favorita sigue siendo (por lejos) Ratcatcher (1999).

Dulce y Melancólico (Sweet and Lowdown, 1999)

Reseña: Dulce y Melancólico es una película simpática... aunque esa simpatía no sea suficiente para darle total sustento a la experiencia completa. Durante el último tramo, la cinta empieza a hacer agua, y se nota que ya estaba agotada la premisa para ese punto. De todas maneras, Dulce y Melancólico no me aburrió en ningún momento, y creo que amerita una mediana recomendación, aunque definitivamente no está ni remotamente entre lo mejor de la filmografía de Woody Allen.

Esta es una de esas películas que no cuentan una historia unificada propiamente dicha, sino que retratan una serie de viñetas; en este caso, dichas viñetas se enfocan en Emmett Ray, un ficticio guitarrista de jazz, y las diversas situaciones en las cuales se ve involucrado. La principal "carta fuerte" de esta película son las excelentes actuaciones de Sean Penn y Samantha Morton como Emmett y la chica muda de la cual él se enamora (respectivamente), además de la perfecta química que comparten entre sí. De hecho, Morton desaparece un largo rato durante el último tramo de la cinta, y su ausencia definitivamente se resiente, además de exacerbar el hecho de que la película se empieza a quedar sin combustible en ese punto, como ya fue previamente señalado.

Entonces, Dulce y Melancólico es una película cálida y agradable, aunque, a fin de cuentas, la experiencia global es tan tenue e insustancial que pasa al olvido rápidamente. De todas maneras, me hizo pasar un buen rato, aunque tomando en cuenta que Allen estuvo detrás de las cámaras, me terminé quedando con sabor a poco.

Rosetta (1999)

Reseña: Lo primero que llama la atención en Rosetta (más allá del hecho de haber sido estrenada en cines argentinos en el año 2009... sí, leyeron bien, con 10 años de atraso )es la sensación de urgencia y desesperación que los co-directores Jean-Pierre y Luc Dardenne logran imprimir en cada plano. Eso nos compartir en primera persona las experiencias del personaje principal (una joven de clase baja necesitada de trabajo y que debe lidiar con una madre alcohólica), y experimentar todas sus sensaciones de manera sumamente palpable y realista.

Además de eso, los hermanos Dardenne logran que cada escena nos diga algo importante, por lo que no hay ningún tipo de relleno ni elementos innecesarios. Rosetta es una película que apenas supera los noventa minutos, pero esa duración está aprovechada al máximo, ya que no hay momento que no contribuya al tapiz narrativo y emocional de la cinta. Como guionistas, los Dardenne también demuestran destreza, mostrando cosas que inicialmente desconciertan un poco, aunque, más adelante, cobran sentido y entendemos cuál era su función, lo cual demuestra una construcción narrativa eficiente y muy cuidada. También me gustó que los personajes estén retratados con grises, en lugar de simplistas blancos y negros; en otras palabras, son seres humanos falibles, y así como tienen actos buenos, también cometen algunos malos, lo cual realza su humanidad y facilita la identificación del público en ellos.

Las actuaciones son excelentes, ya que es fácil aceptar a todos los personajes como personas reales, aunque quien se roba la película es indudablemente Émilie Dequenne como la epónima Rosetta, transmitiendo absolutamente todo lo que hace falta saber sobre ella tan solo con su expresivo rostro y triste mirada. Además, Dequenne posee una presencia fuerte que le permite cargar toda la película sobre sus hombros con absoluta naturalidad y establecer fácilmente un vínculo con la audiencia.

Entonces, Rosetta es una buena cinta que indudablemente merece recomendación, aunque no me animaría a considerarla una gran película, como tanta otra gente ha hecho... quizás le faltó un "algo" adicional al guión, al menos desde mi punto de vista. Además, dentro de la filmografía de los Dardenne, me gustaron más El Niño (L'Enfant, 2005) y El Chico de la Bicicleta (Le Gamin au Vélo, 2011). Pero bueno, más allá de eso, Rosetta es una experiencia interesante y satisfactoria que merece el apoyo del público.

