Illegitimate (Ilegitim, 2016)

Reseña: Al retratar una relación incestuosa entre dos hermanos, la cinta Ilegitimate definitivamente se estaba metiendo en terreno difícil y arriesgado. Afortunadamente, la película no cae en el regodeo morboso de otras con tema "provocativo", y se limita a pintar ese cuadro con austeridad y dejando que los hechos hablen por sí solos. Por el lado negativo, el guión no me pareció muy satisfactorio.

La sensación que me dejó Ilegitimate es la de un concepto que no logra genuinamente materializarse. En otras palabras, la película toma una idea (el incesto) y no desarrolla una línea narrativa en base a ella, sino que da vueltas una y otra vez sobre ese punto sin ganar impulso, hasta llegar a un final tan abrupto que parece forzadamente truncado. Ese es un problema común en varias cintas: tomar un concepto, pero luego no saber qué hacer con él y no llevarlo a una narrativa sólida y compacta.

Aún así, como es costumbre en el cine rumano, las actuaciones de Ilegitimate son extraordinarias. Todos los intérpretes se sientes tan naturales que es fácil aceptarlos como auténticos seres humanos desde el primer segundo que aparecen en escena. El director Adrian Sitaru también contribuye a la naturalidad de la película, tiñiendo cada cuadro de un creíble realismo que nos hace íntimos partícipes de lo que sucede en cada escena.

Generalmente me gustan mucho las películas rumanas, pero, lamentablemente, Ilegitimate está entre lo menos logrado que he visto de esa nacionalidad. Eso no significa que sea mala, pero, en esta ocasión, el guión quedó muy por debajo del brillante trabajo de los actores y del director. A pesar sus atributos, la trama me pareció poco satisfactoria por lo que me cuesta expresar particular entusiasmo por Ilegitim, y no puedo recomendarla.

El Casamiento de Raquel (Rachel Getting Married, 2008)

Reseña: El Casamiento de Raquel (horrible decisión la de "españolizar" el nombre del personaje del título) muestra las disfuncionalidades y rencores que hay entre una familia tomando como eje el casamiento de la hermana de la protagonista. Lo que más llama la atención de El Casamiento de Raquel es el estilo semi-documental con el que retrata la boda y sus preparativos, haciéndonos íntimos partícipes de todo eso, y creando un palpable sentido de realidad que se ve realzado por la cinematografía en video digital.

Por el lado negativo, el guión de El Casamiento de Raquel ocasionalmente genera drama de manera forzada (un buen ejemplo es la escena de la peluquería), mientras que las constantes peleas entre los personajes terminan volviéndose algo repetitivas, y podrían haberse acortado un poco, ya que hacen que la cinta se extienda más de lo necesario y canse en más de una ocasión. Creo que una edición más ajustada le hubiera venido bien a la experiencia, así como también algunas pulidas al guión para que algunas situaciones se sientan más naturales y menos artificiales.

Por el lado positivo, las actuaciones de El Casamiento de Raquel son muy buenas, destacando a Anne Hathaway en el rol principal, interpretando a una drogadicta en rehabilitación que se reencuentra con su familia para la boda de su hermana con absoluta credibilidad, transmitiendo sin palabras el genuino amor que siente por sus seres cercanos a pesar de sus errores en el pasado. Rosemarie DeWitt también tiene un buen desempeño como la epónima Rachel, y tiene una sólida química con Hathaway que hace muy fácil aceptarlas como hermanas.

En conclusión, El Casamiento de Raquel amerita recomendarse a pesar de sus fallas, principalmente por el sólido ensamble de actores y la perfecta ilusión de realismo lograda por el fallecido director Jonathan Demme, aunque indudablemente hubiera mejorado con ajustes en la edición y el guión. No obstante, el tema de las familias disfuncionales se ha visto tantas veces que está demasiado gastado, y ese es otro factor que le juega en contra a esta cinta.

Jinete de Ballenas (Whale Rider, 2002)

Reseña: Durante su primera mitad, Jinete de Ballenas me estaba pareciendo medianamente simpática en su retrato de la vida en una pequeña comunidad maorí, enfocándose en una niña que quiere ser líder de una tribu a pesar de la desaprobación de su abuelo. Sin ser la gran cosa y a pesar de tocar tantos lugares comunes, la cinta no me estaba desagradando.

