The Transfiguration (2016)

Reseña: A veces, las sorpresas más agradables nos las dan aquellas películas que pasaron "debajo del radar"... en otras palabras, aquellas cintas de bajo presupuesto, con actores desconocidos, que no fueron muy vistas ni que tampoco recibieron mucha atención por parte de los críticos. Todo eso me lleva a The Transfiguration, de la cual no esperaba mucho, pero que terminó resultando una apasionante y memorable experiencia cinematográfica repleta de admirables atributos que merecen ser apreciados por cualquier fan del buen cine, independientemente del género en el cual queramos encasillarla.

Y eso me lleva a la cual quizás sea la principal virtud de esta excelente película; como he dicho en muchas ocasiones, los buenos relatos son aquellos que logran funcionar en múltiples niveles, y como tal, The Transfiguration funciona maravillosamente bien como película de terror, como thriller psicológico, como drama y hasta como una conmovedora historia de amor, y el director y guionista Michael O'Shea (haciendo un asombroso debut) logre que todos esos niveles se complementen mutuamente y formen parte de un todo meticulosamente armado y expertamente ejecutado.

O'Shea mantiene un ritmo deliberado pero atrapante desde el primer segundo, que gradualmente nos va envolviendo en el relato, al mismo tiempo que vamos conociendo las complejas psicologías de los personajes. Otra cosa que O'Shea logró recrear muy bien fue la atmósfera de la cinta, la cual logra envolver al espectador de entrada y contagiarlo con la inquieta sensación de que algo malo está a punto a suceder.

Las actuaciones también están entre los principales atributos de The Transfiguration. Eric Ruffin y Chloe Levine conforma un extraordinario dúo protagónico, doblemente impresionante por tratarse do dos intérpretes muy jóvenes con escasa experiencia actoral. Ruffin interpreta a un adolescente que mantiene un rostro aparentemente impasible, pero logra transmitir al espectador cada una de las emociones que su personaje vive en su interior, además de expresar de manera sumamente creíble el peso que ciertos traumas de su pasado dejaron en su vida. Levine expresa perfectamente la calidez de su personaje, al mismo tiempo que también logra transmitir la angustia y desolación que su personaje tiene en la vida, los cuales empiezan a paliarse una vez que va desarrollando una relación con el personaje de Ruffin. Por último, la química entre ambos es fantástica.

Traten de no saber absolutamente nada sobre la trama de The Transfiguration antes de verla, ya que, de esa manera, podrán saborear mejor la exquisita manera en la cual O'Shea fue construyendo el relato, para luego traducirlo en imágenes mediante una puesta en escena sobria pero poderosa y repleta de sugestión. The Transfiguration me recordó un poco a It Stains the Sands Red (2016), otra película que vi en tiempos recientes, ya que, si bien son muy distintas en lo que respecta a trama y estilo, ambas tomaron algunos elementos que se ven comúnmente en el cine de terror, y lograron re-interpretarlos de manera fresca, creativa y fascinante, al mismo tiempo que los usaron como trasfondo de relatos más profundos y emocionales de los que habitualmente vemos en este género.

En resumen, The Transfiguration es una experiencia única, y la recomiendo con toda vehemencia como una película impredecible, distinta y muy entretenida, además de dejar un impacto que logra quedarse con el espectador por largo rato. O'Shea se revela como un muy prometedor cineasta, por lo que solo queda esperar que no sea un "one-hit wonder", y que sus futuros proyectos logren estar a la altura de las elevadas expectativas que The Transfiguration logró establecer.

El Viento nos Llevará (Bad ma ra Khahad Bord, 1999)

Reseña: Muchos espectadores dirán que El Viento nos Llevará es una película en la cual "no pasa nada". Yo no coincido con esa apreciación, ya que creo que eso es ver a esta cinta en un nivel superficial. Por el contrario, desde mi punto de vista, El Viento nos Llevará tiene una trama, pero no está presentada de manera convencional, ya que se va armando a través de detalles que parecen periféricos, pero, a medida que se van concatenando, terminan formando un interesante tapiz narrativo. En otras palabras, el espectador debe ir escarbando para poder descifrar la historia, hasta que llegamos al final, el cual deja algunas cosas sin explicación, pero nos provee las herramientas necesarias para completar el relato en nuestra imaginación.

Además, en un nivel cultural, El Viento nos Llevará nos permite conocer la vida en una aldea ubicada en un pueblo perdido iraní, y eso nos permite identificarnos con el protagonista, ya que vamos descubriendo cómo es la vida ahí a la par de él. Además, el respetado director Abbas Kiarostami (quien falleció el año pasado) es un cineasta repleto de ideas visuales, por lo que prácticamente cada escena tiene un significado subyacente que podemos discernir a través de las elocuentes imágenes.

Por el lado negativo, El Viento nos Llevará se extiende un poco más de lo necesario durante su último tramo, ya que ahí aparecen algunos momentos pretenciosos o innecesarios que no aportan mucho y rompen un poco el flujo narrativo. Afortunadamente, la cinta se recupera de ese pequeño tropiezo con una última escena que resulta tan sugerente como poderosa.

En resumen, no será para todos los gustos, pero El Viento nos Llevará es una película que rompe esquemas y va en contracorriente a lo convencional (sobre todo en lo que respecta a cómo cuenta su historia), y, en mi humilde opinión, eso la hace merecedora de respeto y una segura recomendación especialmente para aquellos cinéfilos que busquen maneras inusuales de utilizar el lenguaje cinematográfico. Es una lástima que Kiarostami ya no esté con nosotros, ya que no abundan cineastas que sean tan arriesgados y distintivos como lo era él.

El Crimen del Padre Amaro (2002)

Reseña: Como ya he mencionado en alguna ocasión, las películas sobre las cuales más me cuesta escribir son aquellas que no me parecen malas, pero que solo logran despertarme indiferencia. El Crimen del Padre Amaro me pareció una de esas cintas; indudablemente está prolijamente realizada y muy bien actuada, pero... meh. No me aburrí mientras la veía, pero no logró realmente atraparme en ningún momento, y la olvidé de manera inmediata ni bien terminó.

Más allá de ese distanciamiento que sentí con la experiencia, me parece que El Crimen del Padre Amaro es una película excesivamente obvia y redundante en su mensaje, ya que termina recalcando su punto (el cual no es para nada novedoso) una y otra vez: algo huele a podrido en la Iglesia católica. Además, la transformación que atraviesa el personaje principal (un joven sacerdote recién ordenado) es predecible desde el instante en que la película empieza.

Por el lado positivo, el director Carlos Carrera conduce la película con mano firme y segura, además de que logró extraer perfectas actuaciones del elenco entero, destacando a Gael García Bernal. Pero a pesar de esos atributos, me cuesta sentir particular entusiasmo hacia El Crimen del Padre Amaro, y, en consecuencia, también se me hace difícil recomendarla genuinamente. En resumen, una cinta sin fallas fatales, pero carente del vigor y pasión suficientes para involucrar al espectador en la experiencia.

Adventureland (2009)

Reseña: Adventureland es una película repleta de admirables atributos: el guión es profundo y muy bien estructurado, combinando humor y melancolía en la dosis exacta, al mismo tiempo que permite que las situaciones y los personajes de desarollen de manera natural y orgánica; el director Greg Mottola mantiene un tono sumamente agradable de principio a fin, logrando que el espectador se sumerja en la época (1987) y los lugares (principalmente el parque de diversiones en el cual el protagonista tiene que trabajar durante el verano) en los cuales transcurre la historia; la banda sonora es estupenda; y además, hay muchas excelentes actuaciones en la cinta, destacando a Jesse Eisenberg en el papel principal. Con todos esos ingredientes, Adventureland podría haber sido tranquilamente una gran película... pero hay un solo factor que evitó que lo sea, lo cual le terminó restando algunos puntos a la experiencia, haciéndola muy buena, pero no excelente.