Pokot (2017)

Reseña: Pokot es una película que tiene varias ideas interesantes, aunque lamentablemente no lograron ser ensambladas en un paquete completo que resulte totalmente satisfactorio. Principalmente, creo que esta es una cinta que sufre de una severa falta de foco; la narrativa me pareció demasiado dispersa, yendo de aquí para allá sin encontrar un hilo unificador. Por largo rato, me costaba determinar qué era lo que se pretendía contar: ¿Un thriller sobre una serie de asesinatos? ¿Un retrato sobre un pintoresco grupo de personajes? ¿Un panfleto a favor de los animales? ¿Una comedia negra? No me molesta cuando una película trata de combinar varias cosas a la vez, pero en esta ocasión, sentí que no lograron coexistir de manera armoniosa.

Otro punto en contra que tengo para señalar es que el giro final de Pokot pretende ser sorpresivo, pero a mí me pareció demasiado predecible. En serio, logré adivinarlo durante la primera media hora. Eso contribuye en gran medida a disminuir el impacto de la experiencia, y termina quedando la sensación de que esta es una de esas cintas que se creen más inteligentes e ingeniosas de lo que realmente son.

Habiendo quejado tanto, debo admitir que Pokot no me pareció una mala película. Por el contrario, logró mantenerme entretenido durante poco más de dos horas, y los aspectos técnicos (particularmente la cinematografía se sienten sumamente cuidados. En cuanto a las actuaciones, todas me parecieron buenas, destacando a Agnieszka Mandat-Grabka en el rol principal, aunque también merece mención el sólido desempeño del resto del reparto.

Sin embargo, queda el sabor algo amargo de que todas esas cosas buenas quedan un poco opacadas por los defectos que mencioné previamente, los cuales me impiden recomendar Pokot con particular entusiasmo. Esta cinta es un claro ejemplo de que se pueden tener muchas ideas buenas, aunque eso no sea garantía de nada por sí solo; hace falta integrarlas naturalmente en un relato bien estructurado, lo cual desafortunadamente no ocurrió en esta ocasión.

Yi Yi (2000)

Reseña: A lo largo de casi tres horas, Yi Yi nos muestra a personas normales llevando a cabo sus vidas cotidianas. Estrictamente hablando, tranquilamente se puede decir que esta es una de esas cintas en las cuales "no pasa nada". Sin embargo, eso no significa que esta sea una película vacía de ninguna manera. Por el contrario, una vez que termina, el espectador se empieza a dar cuenta que Yi Yi fue construida por detalles, que quizás parezcan irrelevantes mientras la experiencia transcurre, aunque eventualmente nos damos cuenta de que forman parte de un tapiz narrativo y emocional cuidadosamente armado y sólidamente ejecutado. En otras palabras, el "cuadro completo" lo obtenemos recién cuando la película termina.

Además, Yi Yi tiene varios momentos que parecen sencillos, pero que generan sensaciones en la audiencia por la manera en la cual fueron plasmados en imágenes, por lo que terminan diciendo mucho con poco. Por lo demás, las actuaciones son impecables, ya que es muy fácil aceptar a los personajes como auténticas personas; y también aprecié mucho que el director Edward Yang (quien lamentablemente falleció en el 2007) mostrara las escenas más emocionales filmándolas de lejos y sin ningún artificio, evitando así la fácil manipulación emocional en la cual un cineasta menos talentoso hubiera caído.

Entonces, sobra decir que Yi Yi no será una película para todos los gustos, e indudablemente requiere una cierta paciencia y entrega por parte del espectador. Sin embargo, yo quedé satisfecho con ella, porque me sentí eventualmente compensado con todas las cosas que la cinta me fui dando, las cuales parecen pequeñas en el momento, pero, concatenadas, terminan logrando que Yi Yi sea una cinta íntima y épica a la vez, ya que emplea a un puñado de personajes para contar un relato que refleja la vida misma, y con el cual cada de uno de nosotros tenemos algo con lo cual identificarnos.

Kimi no Na Wa (2016)

Reseña: Resulta refrescante encontrarse una película tan auténticamente original como Kimi no Na Wa. Conviene saber lo menos posible sobre la trama de esta cinta animada japonesa antes de verla, pero baste decir que lo que empieza como un simpático y gracioso relato sobre dos adolescentes (un varón y una chica) que intercambian cuerpos eventualmente se transforma en algo mucho más profundo, complejo y emotivo.