Lamentablemente, después llegó la segunda mitad, y ahí es cuando la película genuinamente derrapa. Ahí empieza a incursionar en terreno místico repleto de ñoñerías "new age", además de caer en sentimentalismo barato que termina empalagando demasiando. No obstante, lo peor llega al final, cuando la cinta se vuelve groseramente manipuladora, a tal punto que realmente me hizo enojar. Jinete de Ballenas es una película que está tan desesperada por hacer llorar que el efecto que no logró conmoverme, sino irritarme profundamente.

Aún así, no se puede negar que las actuaciones de Jinete de Ballenas son excelentes. Keisha Castle-Hughes recibió una merecida nominación al Oscar por su trabajo en esta cinta, repleto de matices y expresividad. Adicionalmente, no sería justo ignorar el brillante trabajo del resto del elenco, destacando a Rawiri Paratene y Cliff Curtis como el abuelo y el padre (respectivamente) de la niña. Ojalá tanto talento histriónico hubiera estado al servicio de una mejor película.

Sé que Jinete de Ballenas es una película adorada por muchas personas, así que quizás el equivocado sea yo. Pero, como sea, la cinta me dejó un sabor general muy amargo, principalmente por mi baja tolerancia hacia este tipo de películas sentimentaloides y manipuladoras. Personalmente, en lo que respecta cintas de una fuerte idiosincracia neozelandesa, prefiero por mucho la menospreciada Hunt for the Wilderpeople (2016), la cual logra simultáneamente divertir y emocionar con las mejores armas.

El Violín (2005)

Reseña: El Violín retrata el enfrentamiento ficticio entre una guerrilla y un grupo militares en algún lugar de Latinoamérica (si bien la película es mexicana, nunca se explicita dónde transcurre en particular) con un enfoque poético y metáforico. El resultado es una cinta realizada con sobriedad e indiscutible visión cinematográfica, aunque quizás le hizo falta mayor ímpetu a la experiencia general para ser genuinamente memorable.

El principal punto fuerte de El Violín es la fantástica actuación del fallecido Ángel Tavira (un intérprete no profesional, lo cual hace su trabajo doblemente impresionante) en el personaje principal, un violinista cuyo hijo se ve directamente involucrado en el conflicto. La capacidad expresiva de Vargas alcanza niveles conmovedores, y su presencia es tan fuerte que se siente incluso cuando no aparece en escena. La cinematografía en blanco y negro resulta muy apropiada, creando una atmósfera de angustia y desolación, aunque el director y guionista Francisco Vargas tomó la sabia decisión de añadir un toque de optimismo y esperanza que evita que la cinta caiga en extremos excesivamente melodramáticos.

Con tantas cosas buenas a su favor, me parece curioso que El Violín no me haya resultado muy memorable a largo plazo. Como dije previamente, yo siento que le faltó un indescriptible "algo" que le hubiera dado mayor contundencia la película, además de que la parte media de la experiencia divaga un poco, y hace que la cinta se torne ocasionalmente cansada.

En conclusión, El Violín merece ser recomendada por la potente visión de Vargas como director, la magnífica actuación de Tavira y su inusual manera de traducir la historia en imágenes. No obstante, por alguna razón, el todo resultó menos que la suma de sus partes, por lo que el resultado final es una película sólida con varios elementos admirables, pero que no termina de ser completamente satisfactoria.

Dogville (2003)

Reseña: En Dogville, el controversial Lars von Trier demuestra ser mucho mejor director que guionista. En el primer aspecto, no se puede ignorar su virtuoso dominio del lenguaje cinematográfico, demostrado en sus creativos y dinámicos manejos de la cámara (cabe agregar que la película entera transcurre en un solo set), así como también un ritmo que mantiene fluidez a lo largo de casi tres horas de duración. Sin embargo, como guionista, escribió un relato excesivamente subrayado, que ofrece una alegoría que pretender ser profunda, aunque termina siendo elemental.