¿Cuál es ese factor? Kristen Stewart. A decir verdad, nunca he tragado a esta actriz, pero creo que Adventureland fue la película que más sufrió con su presencia. Stewart interpreta a la chica de la que el protagonista queda perdidamente enamorado, y ese rol necesitaba una intérprete con talento histriónico, además de luminosidad, carisma y amplia presencia escénica. Por el contrario, Stewart posee una inherente frialdad y antipatía que no la hacen muy agradable (por no mencionar su rigidez actoral), lo cual me evitó crear empatía con el personaje. En otras palabras, ese era un papel que tenía que "enamorar" a la audiencia tanto como al protagonista, y yo terminé sintiendo total indiferencia ante ella.

Afortunadamente, Adventureland tiene muchísimos atributos que logran compensar en gran medida esa importante falla; pero me quedó el sabor ligeramente amargo de saber que, con una mejor actriz que Stewart, esta cinta podría haber dado un paso más, y ser brillante. De todas maneras, eso de ninguna manera me impide recomendar Adventureland como un emotivo, gracioso y muy satisfactorio "coming of age" que logra entretener y dejarnos pensando en igual medida.

The Assassin (Cìkè Niè Yinniáng, 2015)

Reseña: The Assassin es la segunda película que he visto del director Hou Hsiao-Hsien (la primera fue Millennium Mambo -2001-), y aunque son muy diferentes entre sí, ambas tienen algo en común: un estilo seductor, que gradualmente va envolviendo al espectador para terminar recompensándolo con una experiencia satisfactoria que va creciendo en el recuerdo a medida que se la analiza en retrospectiva. Cierto, el lánguido ritmo de ambas películas, así como también su narrativa (en el caso de Millennium Mambo, la historia propiamente dicha es ínfima; en lo que respecta a The Assassin, es difícil de descifrar, y el espectador tiene que ir armándola con las pistas que se van arrojando a lo largo del metraje), seguramente ahuyente a varios espectadores; pero en mi caso particular, disfruté ambas películas por su inmersiva atmósfera y el sugerente estilo del director, que transmite mucho con poco.

Indudablemente hace falta paciencia y una cierta predisposición hacia una cinta como The Assassin; de hecho, no niego que su languidez se tradujo en un cierto cansancio en alguna que otra ocasión. Pero lo bueno es que me sentí recompensado, ya que esta es una experiencia que está plagada de significado por debajo de su superficie; en otras palabras, nada fue librado al azar, y a medida que uno se va dejando llevar por la película, puede darse cuenta de que cada cosa fue deliberadamente planeada. Los aspectos técnicos son extraordinarios; desde la impresionante cinematografía hasta los perfectos decorados, realmente nos sentimos parte del período histórico durante el cual transcurre The Assassin. Además, Hou es un cineasta con un poderoso estilo visual, que no solo hace las escenas atractivas para la vista, sino que también cumple un genuino propósito para la narrativa.

Las actuaciones son buenas, destacando a Shu Qi (quien ya me había dejado una muy buena impresión en la previamente mencionada Millennium Mambo), ya que demuestra una magnética presencia y una amplia gama expresiva en el papel principal, lo cual es doblemente loable teniendo en cuenta los escasos diálogos que tiene en la cinta. Es una lástima que esta actriz no sea muy conocida fuera de Asia, ya que tiene auténtica "madera" de estrella cinematográfica.

Por último, cerraré esta reseña con una advertencia: ni se les ocurra pensar que The Assassin es una película de acción (o, mejor dicho, un "wuxia", que es el témino que se utiliza para definir a cintas asiáticas de época con fastuosas escenas de artes marciales) antes de verla. La realidad no podría ser más diferente, ya que se trata de un metódico drama con pocos y breves momentos de acción (aunque están muy bien filmados), ya que el foco pasa por la turbulencia interna de los personajes y el análisis de la situación en la provincia china de Weibo en la época durante la cual transcurre la película. En pocas palabras: recomiendo The Assassin, pero solo para aquellos espectadores que sepan muy bien en el tipo de película que se estarán metiendo.

Thor: Ragnarok (2017)

Reseña: Con la honorable excepción de Guardianes de la Galaxia (Guardians of the Galaxy, 2014), las películas de superhéroes pertenecientes al canon de Marvel me tienen harto desde hace rato. Básicamente termino sintiendo que estoy viendo la misma película una y otra vez. Este año, esa sensación de fastidio que me provocan este tipo de películas la experimenté por partida doble: primero, con Spider-Man: De Regreso a Casa (Spider-Man: Homecoming, 2017) y, más recientemente, con la cinta que nos atañe en esta reseña, Thor: Ragnarok. Más allá de algún que otro momento de humor que más o menos funciona o de alguna escena de acción medianamente vistosa, no pude superar el hastío general que me inspiró esta experiencia.

A pesar de la mala predisposición que he terminado desarrollando hacia las cintas de Marvel, confieso que entré a ver Thor: Ragnarok con un poco de esperanza, ya que la previa cinta del director Taika Waititi, Hunt for the Wilderpeople (2016), me gustó mucho. No obstante, la visión de este cineasta no logra imponerse lo suficiente en Thor: Ragnarok, ya que es obvio que los verdaderos dueños de estas películas son los ejecutivos de Marvel. Espero que este no haya sido más un mero proyecto mercenario para Waititi, y que, eventualmente, volverá a realizar cintas con una personalidad tan distintiva como la de Hunt for the Wilderpeople.

Mientras me aburría con Thor: Ragnarok, no pude evitar recordar la experiencia que disfruté a principios de este año con la brillante Logan (2017), la cual demostró que el cine de superhéroes puede alcanzar niveles de potencia dramática, profundidad narrativa e impacto visceral que la insulsa Thor: Ragnarok ni siquiera logra soñar con alcanzar. Sé que mucha gente disfruta estas películas de Marvel, y lo respeto por completo (a fin de cuentas, "de gustos, no hay nada escrito", como reza el refrán); sin embargo, yo siento que me quedo completamente afuera con estas cintas, así que, desde mi punto de vista, no puedo recomendarla.

Un Oso Rojo (2002)

Reseña: Un Oso Rojo es una película muy bien realizada, con excelentes actuaciones del elenco entero y contundentemente dirigida por Israel Adrián Caetano. Sin embargo, creo que el "talón de Aquiles" de esta cinta es el guión, el cual no es malo, pero resulta demasiado básico y predecible. El concepto de "delincuente que sale de la cárcel y va a participar en un nuevo robo para terminar de solucionar algunos asuntos" se ha visto demasiadas veces, y Un Oso Rojo no hace nada nuevo con él, haciendo que la experiencia transcurra exactamente como esperamos que lo haga.

Es una lástima que el guión no logre ser muy satisfactorio, porque todos los demás aspectos de la película me parecieron muy buenos. Caetano demuestra una mano firme detrás de las cámaras, manteniendo un ritmo fluido desde la primera escena que no deja el más mínimo lugar al aburrimiento. Las escenas de acción están filmadas de manera clara e impactante, y todos los actores hacen un perfecto trabajo en sus roles (Julio Chávez carga con la película sobre sus hombros, y lo hace muy bien, pero no sería justo ignorar el sólido apoyo que tiene por parte de todo el resto del elenco).