El estilo visual de la película es un deleite para la vista de principio a fin. Los colores, la representación de Tokio (donde vive el muchacho) y el entorno rural (donde vive la joven), los detalles... todo se ve bellísimo, y realmente me hubiera encantado haberlo apreciado en una pantalla grande. Pero, más allá del aspecto visual, Kimi no Na Wa tiene mucho para ofrecer en lo narrativo, ofreciéndonos algo único que rehúsa ser encasillado en un género específico.

No calificaría a Kimi no Na Wa como una obra maestra (como mucha gente ha hecho), pero definitivamente estamos ante una obra que desafia al espectador y lo lleva por los caminos más inusuales e inesperados, dando como resultado una experiencia mágica que realmente logra permanecer en el recuerdo. Recomendada principalmente como una muestra de que aún hay lugar para la audacia y la originalidad en el cine contemporáneo.

Carol (2015)

Reseña: Al igual que Lejos del Paraíso (Far From Heaven, 2002), Carol, también dirigida por Todd Haynes, nos transporta a la década del '50 de manera sumamente efectiva, con el apoyo de una preciosa cinematografía, un perfecto diseño de producción y una atmósfera muy lograda. Desafortunadamente, Carol quedó lejos de alcanzar el impacto y la complejidad emocional de Lejos del Paraíso.

Esta cinta retrata el romance que se forja entre dos mujeres en aquella represiva época, e indudablemente nos ofrece válidas observaciones e interesantes comentarios, mientras que las actuaciones de Cate Blanchett y Rooney Mara en esos personajes son excelentes. Sin embargo, a pesar de todos los atributos que Carol tiene para ofrecer, la experiencia completa me resultó fría y distante, ya que nunca logró compenetrarme a un nivel emocional. En otras palabras, es una película que generó (al menos conmigo) una cierta distancia, y eso me evitó que la experiencia resultara del todo satisfactoria.

Entonces, en resumen: una buena película, sólidamente dirigida, impecablemente actuada y con extraordinarios aspectos técnicos, pero que no logró cautivarme. En fin, creo que puedo recomendarla por sus atributos, pero sin mucho entusiasmo. Definitivamente, un claro caso en el cual el todo me resultó menos que la suma de sus partes.

Annabelle 2: La Creación (Annabelle: Creation, 2017)

Reseña: Antes que nada, debo aclarar que no vi la original Annabelle (2014), por lo que fui a ver Annabelle 2: La Creación con expectativas neturas; y si bien no resultó una experiencia muy memorable, logró mantenerme entretenido, y amerita ser recomendada como una competente película de terror que está por encima del promedio de lo que los grandes estudios suelen ofrecer en este género.

Para empezar, lo que más me gustó de Annabelle 2: La Creación fue la sólida dirección de David F. Sandberg, quien sabe crear terror e inquietud de manera clásica y elegante. Particularmente aprecié la manera en que Sandberg sabe manejar los silencios; a diferencia de cineastas menos talentosos, que emplean un ritmo frenético en cintas de este tipo, Sandberg va construyendo todo de manera gradual y deliberada, por lo que el sobresalto termina llegando cuando menos lo esperamos, y, en consecuencia, resulta mucho más efectivo. Además, la atmósfera de desolación y temor está muy bien creada.

El guión está bien desarrollado, tomándose su tiempo para establecer a los personajes y sus relaciones, pero sin nunca estancarse. Además, me gustó el origen que se le asignó a la muñeca maligna Annabelle, ya que le brinda un aura trágico y melancólico que la hace ir mucho más allá de ser una génerica villana. Finalmente, las actuaciones del elenco entero son sumamente creíbles, aunque destaca la niña Talitha Bateman, quien demuestra un amplio rango de matices y expresiones con su desempeño.

Por el lado negativo, Annabelle 2: La Creación se extiende un poco más de lo necesario cerca del final; nunca se torna aburrida, pero sí algo repetitiva, por lo que creo que se podrían haber extirpado unos diez minutos. A pesar de eso, y sin ser una gran película ni mucho menos, Annabelle 2: La Creación es entretenida, y sin duda justifica ser vista en la pantalla grande para apreciar mejor sus climas y sus sobresaltos. Además, demuestra que Sandberg es un director con mucho potencial para el género de terror.