Hay muchos aspectos del guión de Dogville que me parecieron difíciles de tragar. Para empezar, me hizo mucho ruido que TODOS los habitantes del epónimo pueblo sean tan viles, y carentes del más mínimo rasgo de humanidad. Lo cual me lleva a la burda simplificación de von Trier, quien muestra a sus personajes como seres absolutamente malvados, sin ningún matiz ni multi-dimensionalidad. Además, aunque Dogville nunca me haya aburrido (lo cual es un mérito importante en una película tan larga), peca de auto-indulgencia al extenderse tanto, cuando se podrían haber establecido los mismos puntos en menos tiempo.

Por el otro lado, la mano de von Trier como director es tan experta, y saca tanto provecho de todas las herramientas del cine, que es razón más que suficiente para ver esta películas, además de las excelentes actuaciones del elenco entero, destacando a Nicole Kidman en el rol protagónico (ah, y una mención especial a la magnífica voz del finado John Hurt, quien se encargó de la narración en off de la cinta).

En conclusión, Dogville es una película brillantemente actuada y estupendamente dirigida... aunque con un guión básico y pretencioso, con una alegoría que resulta demasiado burda para ser tomada en serio. Como dije antes, la dirección de von Trier hace que la experiencia valga la pena a pesar de eso, aunque queda el sabor ligeramente amargo de que su talento como cineasta y el elenco merecían material mucho mejor con el cual trabajar.

Adam's Apples (Adams Æbler, 2005)

Reseña: Adam's Apples es una película bastante inclasificable, combinando humor muy negro con alegorías bíblicas y crueldad. Sí, la cinta es tan extraña como suena, y eso es justamente lo que la hace interesante, además de contar con perfectas actuaciones (como siempre, el gran Mads Mikkelsen se roba la película) y un guión que siempre toma los caminos menos pensados.

Tenía bajas expectativas antes de ver Adam's Apples, porque la única película del director Anders Thomas Jensen que había visto (Men & Chicken -Mænd og Høns, 2015) no me había gustado. Sin embargo, Jensen realizó algo similar en Adam's Apples, pero con un resultado muy superior, entregando una cinta que balance múltiples tonos manteniendo una consistencia y una lógica interna que la hace fluir naturalmente de principio a fin.

Como dije previamente, las actuaciones son excelentes, empezando por Mikkelsen, quien encaja a la perfección como un sacerdote que mantiene un ridículo optimismo, el cual se podría ver alterado cuando llega a su iglesia un neonazi, interpretado con absoluta credibilidad por Ulrich Thomsen. Los otros personajes también logran dejar su huella, tanto por como están escritos, como por los desempeños de Nicolas Bro, Paprika Steen y Ali Kazal.

En conclusión, Adam's Apples no es una cinta perfecta, pero no se puede negar que tiene originalidad, y que es tan impredecible que nunca se sabe qué puede suceder en su siguiente escena. Tan solo por eso, merece atención. Aunque Jensen no sea un cineasta infalible, no cabe duda de que le gusta enfrentar riesgos y escapar a lo convencional, lo cual lo hace merecedor de respeto.

Hostiles (2017)

Reseña: Hostiles es un western que no solo está interesado en la acción, sino que también tuvo metas más profundas y hasta filosóficas, tomando como eje la relación entre los "blancos" y los indios nativos de los Estados Unidos. Personalmente, creo que ambos enfoques confluyen de manera satisfactoria, combinando acción brutal y muy bien filmada con un estilo contemplativo y un guión que cocina su trama "a fuego lento", dejando que todo vaya decantando de manera natural y armoniosa.

No obstante, encontré algunas fallas que demeritan un poco la experiencia general. La principal es que la cinta pierde un poco el enfoque durante la parte media, desviándose por vertientes que no aportan mucho a la trama, y tranquilamente podrían haberse evitado. Con una edición más juiciosa, Hostiles hubiera sido una experiencia mucho más compacta e impactante. Otra queja que tengo es que los personajes secundarios están escritos de manera demasiado superficial, por lo que terminan pasando prácticamente desapercibidos.

Aún así, hay mucho para apreciar en Hostiles, desde la dirección de Scott Cooper, igualmente hábil durante los tiroteos y los momentos dramáticos, hasta las excelentes actuaciones de Christian Bale, Rosamund Pike y Wes Studi. Otra de las principales virtudes de Hostiles es el final, el cual logra alcanzar un buen nivel de emotividad manteniendo sobriedad y buen gusto.