Ojalá esos atributos hubieran estado al servicio de un guión menos genérico y olvidable. De todas maneras, creo que ellos son los que hacen que Un Oso Rojo sea entretenida y gane una moderada recomendación. Dentro de la filmografía de Caetano, prefiero por mucho El Otro Hermano (2017), la cual ofrece algunas virtudes similares a las de Un Oso Rojo, pero contó con un guión mucho más sólido y mejor armado.

Better Watch Out (2016)

Reseña: Va a estar difícil escribir sobre Better Watch Out, porque realmente conviene saber lo menos posible sobre su ingeniosa historia antes de verla. Entonces, baste decir que lo que inicialmente parece que va a ser un típico relato de "invasión doméstica" eventualmente pega un giro inesperado que lleva al guión a un territorio más atrapante, inusual e impredecible. En otras palabras, durante el comienzo de la película, ni remotamente me imaginaba que las cosas iban a terminar yendo para el lado que lo terminaron haciendo.

El guión de Better Watch Out es indudablemente su principal "carta fuerte", aunque quizás se torna vagamente repetitivo en el último tramo de su segundo acto; afortunadamente, la experiencia se recompone rápidamente con un tercer acto que nos mantiene a la expectativa hasta el último segundo y cierra la historia de manera redonda y satisfactoria. Además, el director Chris Peckover muestra buena mano para manejar distintos tonos, combinando humor negro y brutalidad de manera orgánica, de manera que ambos factores se complementan y ninguno termina opacando al otro.

Los actores también son merecedores de mención, aunque prefiero no detallar nada sobre sus roles para preservar lo más posible las sorpresas que brinda la historia de esta película. Entonces, solo diré que Levi Miller y Olivia DeJonge enfrentan los personajes principales con absoluta credibilidad y versatilidad, y el resto del reducido elenco brinda un sólido soporte.

Entonces, aunque Better Watch Out no llegue a ser una gran película ni mucho menos, me pareció una entretenida experiencia que, partiendo de un concepto tan trillado como la "invasión doméstica", logró desarrollar un relato sorpresivo y bien armado que nos lleva por caminos que no estamos habituados a transitar en el género de terror. En pocas palabras, una película "chica", pero realizada con talento e inteligencia. Sería interesante ver qué podría hacer Peckover con un mayor presupuesto; creo que hay mucho potencial en este cineasta.

Marjorie Prime (2017)

Reseña: Marjorie Prime pertenece al tipo de película de ciencia ficción madura, pausada y reflexiva, enfocada en conversaciones que analizan aspectos tales como la humanidad, los recuerdos y el paso de los años (el punto central consiste en una anciana que convive con un holograma de su marido, quien falleció 15 años atrás). Empecé la reseña haciendo esa aclaración porque este es el tipo de cintas que requieren saber muy bien cuál es su propuesta antes de verlas, para, de esa manera, evitar decepciones o la creación de falsas expectativas.

Ahora, enfoquémonos en la película en particular. Marjorie Prime es una cinta que podría considerarse "estática" (además, hay que tener en cuenta que está basada en una obra de teatro), ya que transcurre en pocas locaciones, con un reducido número de personajes y la presencia de diálogos es casi constante. Aún así, el director Michael Almereyda demuestra un estilo visual que quizás no sea muy llamativo, pero que le brinda personalidad y una estética interesante a la experiencia, lo cual funciona como un buen contrapeso de la previamente mencionada "quietud". Aún así, algunos diálogos se extienden más de lo necesario, y, en consecuencia, la película termina sintiéndose ocasionalmente cansada. Pero por cada momento en el cual se empieza a sentir un poco de aburrimiento, surge algún nuevo interesante concepto o algún detalle que nos pone a pensar, así que, al menos, tenemos esa contrapartida.

Las actuaciones son sólidas (no podría evaluar realmente la de Jon Hamm, ya que, al interpretar a un holograma, su trabajo es intencionalmente rígido y carente de expresión), destacando a Lois Smith, interpretando nuevamente el rol que ya había interpretado en el teatro con una amplia capacidad expresiva; no hacen falta palabras para que el espectador pueda palpar el deterioro mental y físico que su personaje atraviesa.

En conclusión, Marjorie Prime es una película difícil, que demanda paciencia y entrega por parte del espectador. Yo no niego que me aburrí en algunas ocasiones, pero, por el otro lado, la firme dirección de Almereyda, las buenas actuaciones y el profundo guión, el cual incluye una gran cantidad de material para provocarnos y dejarnos pensando, hicieron que la experiencia valiera la pena en mi caso personal. Recomendada con las debidas reservas.

Trouble Every Day (2001)

Reseña: Trouble Every Day es una de esas películas a las cuales ninguna descripción puede hacerle justicia, ya que se trata de una experiencia tan particular, extraña y visceral que solo viéndola se pueden comprender sus múltiples atributos. Con mínimos diálogos, la directora Claire Denis crea una atmósfera tan opresiva y enrarecida que el espectador se siente inmediatamente sumergido en ella, por no mencionar incómodo e intranquilo desde el primer fotograma. Y la falta de explicaciones para lo que vemos hace más contundente la experiencia, al mismo tiempo que logra crear deliciosos enigmas en nuestros cerebros que perduran por mucho tiempo después de que la cinta termina.

Tranquilamente se podría decir que Trouble Every Day es una película de terror, pero me parece una categorización demasiado simplista, ya que la cinta ofrece algo tan raro e inusual que trasciende un simple encasillamiento en un determinado género. Además, nunca se siente como una película de terror tradicional, ya que si bien hay abundante sangre y escenas bastante grotescas y desagradables, todo se siente como parte de algo mundano; esa manera tan natural de capturar los horrores es justamente lo que hace que resulten sumamente eficaces e impactantes.

Además, no puedo dejar de mencionar a los actores. Todos hacen un buen trabajo (lo cual es doblemente loable en vista de los pocos diálogos con los que tuvieron que trabajar), pero quienes destacan son indudablemente Vincent Gallo y Béatrice Dalle; además de sus sólidas interpretaciones, ambos encajan tan bien en sus roles (principalmente por los rostros que tienen) que no puedo imaginarme a nadie más ocupando esos papeles.

No podría decir que realmente "disfruté" Trouble Every Day, ya que, como dije previamente, me sentí constantemente incómodo mientras la veía, pero no puedo negar que me pareció una película hipnótica y deliciosamente repulsiva, con abundante significado en su guión que tenemos que escarbar en la periferia de las escenas, en lugar de tenerlo servido en bandeja. Muchos espectadores indudablemente se quedarán afuera con esta cinta (sobre todo aquellas personas que son sensibles o fácilmente ofendidas), pero, en mi humilde opinión, se trata de una experiencia única, y eso me parece algo admirable dentro del género de terror, el cual se encuentra plagado de trilladas fórmulas y cansados refritos.

Mia Madre (2015)

Reseña: Una sinopsis de Mia Madre (una directora de cine debe lidiar con un complicado rodaje mientras su madre se encuentra gravemente enferma) podría hacer suponer que se trata de un dramón insoportablemente lacrimoso. Afortunadamente, en las talentosas manos del director Nanni Moretti, Mia Madre resulta ser completamente lo opuesto, brindándonos una experiencia profunda, satisfactoria y rebosante de humanidad, además de incluir agradables y graciosos momentos de humor que evitan que la película se torne solemne o deprimente.