Aunque la consideraría inferior a otros westerns de este siglo (como Django sin Cadenas -Django Unchained, 2012- o Bone Tomahawk -2015), Hostiles me pareció una película entretenida y bien hecha, encontrando un buen balance entre acción, narrativa y contenido emocional. No me pareció una gran película ni mucho menos, pero indudablemente merece ser recomendada con confianza.

The Double (2013)

Reseña: Mitad comedia bizarra y mitad thriller psicológico, The Double es una exótica película cuya combinación de géneros no siempre se integra de manera armoniosa, pero que indudablemente ofrece un manejo del lenguaje cinematográfico lo suficientemente atractivo para llamar la atención del espectador. El guión tiene su ingenio y está bien escrito, pero la principal "carta fuerte" es la dirección de Richard Ayoade (cuya previa película, Submarine -2010-, también brindó un estilo peculiar, aunque, en ese caso, a la fórmula "coming of age"), quien brinda una rica atmósfera y un estilo visual llamativo, aunque sin por ello ahogar la narrativa.

The Double examina la gradual pérdida de identidad que experimenta un burócrata atrapado en un empleo tedioso cuando un doble (con una personalidad extrovertida completamente opuesta a la suya) entra a trabajar en el mismo lugar que él. Esta es una de esas película que están fuertemente abiertas a la interpretación personal, pero, a grandes rasgos, los temas abordados son la dualidad psicológica, la burocracia y la previamente mencionada identidad. A decir verdad, hay algunas ocasiones en los cuales la cinta parece esforzarse demasiado en parecer "rara", pero, en general, mantiene un sólido balance entre excentricidad y profundidad.

Jesse Eisenberg brinda un excelente trabajo en su dual actuación, y Mia Wasikowska es creíble como su interés romántico. Los actores secundarios pasan bastante desapercibidos, pero no por culpa suya, sino porque el guión descuidó un poco a sus personajes, y no les brindó mucha textura o profundidad. Por su parte, los aspectos técnicos son muy competentes, y respaldan eficientemente la visión de Ayoade.

En conclusión, a pesar de sus fallas, The Double contiene suficientes virtudes para hacerla merecedora de una oportunidad, además de que siempre es loable encontrarse ante una cinta que pretendió hacer algo distinto a lo usual. Ayoade es más conocido en su faceta como comediante, pero ojalá dirigiera más películas, pues, con las dos que realizó, queda claro que posee talento, personalidad y visión.

Tigerland (2000)

Reseña: A diferencia de muchas otras películas, Tigerland no retrata la Guerra de Vietnam propiamente dicha, sino la "previa"; en otras palabras, el entrenamiento que reciben los soldados antes de tener que ir a combatir (en ese aspecto, me recordó un poco a Soldado Anónimo -Jarhead, 2005-, la cual hizo algo similar, pero con la Guerra del Golfo). El resultado final es una interesante cinta, con sólida dirección (a cargo del generalmente repudiado Joel Schumacher) y con excelentes actuaciones del elenco entero.

El principal atributo de Tigerland es que su guión logra crear personajes sumamente entrañables, con múltiples capas que los hace sentirse creíbles y humanos. En ese aspecto, ayudan mucho las brillantes actuaciones. Colin Farrell conduce la cinta con carisma y absoluta credibilidad en el papel del soldado rebelde que está constantemente enfrentando a sus superiores, y también merecen mención los perfectos desempeños de Matthew Davis, Tom Guiry, Shea Whigham y el menospreciado Clifton Collins Jr. En resumen, en ensamble en donde no hay un solo eslabón débil, con todos los intérpretes haciendo total justicia a personajes bien escritos.

Por el lado negativo, Tigerland pierde un poco de ritmo (aunqe jamás se torna aburrida) en su último tramo, cuando los soldados son transferidos a la epónima base de Tigerland, su última parada antes de ser llevados a Vietnam. No obstante, esa ligera pérdida de impulso se ve compensada en gran medida con un final muy satisfactorio, que concluye la experiencia en una nota ambigua que está perfectamente implementada.