Sin embargo, eso no significa que los momentos dramáticos carezcan de impacto o contundencia. Por el contrario, resultan sumamente eficaces y ocasionalmente conmovedores; son particularmente dignas de aplauso la delicadeza y buen gusto con los cuales Moretti maneja los momentos más duros del relato. Y los previamente mencionados momentos de humor (a cargo de John Turturro, quien brinda una perfecta interpretación como un actor de Hollywood que se incorpora al elenco de la cinta que está filmando el personaje principal) funcionan como un sólido contrapeso, al mismo tiempo que funcionan como sátira de la vanidad de algunas estrellas de cine.

Las actuaciones son otro punto fuerte de Mia Madre. Además de Turturro, Margherita Buy ofrece una excelente actuación en el rol principal; en cada escena, podemos percibir la angustia y desolación que siente en su interior. Giulia Lazzarini también brinda un brillante trabajo como la epónima madre, y Moretti mismo también brinda múltiples expresiones y matices como el hermano de la protagonista.

En resumen, Mia Madre podría haber sido una experiencia empalagosa y plagada de golpes bajos, pero, en lugar de eso, tenemos una película muy recomendable, que derrocha cálida y sobria sensibilidad, así como también honestidad emocional, en cada fotograma, dando como resultado una cinta que logra dejar un nudo en la garganta utilizando las mejores armas.

Good Bye Lenin! (2003)

Reseña: Good Bye Lenin! parte de una idea indudablemente interesante: una mujer alemana fanática del comunismo cae en coma antes de la caída del Muro de Berlín, y despierta después de ella, y para evitarle un disgusto, su hijo termina haciendo cualquier cosa para hacerle creer que el regimen del que ella era tan fanática sigue en pie. El problema es que dicha idea no logra despegar realmente, y no termina siendo más que eso: un concepto medianamente ingenioso, pero que, a fin de cuentas, nunca logra ser realmente ejecutado. En consecuencia, el resultado es que la película termina tornándose demasiado reiterativa, ya que termina siempre dando vueltas sobre lo mismo; y encima, la duración de dos horas también contribuye a hacerla un poco cansada ocasionalmente, sobre todo durante la segunda mitad.

Aún así, se pueden apreciar virtudes a lo largo del metraje de Good Bye Lenin! Para empezar, el guión contiene varios momentos de humor sutiles pero efectivos, y que funcionan como una acertada crítica contra el comunismo. El director Wolfgang Becker le brinda un estilo visual atractivo a la película, pero sin excederse en ello, mientras que las actuaciones del elenco entero son muy buenas.

En conclusión, Good Bye Lenin! ofrece aspectos positivos, pero la experiencia general me pareció repetitiva, demasiado larga y no del todo satisfactoria, además de que no logró aprovechar todo el potencial que ofrecía un concepto tan interesante. De todas maneras, supongo que esta cinta merece una tibia recomendación; en vista de la casi unánime aclamación que Good Bye Lenin! recibió, evidentemente estoy en la minoría, y quizás otros espectadores logren "conectar" con ella mejor de lo que yo pude.

Landline (2017)

Reseña: Landline toma como eje a una familia neoyorquina (compuesta por un matrimonio y sus dos hijas) para analizar una amplia gama de temas: los principlaes son los lazos familiares, las relaciones amorosas y los engaños. Es un relato fuertemente humano, con el que cualquiera puede encontrar algo con lo cual identificarse, además de contar con agradecidos toques de humor que evitan la solemnidad.

Por el lado negativo, la primera mitad de Landline toma un poco más de lo necesario en cobrar fuerza, ya que hay algunos momentos innecesarios o redundantes que frenan un poco el impulso narrativo. Afortunadamente, esa falla luego se va corrigiendo, y la cinta logra encontrar su camino hasta desembocar en un final satisfactorio, aunque con un cierto toque de amargura para recordarnos que la vida no siempre logra ofrecer felicidad en un 100%. Las actuaciones son sólidas, destacando a Abby Quinn, quien resulta una revelación como la hija menor de la familia, y a John Turturro, quien logra expresar los sentimientos contradictorios de su personaje de manera creíble.

En conclusión, Landline no es una película muy memorable, y le hubiera venido bien una edición ligeramente más ajustada durante su primera mitad. Pero, aún así, me pareció un competente drama que combina profundidad, válidas reflexiones y buen sentido del humor. Además, como la cinta transcurre en 1995, termina presentando un agradable reflejo de cómo eran las cosas en aquella era pre-tecnológica. Resumiendo: recomendada con moderado entusiasmo, pero con confianza de que varios espectadores encontrarán algo en ella con lo cual "conectarse".

Abajo el Amor (Down with Love, 2003)

Reseña: Abajo el Amor es un buen ejemplo de una película "feel good": una cinta que cumple con el objetivo hacernos pasar un rato agradable, gracioso y "liviano", con una simpática sensibilidad "naif" y sin exigirnos que usemos el cerebro. No es una experiencia memorable a largo plazo, pero indudablemente se disfruta mientras uno la está viendo.

Abajo el Amor está ambientada en el año 1962, y es simultáneamente un tributo y una afectuosa parodia de aquellas comedias románticas que solían protagonizar actores como Marilyn Monroe, Doris Day, Rock Hudson o Tony Randall (quien tiene una pequeña participación en esta cinta) por fines de los '50 y principios de los '60. El director Peyton Reed logró capturar ese estilo de manera bastante acertada en Abajo el Amor, y lo mejor que puedo decir es que realmente se siente como una cinta realizada en aquella época. Además, el elenco entero hace un buen trabajo; Renée Zellweger y Ewan McGregor conforman una sólida pareja protagónica, aunque, en mi humilde opinión, David Hyde Pierce se roba la película como el mejor amigo del personaje de McGregor.

A fin de cuentas, Abajo el Amor es una película tan fácil de ver como de olvidar. Me entretuve y me reí mientras la veía, pero una vez que terminó, ya se estaba fundiendo en mi memoria. De todas maneras, la considero merecedora de una mediana recomendación, simplemente porque la pasé bien, además de que respeto la valentía de haber realizado una película con un estilo tan "inocente" en pleno siglo XXI.

Un Bello Sol Interior (Un Beau Soleil Intérieur, 2017)

Reseña: Como he mencionado en otras ocasiones, Claire Denis me parece una cineasta muy interesante por su versatilidad y su particular estilo, el cual siempre encuentro sugerente e inmersivo. En Un Bello Sol Interior, Denis demuestra nuevamente su afinidad por hacer algo que no se parezca a ninguna otra cosa que ya haya hecho, pero, por el otro lado, resultó ser la primera película de su filmografía (al menos de lo que he visto de ella) que no me dejó del todo satisfecho.

Eso no significa que la cinta sea mala. Por el contrario, la dirección de Denis se siente tan fluida y atractiva como siempre, con un cierto tono que podría describirse como onírico hasta cierto punto tiñiendo cada uno de los fotogramas. Además, ayuda mucho contar en el rol principal con un actriz tan talentosa y carismática como Juliette Binoche. Sin embargo, creo que el guión fue lo que falló, ya que divaga de acá para allá constantemente sin nunca encontrar un foco o al menos un eje en cual rondar. Por el contrario, el guión se siente arbitrario, y, a pesar del buen trabajo de Binoche, el personaje principal no me pareció particularmente interesante: supuestamente está buscando un amor verdadero a lo largo de todo el metraje, pero nunca logré comprender realmente por qué siente tanta angustia adentro suyo, justamente porque el guión nunca nos permite conocerla a fondo.

En fin, supongo que esto fue tan solo un traspié para Denis (al menos desde mi punto de vista), y confío en que volverá a hacer cintas más atrapantes. Pero en lo que respecta a Un Bello Sol Interior, me encontré con una cinta bien actuada y bien dirigida, pero cuyo flojo guión termina amargando la experiencia, y me impide darle una recomendación.

Un Día en Familia (Aruitemo Aruitemo, 2008)

Reseña: Por un lado, lo que más me gustó de Un Día en Familia es su tono plácido y sereno, que evita todo tipo de aspavientos y deja que el guión avance de manera relajada. Desafortunadamente, la parsimonia de Un Día en Familia se traduce ocasionalmente en un cierto aburrimiento, ya que, como espectador, no logré percibir grandes avances en el relato o los personajes, por lo que el pausado ritmo no se termina sintiendo del todo justificado, y termina jugándole en contra por momentos a un guión que ya de por sí se siente un poco vacío y carente de impulso.

Enfocándose en una reunión familiar para conmemorar la muerte del hijo mayor de un matrimonio de ancianos, Un Día en Familia no ofrece mucha introspección en los personajes ni la profundidad suficiente como para ser genuinamente satisfactoria. Además, me molestó la presencia de algunos clichés que ya se han visto en demasiadas ocasiones (dos ejemplos: el padre que parece un antipático gruñón, pero oculta una cálida humanidad por debajo de su adusta forma de ser; el hijo enfrascado en un trabajo mediocre y que no logra avanzar mucho en la vida). Por el lado positivo, los actores hacen un buen trabajo, y hay algunos momentos sutiles pero emotivos que compensaron hasta cierto punto el ocasional cansancio que me produjo la experiencia.

Este año, he visto muchas películas sobre relaciones familiares, y creo que de todas, Un Día en Familia es la que menos me gustó, ya que no ofrece el apropiado humor de Los Meyerowitz (The Meyerowitz Stories -New and Selected-, 2017), las múltiples connotaciones y capas de Las Horas del Verano (L'heure d'été, 2008), el inusual estilo de El Primer Día del Resto de Nuestras Vidas (Un Conte de Noël, 2008) ni la inmersiva atmósfera de Sieranevada (2016). Entonces, creo que cualquiera de esas películas (también agregaría Después de la Tormenta -Umi Yori mo Mada Fukaku, 2016-, del mismo director y guionista de esta cinta -Hirokazu Koreeda-, la cual examinó algunos temas similares de manera más satisfactoria) son mejores opciones que Un Día en Familia, aunque esta ofrece algunos atributos que evitan que sea una pérdida de tiempo, y la hacen merecedora de una tibia recomendación de mi parte.

Los Meyerowitz: La Familia no se Elige -Historias Nuevas y Selectas- (The Meyerowitz Stories -New and Selected-, 2017)

Reseña: Por lo general, las comedias dramáticas marcan de manera muy evidente; en otras palabras, por un lado, tenemos los momentos humorísticos, y por el otro, los dramáticos. Pero eso no ocurre en Los Meyerowitz (de aquí en adelante, me referiré a este película mediante la versión "corta" de su título), ya que, en esta ocasión, el director y guionista Noah Baumbach permite que coexistan al mismo tiempo, por lo que los momentos serios están teñidos de un sentido del humor muy gracioso y atinado, y viceversa. Me parece muy loable que Baumbach haya logrado eso, porque logra capturar un poco cómo es la vida, ya que, a veces, encontramos humor en los momentos más duros.

Los Meyerowitz retrata a una familia muy excéntrica: dos hermanos y un hermanastro se reúnen en Nueva York para asistir a una ceremonia donde se rendirá tributo a su padre, quien es un artista plástico. Los personajes están tan bien escritos que el espectador termina percibiéndolos como viejos conocidos, y el elenco entero les hace justicia con su brillante trabajo. Dustin Hoffman como el padre, Ben Stiller como el único hijo de su primer matrimonio, Adam Sandler (quien realmente me sorprendió en esta ocasión, ya que siempre sentí una cierta antipatía hacia este actor) y Elizabeth Marvel como los otros hijos, Emma Thompson como la más reciente esposa del artista... todos encajan a la perfección en sus roles, y es un placer verlos interactuar entre ellos (lo que más me gustó fue la rivalidad entre los personajes de Stiller y Sandler).

En resumen, Los Meyerowitz es una excelente película que me hizo reír bastante, me pareció emotiva en algunas ocasiones y también incluye material para dejarnos pensando, además de permitirnos conocer a personajes tan agradables que uno se queda con ganas de pasar más tiempo con ellos. Muy recomendable, sobre todo para aquellos que busquen entretenimiento inteligente.

Once Upon a Time in Anatolia (Bir Zamanlar Anadolu'da, 2011)

Reseña: Creo que Once Upon a Time in Anatolia (por cuestiones prácticas, me referiré a esta cinta turca mediante su título en inglés) ofrece elementos interesantes, pero, en mi humilde opinión, también es un cabal ejemplo de una película auto-indulgente: con una injustificada duración de poco más de dos horas y media, la experiencia ofrece demasiadas escenas que parecen extenderse hasta el infinito sin razón, así como también hay momentos que no aportan absolutamente nada al relato, porque parecería que el director Nuri Bilge Ceylan estaba tan enamorado de su propia película que ni quiso dejar ni un segundo de ella afuera, y eso terminó perjudicando el flujo de la cinta.

De todas maneras, es innegable que Once Upon a Time in Anatolia ofrece varias virtudes para ofrecer, como, por ejemplo, su extraordinaria cinematografía, que retrata la campiña turca de manera sumamente detallada e inmersiva. En lo que respecta al guión, hay ciertos elementos indudablemente intrigantes y poderosos, y Ceylan les hace justicia con elocuentes ideas visuales. Son esos elementos los que me ayudaron a contrarrestar el ocasional tedio que me produjo esta película, y los que, a fin de cuentas, hicieran que Once Upon a Time in Anatolia valieran la pena.

Con una edición más juiciosa (creo que tranquilamente se podrían haber extirpado cuarenta minutos de la duración), Once Upon a Time in Anatolia quizás me hubiera parecido una gran película. Pero, en su estado actual, tenemos una cinta que resulta interesante solo de a ratos, ya que, en otros ratos, resulta aburrida y frustrante con sus demasiadas escenas que se extienden más allá de lo racional, o que simplemente resultan vacías de contenido. De todas maneras, como dije previamente, sus atributos me ayudaron a sobrellevarla, por lo que me inclino a recomendarle con sus mencionadas reservas, aunque con la advertencia de que esta es una experiencia difícil que seguramente dejará afuera a muchos espectadores de manera inmediata.

Brawl in Cell Block 99 (2017)

Reseña: El director y guionista S. Craig Zahler me había dejado una buena impresión con su ópera prima, Bone Tomahawk (2015), un western en el cual demostró su habilidad para cocinar un relato "a fuego lento" para luego desembocar en un desenlace explosivo y satisfactorio. Por eso, tenía buenas expectativas para su segundo largometraje, Brawl in Cell Block 99, y aunque resultó una cinta completamente diferente a su debut, Zahler logró confirmar su talento.