En conclusión, a diferencia de película bélicas épica y grandilocuentes, Tigerland es una cinta íntima, que se enfoca en un aspecto de la guerra menos explorado, pero que ofrece abundantes posibilidades narrativas. El resultado final es una buena película que merece ser recomendada con confianza, además de demostrar que Schumacher puede hacer cosas buenas cuando tiene un sólido respaldo por parte del material.

Hasta que la Muerte nos Separe (The Gingerbread Man, 1998)

Reseña: Es bien conocido que Hasta que la Muerte nos Separe (es realmente inexplicable que le hayan asignado ese título en la Argentina, porque no tiene absolutamente nada que ver con la trama) generó múltiples diferencias entre el director Robert Altman y el estudio que la produjo; aparentemente, este último hizo recortes y cambió cosas sin la autorización de Altman, quien incluso quiso "desheredar" esta cinta. Después de haberla visto, entiendo completamente esa situación, ya que, de otra manera, era extraño que un cineasta del calibre de Altman hubiera estado detrás de un thriller tan genérico y olvidable.

El principal problema de Hasta que la Muerte nos Separe es su guión. Su premisa misma ya es inverosímil: ¿Cómo puede ser que un abogado prestigioso esté dispuesto a hacer cualquier cosa para ayudar a una amante sin prácticamente haberla conocido? No obstante, más allá de esa premisa difícil de tragar, la trama está llena de agujeros, y hay cosas ridículas y hasta risibles. Ah, y cuando uno cree que la experiencia no podría ser más pedestre y desechable... presenciamos el viejo truco del gato brincando.

Es una lástima que Hasta que la Muerte nos Separe me haya parecido una cinta tan fallida y poco satisfactoria, porque tanto Altman como el capaz elenco (todos hacen un buen trabajo, destacando a Kenneth Branagh y Robert Duvall) merecían mejor material con el cual trabajar. En fin, tengo que asumir que la principal culpa de este chasco la tuvieron los productores... aunque dudo que ellos hayan sido los únicos responsables de todos los problemas que aquejan a esta película.

A fin de cuentas, tengo que admitir que Hasta que la Muerte nos Separe no me aburrió, pero tampoco me pareció una buena película, y lamento decir que me decepcionó y no puedo recomendarla. Un claro caso de potencial desperdiciado, además de demostrar nuevamente que la "interferencia creativa" suele causar daños severos en el cine.

Alanis (2017)

Reseña: A diferencia de otras películas que toman el camino de la moralina barata o los pesados sermones, Alanis aborda la temática de la prostitución de manera directa y honesta, retratando esa situación con un crudo realismo que no juzga, sino que deja que los hechos hablen por sí solos. Indudablemente, un enfoque inusual y refrescante, que logra sostener el interés del espectador de principio a fin.

Alanis es una película breve (apenas dura ochenta minutos), sacando máximo provecho de cada momento para transmitir mucho con poco, y evitando todo tipo de relleno innecesario. Simplemente nos hace íntimos partícipes de las experiencias de la protagonista (estupendamente interpretada por Sofía Gala) con un estilo tan real que genuinamente nos sentimos en compañía de ella (incluso en esa extraordinaria y extensa escena de sexo, la cual no es ni remotamente excitante, sino que logra despertar auténtica angustia).

Por el lado negativo, algunas actuaciones del elenco secundario se sienten forzadas, y hay algunos detalles narrativos que quizás podrían haberse pulido un poco más. De todas maneras, no son quejas significativas, por lo que no me impidieron apreciar los múltiples aciertos de la película, la cual empecé a ver con nulas expectativas, y terminó dándome una agradable sorpresa.

Alanis es la primera película que he visto de la directora Anahí Berneri, e indudablemente me dejó con ganas de visitar su obra previa, ya que me pareció muy interesante su manejo del lenguaje cinematográfico, así como también su estilo simultáneamente intenso e inmersivo. En resumen, una recomendable experiencia, que parece sencilla en su superficie, pero que ofrece abundante subtexto para dejar al espectador pensando.

Werckmeister Harmonies (Werckmeister Harmóniák, 2000)

Reseña: Antes que nada, debo iniciar este escrito con una advertencia: Werckmeister Harmonies es una película radical y difícil, que requiera suma entrega por parte del espectador para aceptar una propuesta lánguida y carente de un eje narrativo convencional. Hecha esa aclaración, creo que Werckmeister Harmonies ofrece gratas recompensas a quienes acepten dejarse llevar por su pausado ritmo e indescriptible estilo.

A decir verdad, los co-directores Béla Tarr y Ágnes Hranitzky pecan de auto-indulgencia en más de una ocasión, con algunos elementos cuya inclusión se siente un poco arbitraria, y que parecen estar solo porque se quiso dejar lo menos posible fuera de la experiencia. Por el otro lado, Tarr y Hranitzky logran conjurar algunos momentos increíblemente poderosos, que logran hipnotizar al espectador y hacerlo vivir sensaciones únicas. Además, Werckmeister Harmonies confirma el poder envolvente que tienen los planos secuencia, generando una íntima conexión y envolviéndonos inmediatamente en las imágenes.

Por el lado de los actores, me molestó un poco que algunos (incluyendo a Lars Rudolph, el protagonista) estuvieran doblados, ya que eso me "sacó" en más de una ocasión; por el otro lado, como hay extensos momentos sin diálogos, esa no es una queja significativa. Por su parte, los aspectos técnicos me parecieron muy cuidados y pulidos, particularmente la preciosa cinematografía en blanco y negro.

En conclusión, no niego que Werckmeister Harmonies peque de pretenciosa, mientras que algunos momentos retaron un poco mi paciencia. No obstante, hay escenas tan potentes que se quedarán en mi memoria durante largo tiempo, además de que tengo que aplaudir la audacia de Tarr y Hranitzky de arriesgarse con una cinta como esta, que dista de ser perfecta, aunque no se parece a ninguna otra cosa que haya visto. Entonces, mi experiencia personal con esta cinta cae del lado positivo, por lo que solo me queda decir que, si deciden ver esta película, procedan con precaución: podrían quedarse dormidos, o dejarse llevar por una propuesta tan anómala como atrapante (yo pertenezco al segundo grupo).

Max (2002)

Reseña: Max definitivamente toma un enfoque inusual e interesante con respecto a la figura de Adolf Hitler, mostrando la relación que entabló con el personaje ficcional Max Rothman (un corredor de arte) poco después del término de la Primera Guerra Mundial. El principal acierto del director y guionista Menno Meyjes fue su decisión de humanizar al monstruo, mostrando cómo poco a poco Hitler fue construyendo su ideología (su relación con Rothman fue importante para ello en el contexto de la cinta) para luego empezar a transformarse en alguien siniestro que eventualmente terminaría causando un daño terrible a la humanidad.

A diferencia de películas de época fastuosas y opulentas, Max mantiene un enfoque sobrio y minimalista, sacando el máximo provecho de su bajo presupuesto para construir una atmósfera íntima que gradualmente va envolviendo al espectador. Por el lado negativo, se podrían haber omitido las escenas entre Rothman y su esposa o con su amante, ya que no aportan nada a la película, y frenan un poco el ritmo de la experiencia.

Volviendo a las virtudes, Noah Taylor brinda una estupenda actuación como Hitler, creando una composición simultáneamente detallada y natural, además de transmitir una férrea presencia y llenar a su rol de pequeños pero sustanciosos matices. En el papel de Rothman, John Cusack hace un trabajo decente, aunque no puede evitar verse opacado por Taylor (de hecho, la ausencia de Taylor se nota cada vez que no está en escena). Por su parte, Molly Parker y Leelee Sobieski hacen lo que pueden en los previamente mencionados genéricos roles de esposa y amante de Rothman (respectivamente).

En conclusión, creo que la balanza general de Max cae del lado positivo, por lo que puedo recomendarla como una interesante película que toma un enfoque novedoso en lo que respecta a cinta de este tipo, y eso basta para distinguirla y hacerla merecedora de una oportunidad. Adicionalmente, logré confirmar una vez más que Taylor es uno de los más menospreciados actores de la actualidad, ya que siempre lo he visto encarar roles sumamente diversos con magnetismo y absoluta credibilidad.