Tal como hizo en Bone Tomahawk, Zahler se toma su tiempo para desarrollar el relato de Brawl in Cell Block 99, aunque sin por ello permitir que la trama se estanque ni se torne redundante. Esa tranquilidad para desarrollar las situaciones quizás moleste a algunos espectadores, pero a mí me pareció muy apropiada, ya que se nos permite ir saboreando el guión de a poco, y al mismo tiempo, sirve para que nos compenetremos más profundamente con el personaje central, y nos terminemos identificando con la abrumadora situación ante la cual se enfrenta. De manera casi inmediata, yo pude establecer un vínculo con el protagonista, ya que, al quedarse sin trabajo y estar enfrascado en una vida sin muchos prospectos futuros, encuentra una posible salida en una actividad que no es legal (repartir droga), pero que quizás lo ayude a salir de ese pozo en el cual se encuentra (sobra decir que las consecuencias de esa decisión no terminan siendo para nada buenas. Además, Vince Vaughn me sorprendió con la excelente actuación que brinda en ese rol, demostrando una capacidad para transmitir la turbulencia interna de su personaje de la cual no lo creía capaz.

Las escenas de acción están bastante bien filmadas, con un estilo crudo y seco que las hace ver sumamente realistas; por el otro lado, algunos efectos "gore" hacen demasiado evidente el bajo presupuesto de la cinta, pero afortunadamente, no tenemos muchos de ellos, ya que Zahler se inclina más a realizar las escenas de manera más "artesanal". Siguiendo con mis quejas, debo decir que esperaba algo un poco más impactante para el desenlace de Brawl in Cell Block 99. No me malinterpreten: el tercer acto me dejó satisfecho, pero creo que la cinta prometía algo más "serio" previamente, en lugar del territorio algo ridículo en el cual el guión se termina metiendo.

De todas maneras, Brawl in Cell Block 99 me pareció una experiencia muy entretenida, y logró mantenerme atrapado desde su primera escena hasta la última. A decir verdad, creo que Bone Tomahawk me pareció un poco más redonda como experiencia general, pero Zahler logró confirmar que es un cineasta a seguir, y ojalá siga realizando proyectos tan intensos, inusuales y viscerales como las dos películas que ha realizado hasta el momento.

Kapringen (2012)

Reseña: Kapringen cuenta la historia de la tripulación de un barco danés que es tomada de rehén por piratas somalíes, y las negociaciones de la empresa dueña de la nave para rescatarlos. Parece la trama de un thriller apasionante, pero desafortunadamente, esta cinta resultó fría, distante y hasta ocasionalmente un poco aburrida.

Por un lado, respeto que el director y guionista Tobias Lindholm haya decidido hacer algo completamente diferente a lo que podría haber sido algún genérico thriller hollywoodense. Pero por el otro lado, creo que lo podría haber hecho de manera un poco más atrapante o emocionante. El principal defecto que encontré en Kapringen es que me pareció demasiado redundante; básicamente terminamos viendo todo el tiempo lo mismo: la tripulación sometida a los piratas somalíes, y un grupo de personas en tierra firme negociando por teléfono las cifras de dinero para el rescate. Además, no logré crear empatía con ninguno de los personajes; la cinta no se ocupa de desarrollarlos a fondo, ni de aunque sea brindarles alguna característica particularmente distintiva, por lo que su eventual destino me resultaba indiferente.

Sin embargo, ninguna de esas quejas significa que Kapringen sea una mala película. Por el contrario, se nota que es una producción muy cuidada, además de que los actores hacen un buen trabajo a pesar de lo huecos que se sienten sus personajes. En fin, me cuesta recomendar Kapringen con particular entusiasmo, principalmente porque no me hizo sentir nada mientras la veía, por no mencionar que me cansó un poco en algunas ocasiones.

T2 Trainspotting (2017)

Reseña: No soy particularmente fan de Trainspotting (1996); me gustó, pero no me parece nada tan extraordinario como a la mayoría de las personas. Entonces, empecé a ver su secuela sin esperar mucho. Para mi sorpresa, terminé disfrutando T2 Trainspotting más de lo que esperaba. No me pareció una cinta excelente ni mucho menos, pero me pareció divertida, simpática y con un sólido contenido emocional que le brinda una adecuada profundidad a la experiencia.

Lo primero que hay que destacar en T2 Trainspotting es la dinámica y vistosa dirección de Danny Boyle, la cual derrocha estilo en cada escena, aunque no por ello descuida el flujo natural del relato. Boyle es uno de esos cineastas que nunca dejan que el estilo ahogue la sustancia, y esta película es la más reciente demostración de ello. Por su parte, el guión re-introduce a los personajes de manera eficiente, y los involucra en situaciones interesantes, y es innegable lo seguros que Ewan McGregor, Jonny Lee Miller, Ewen Bremner y Robert Carlyle se sienten en esos roles.

Por el lado negativo, creo que T2 Trainspotting se extiende un poco más de lo necesario; nunca se torna aburrida, pero hay algunos momentos en la parte media que se podrían haber extirpado, ya que no contribuyen mucho al relato. Y ya que me estoy quejando, mencionaré que algunos detalles del guión se sienten demasiado convenientes. Pero, bueno, por lo demás, debo decir que T2 Trainspotting me entretuvo bastante, e incluso me dejó con ganas de ver otra secuela para poder reencontrarme con estos simpáticos personajes. Solo espero que no dejen pasar otros 21 años para hacerla...

Bella Tarea (Beau Travail, 1999)

Reseña: Creo que, a grandes rasgos, hay dos tipos de películas. Por un lado, tenemos aquellas que toman un enfoque principalmente narrativo; en otras palabras, se dedican a desarrollar una historia a lo largo de su metraje. Por el otro lado, tenemos cintas que no cuentan una historia propiamente dicha, sino que se enfocan en generar sensaciones y climas, por lo que es un poco más difícil describirlas, ya que son experiencias que cada espectador debe vivir personalmente para saber realmente lo que la película propone. Bella Tarea pertenece al segundo grupo, y aunque decepcionará a aquellos espectadores que busquen un relato en el cual "pasen cosas", yo me dejé llevar por su inusual propuesta, y me terminé sumergiendo inmediatamente en su relajado tono y el sutil estilo empleado por la directora Claire Denis.

Enfocándose en la experiencia que viven un grupo de legionarios franceses en el territorio africano de Djibouti, Denis logró hacerme partícipe cercano de todo lo que ellos viven. Esta es una película que tiene relativamente pocos diálogos, pero aún así, podemos sentir el agobiante calor, el arduo entrenamiento y la tensión latente gracias al económico pero efectivo lenguaje visual de la cineasta, el cual transmite mucho por debajo de su aparente sencillez. Y debo decir que el final me pareció perfecto, ya que logra ser auténticamente catártico y le brinda un muy satisfactorio cierre a la experiencia.

Denis es una directora que me llama cada vez más la atención, ya que las películas que he visto de ella hasta el momento son absolutamente diferentes entre sí, desde el drama intimista 35 Rhums (2008) hasta el sórdido thriller "neo-noir" Les Salauds (2013), sin olvidar el poderoso relato con tintes bélicos de White Material (2009). Con Bella Tarea, logré confirmar una vez más el talento y versatilidad de esta cineasta, y su hábil mano para sugerir y trabajar con los subtextos de cada escena. Entonces, creo que aquellos espectadores en busca de una experiencia distinta serán gratamente recompensados con Bella Tarea.

The Little Hours (2017)

Reseña: Aunque los católicos más ortodoxos seguramente la encontrarán ofensiva, The Little Hours me pareció una irreverente y divertida comedia que logra hacer algunos atinados comentarios sobre la religión, y aunque la cinta se desarrolla en el año 1347, podemos darnos cuenta de que, en ese aspecto, algunas cosas no han cambiado en lo más mínimo.

Pero, bueno, más allá de todos esas reflexiones religiosas que inspira el guión, no hay que olvidar que The Little Hours es principalmente una comedia, e indudablemente logró satisfacerme como cinta perteneciente a ese género, ya que me hizo reír con frecuencia, además de haberme despertado algunas carcajadas. Sin embargo, esta no es una de esas películas que están desesperadas por hacernos reír, y tiran un gag atrás de otro sin ton ni son; por el contrario, las risas están bien distribuidas, y se van integrando naturalmente al flujo del relato.

Creo que uno de los principales puntos fuertes de The Little Hours es el elenco. Desde Dave Franco como el sirviente que huyó su maestro y busca refugio en el convento hasta Alison Brie, Kate Micucci y Aubrey Plaza como las reprimidas monjas que necesitan sexo urgentemente, sin olvidar las intervenciones en roles secundarios de actores como Fred Armisen, Nick Offerman y Jemima Kirke, todos los intérpretes encajan a la perfección en sus personajes, y resultan tan creíbles como graciosos. Pero estoy guardando lo mejor para el final: el genial John C. Reilly se roba la película como el Padre Tommasso, y él fue quien me produjo todas las carcajadas mencionadas anteriormente. Reilly es uno de esos actores que siempre logran elevar cualquier película en la que participan, y siempre es un placer verlo en escena (ah, y como dato adicional, ha participado en tres de mis películas favoritas: La Delgada Línea Roja -The Thin Red Line, 1998-, Magnolia -1999- y Guardianes de la Galaxia -Guardians of the Galaxy, 2014-).

A fin de cuentas, The Little Hours no es una experiencia muy memorable ni particularmente notable, pero me hizo pasar un buen rato mientras la veía, y la recomiendo como una competente comedia realizada con más inteligencia de la que solemos encontrar en este género. Ahora, solo queda esperar que el director Jeff Baena decida realizar un "spin-off" protagonizado por el Padre Tommasso.

Blade Runner 2049 (2017)

Reseña: Vi la original Blade Runner (1982) hace varios años y no recuerdo prácticamente nada de ella, por lo que fui a ver su tardía secuela Blade Runner 2049 con expectativas neutras, aunque la presencia del director Denis Villeneuve me inspiraba un poco de confianza, ya que me gustaron algunas de sus películas previas (Incendies -2010-, La Llegada -Arrival, 2016-). Sin embargo, me terminé llevando una muy grata sorpresa con Blade Runner 2049, ya que logré encontrarme con una buena combinación de estilo y sustancia: además de ser un sublime espectáculo visual y auditivo (si quieren ver esta cinta, es indispensable hacerlo en un cine), ofrece un fascinante guión con múltiples capas y niveles que le brindan una rica profundidad a la experiencia.

Los que hayan visto la película original sabrán más o menos el perfil de lo que ofrece Blade Runner 2049, pero, por si acaso, debo hacer una advertencia para espectadores que vayan más desprevenidos: quienes esperen encontrarse con una experiencia de acción futurista se llevarán un gran chasco con esta película. Por el contrario, Blade Runner 2049 es ciencia ficción pausada y cerebral, y es una auténtica representante de ese género ya que reflexiona sobre cuestiones tales como la humanidad y la existencia a través de un lente fantástico. Como he dicho en otras ocasiones, no me gusta mucho revelar las tramas de las cintas cuando escribo estas reseñas, pero en el caso de Blade Runner 2049, me pongo más enfático, y les recomiendo ir a verla sin saber nada sobre su historia, ya que, de esa manera, se pueden ir "saboreando" poco a poco las revelaciones del relato. Y cuando finalmente llegamos a la acción durante el último tramo, resulta muy satisfactoria, no solo por ser emocionante y estar muy bien filmada, sino porque funciona como un perfecto remate de todo lo que vimos anteriormente, además de servir un genuino propósito narrativo, en lugar de estar injertadas a la fuerza (lo cual es un error común en muchas superproducciones hollywoodenses)

Como ya mencioné en el primer párrafo, los aspectos técnicos de Blade Runner 2049 son extraordinarios, desde la majestuosa cinematografía de Roger Deakins hasta la potente banda sonora, sin olvidar el detallado diseño de producción y la inmersiva atmósfera conjurada por Villeneuve, quien además conduce la experiencia con un ritmo pausado pero jamás aburrido y logra brindarle a toda la película un aire genuinamente épico. Las actuaciones también son buenas, destacando a Ryan Gosling en el rol principal y Ana de Armas, quien fue una auténtica revelación en un personaje del que no conviene adelantar nada, aunque resulta conmovedor y plagado de matices gracias al estupendo trabajo de la actriz.

Cuando salí de ver Blade Runner 2049, ya quería verla de nuevo, porque hay tanto material por escarbar en el guión, y el impacto inicial fue tan abrumador, que harán falta repetidas visitas para terminar de asimilar todo lo que tiene para ofrecernos en el aspecto narrativo (además de poder disfrutar nuevamente los increíbles logros técnicos). Esto también lo he mencionado en otras reseñas, pero los buenos relatos son aquellos que logran funcionar en múltiples niveles, y Blade Runner 2049 no solo es ciencia ficción profunda y fascinante, sino que también es un intenso drama, así como también hay lugar para una historia de amor tan inusual como emotiva. En resumen, muchos espectadores quizás no logren "conectar" del todo con Blade Runner 2049, pero a mi me pareció una gran película, y una muestra definitiva de que un gran espectáculo tranquilamente puede coexistir con grandes ideas.

La Mujer sin Cabeza (2008)

Reseña: Sería casi imposible resumir a La Mujer sin Cabeza en una sinopsis convencional, ya que es una película que está tan abierta a la intepretación que cada espectador le brindará un significado diferente según su punto de vista. Sin embargo, eso no significa que el guión de La Mujer sin Cabeza sea arbitrario ni mucho menos; por el contrario, nada está librado al azar, y es la cinta la que nos provee las herramientas para que podamos brindarle múltiples interpretaciones. El hecho de que una película confíe tanto en la audiencia y le haga pensar me parece digno de admiración, más allá de las apreciaciones subjetivas que cada uno pueda tener sobre La Mujer sin Cabeza.

Al igual que logró en La Ciénaga (2001), la directora Lucrecia Martel creó una atmósfera muy envolvente en esta cinta, logrando impregnar cada escena (incluso los momentos más mundanos) de un subtexto enrarecido y hasta macabro, lo cual le brinda a la experiencia una textura similar a la de una pesadilla (de hecho, incluso me atrevería a decir que tanto La Ciénaga como La Mujer sin Cabeza son esencialmente películas de terror, aunque estén camufladas de otra cosa en su superficie). Además, la actuación de María Onetto en el rol principal es digna de aplauso, ya que no necesita muchas palabras para transmitir la vorágine psicológica que atraviesa su personaje.

Entonces, La Mujer sin Cabeza no es una película fácil, e indudablemente requiere una especial entrega por parte del espectador; pero quien acepte el reto será recompensado con una experiencia muy interesante que nos exige pensar e ir armando el rompecabezas que nos propone el guión adentro de nuestras mentes.

Aferim! (2015)

Reseña: A principios de este año, me llevé una de las sorpresas más agradables en mi vida como cinéfilo con la película Toata Lumea din Familia Noastră (2012). No sabía absolutamente nada de su trama, ni conocía a su director ni a ninguno de sus actores, pero me terminé encontrando con una genuina obra maestra, ya que, partiendo de una premisa sencilla, logró desarrollar un guión fascinante, por no mencionar la asombrosa tensión y prodigioso dominio del lenguaje cinematográfico que logró el director Radu Jude.

Así como mis expectativas eran nulas antes de ver Toata Lumea din Familia Noastră, eran muy elevadas antes de ver Aferim!, la película que Jude realizó posteriormente, debido a la maravillosa experiencia que tuve con su proyecto anterior. Y aunque Aferim! no haya alcanzado el excelso nivel de Toata Lumea din Familia Noastră (y ya que las estoy comparando, tampoco es tan accesible como aquella), logré confirmar que Jude es un director talentoso, además de que pude reconocer su versatilidad como cineasta, ya que esta película no tiene absolutamente nada que ver con aquella.

Filmada en una atractiva cinematografía en blanco y negro que nos transporta al período en el cual se desarrolla (1835), Aferim! desarrolla la historia de un alguacil y su hijo buscando a un gitano que le robó al hombre que lo tenía como esclavo con un un ritmo bastante pausado (algo diametralmente opuesto a la constante adrenalina que transmitía Toata Lumea din Familia Noastră). Debo confesar que ese ritmo me aburrió un poco al principio, pero eventualmente la narrativa se va adaptando a él, y terminé interesado por los personajes, el negro sentido del humor y los atinados comentarios sobre la sociedad de aquella época, demostrando que algunas cosas no han cambiado mucho en la actualidad. Pero lo mejor llega al final, cuando tenemos un momento impactante que le da un cierre intenso y contundente a la experiencia.

Hace falta tener un poco de paciencia con Aferim! (sobre todo al principio), pero el resultado final indudablemente la recompensa, ofreciéndonos una cinta inusual con una atmósfera inmersiva y una historia con varias capas. En otras palabras, esta es una de esas películas que se aprecian completamente cuando uno termina de verlas, por lo que el todo termina siendo más que la suma de sus partes. Resumiendo, no es una película con la que todos los espectadores lograrán "conectar", pero a mí me dejó satisfecho. Y, en un plano personal, me sirvió como confirmación de que Jude definitivamente es un director a seguir.

A Ghost Story (2017)

Reseña: Generalmente encuentro hipnóticas las películas con pocos diálogos, porque suelen ser las que más confían en el poder de las imágenes para contar un relato. A Ghost Story es una de esas cintas, y aunque definitivamente no será para todos los gustos, yo la encontré atrapante por su relajado ritmo, enrarecido y enigmático tono y su engañosamente simple guión.

Aunque quizás no lo parezca en un nivel superficial, A Ghost Story es una película increíblemente ambiciosa, que examina temas tan amplios como la vida, la muerte y la existencia. Entonces, aunque algunos espectadores quizás sientan que no pasa nada en esta cinta, en realidad solo están viendo el envoltorio del paquete, y no lo que este contiene. Es cierto que A Ghost Story no ofrece respuestas concretas a muchas de las cosas que plantea, pero eso la hace aún más interesante, porque además de fortalecer la extraña sensación que transmite cada fotograma, nos permite completar la experiencia en nuestra cabeza, lo cual es un agradable respiro en esta época en la que muchas películas toman de idiota a la audiencia, y tienen que explicarle todo una y otra vez hasta el hartazgo (como esa bazofia titulada Perfectos Desconocidos -Perfetti Sconosciuti, 2016-, por poner un ejemplo que vi recientemente).

No hay ninguna descripción ni encasillamiento en un género que pueda hacer justicia a A Ghost Story. Esta cinta es una experiencia, y como tal, hay que vivirla para realmente comprender lo que tiene para ofrecer al espectador. A Ghost Story puede gustar o no, pero definitivamente es una experiencia única y anómala, y creo que eso la hace merecedora de una recomendación para aquellos cinéfilos en busca de algo distinto.

Buongiorno, Notte (2003)

Reseña: Buongiorno, Notte toma como punto de partida el secuestro de Aldo Moro (quien fue presidente de Italia) por parte de las Brigadas Rojas allá por 1978. Pero, como podemos esperar viniendo de un cineasta tan talentoso como Marco Bellocchio, la cinta no se queda en ser una mera crónica de eventos reales; por el contrario, el enfoque de la película me pareció muy interesante, ya que Bellocchio logra impregnar a la experiencia de un aire onírico y hasta poético que la hace atrapante y diferente a lo que podríamos esperar en alguna genérica cinta basada en una historia real. Y al mismo tiempo, Buongiorno, Notte logra ser un fascinante thriller político que logra entretener e ilustrarnos sobre un período en la historia italiana de una manera fluida que evita quedarse en un plano simplemente didáctico.

También me gustó la ambigüedad moral con la cual los secuestradores de Moro están retratados. En lugar de mostrarlos como unos villanos, los co-guionistas Bellocchio y Daniela Ceselli nunca los juzgan y los muestran como auténticos seres humanos que ocasionalmente tienen dudas sobre lo que están haciendo. En cuanto a los actores, todos hacen un buen trabajo, destacando a Maya Sansa y Roberto Herlitzka.

Si tuviera alguna queja contra esta cinta es que me perdí algunos detalles de la trama; quizás eso no les ocurra a los nativos italianos que la vean, pero los espectadores de otras partes del mundo quizás se sientan un poco perdidos con algunos pequeños elementos de la historia. Por lo demás, recomiendo Buongiorno, Notte como un apasionante thriller y también como una interesante lección de historia. Además, me sirvió para confirmar una vez más que Bellocchio es un director con un estilo único y distintivo, quien siempre sabe cómo adaptar cada proyecto a su visión.

El Empleo del Tiempo (L'Emploi du Temps, 2001)

Reseña: Tenía altas expectativas antes de ver El Empleo del Tiempo, porque la única película que había visto del director Laurent Cantet fue Recursos Humanos (Ressources Humaines, 1999), en la cual desarrolló un drama complejo, emotivo y fascinante en torno a una temática relevante (el trabajo). Y si bien El Empleo del Tiempo no me gustó tanto como Recursos Humanos, también logró demostrar la capacidad de Cantet para realizar cine social simultáneamente entretenido y profundo.

Así como Recursos Humanos se enfocaba en el trabajo, se podría decir que El Empleo del Tiempo es su cara opuesta en ese sentido, ya que su personaje central es un hombre que no trabaja ni quiere trabajar, lo cual lo lleva a engañar a su familia haciéndole creer que tiene un empleo. Ese me pareció uno de los puntos más interesantes de la cinta, ya que hace que el personaje no sea completamente bueno ni malo; ciertamente hace algunas cosas inaceptables, pero, por el otro lado, sus ganas de no hacer nada terminan siendo más fuertes, y le generan un dilema contra el cual debe combatir constantemente. Además, ayuda mucho la excelente actuación de Aurélien Recoing en ese rol, porque no necesita palabras para expresar y transmitir todo eso.

Cantet desarrolla un ritmo relajado, pero nunca aburrido en El Empleo del Tiempo, permitiéndonos ir saboreando poco a poco la situación en la cual el protagonista se encuentra, hasta desembocar en un perfecto final, el cual resulta muy elocuente y satisfactorio por su sutileza y todas las capas que ofrece. Entonces, aunque Recursos Humanos me haya gustado más, El Empleo del Tiempo es una película muy interesante, al mismo tiempo que pude confirmar el talento y precisa visión de Cantet.