Survive Style 5+ (2004)

Reseña: Survive Style 5+ tiene una cierta gracia y simpatía durante la primera media hora, pero eventualmente, se torna aburrida, ya que consiste básicamente en una seria de "sketches" concatenados entre sí sin pies ni cabeza. Encima de todo, dura dos horas, lo cual es una duración absolutamente desproporcionada para una cinta con un material tan tenue.

Survive Style 5+ sigue varias "historias" (a decir verdad, es demasiado generoso llamarlas de esa manera) que giran en torno al mismo chiste una y otra vez, por lo que la audiencia termina viendo constantemente lo mismo. Como dije en el previo párrafo, inicialmente genera una cierta gracia, pero luego se vuelve tedioso, y estirado a dos horas, se termina volviendo casi insoportable.

Por el lado amable, Survive Style 5+ ofrece un estilo visual bastante bueno, con una paleta de colores atractivas y algunas escenas que llaman la atención desde lo estilístico. Sin embargo, este es un claro caso de "estilo sobre sustancia", pretendiendo distraernos con eso del hecho de que la cinta es muy pobre en lo narrativo. Francamente, no tengo mucho más para decir, excepto que esta película me pareció una pérdida de tiempo, y no la recomiendo.

El Insulto (Qadiyya Raqm 23, 2017)

Reseña: Partiendo de una premisa sencilla (un insulto desencadena un juicio entre un libanés cristiano y un refugiado palestino), El Insulto logra construir un fascinante relato repleto de connotaciones y niveles de profundidad. Y por si eso fuera poco, logra mantenerse enormemente entretenida de principio a fin, con electrizantes escenas de juicio repletas de tensión, perfectas actuaciones del elenco entero y firme dirección de Ziad Doueiri.

El guión de El Insulto es excelente, mostrando como algo aparentemente insignificante puede conducir a una abrumadora situación. Los personajes principales están retratados con total credibilidad, por lo que vemos a dos auténticos seres humanos con virtudes y defectos, así como también diferentes puntos de vista que los hace eclosionar entre sí, aunque ninguno de los dos esté realmente equivocado en lo que piensa. Además, El Insulto logró ilustrarme de manera simultáneamente didáctica y accesible sobre la relación entre los libaneses y los palestinos, lo cual se podría decir que termina siendo el punto central de la película.

No obstante, la principal "carta fuerte" de la cinta son las escenas de juicio, las cuales podrían haber sido demasiado secas y monótonas al mando de otro director; pero bajo la segura mano de Doueiri, resultan energéticas, dinámicas y hasta emocionantes, generando niveles de tensión que muchos "blockbusters" ni siquiera pueden soñar con alcanzar.

En conclusión, El Insulto es una excelente cinta, y la recomiendo como una experiencia profunda y fascinante, que logra hipnotizar a la audiencia y permanecer en el recuerdo. Personalmente, creo que El Insulto hubiera sido mucho más merecedora de haber sido galardonada en los Oscar como Mejor Película Extranjera que la sobrevalorada Una Mujer Fantástica (2017), pero bueno... terminó predominando la correción política.

You Were Never Really Here (2017)

Reseña: La directora Lynne Ramsay tuvo un fantástico debut hace casi veinte años con Ratcatcher (1999) y, si bien su posterior filmografía no volvió a alcanzar esa excelsa altura, es innegable que esta cineasta posee una poderosa visión y una absoluta facilidad para hacer un elocuente uso del lenguaje cinematográfico. Todo eso se aprecia nuevamente en You Were Never Really Here, su más reciente película, aunque quizás esta sea su cinta menos lograda hasta el momento, principalmente porque el guión (que ella misma adaptó en base a una novela) no es del todo satisfactorio.

Aún así, hay mucho que admirar en la dirección para hacer que You Were Never Really Here valga la pena a pesar de sus defectos. Para empezar, es muy loable la manera en la cual Ramsay se vale de todas las herramientas cinematográficas para crear imágenes poderosas que dicen mucho con poco, así como también para crear atmósfera. También me gustó la manera en la cual You Were Never Really Here reduce la historia a sus componentes básicos, yendo al grano y evitando todo tipo de relleno. Adicionalmente, la actuación de Joaquin Phoenix en el rol principal es brillante (como no podía ser de otra manera), ya que tan solo con sus expresiones e intensa presencia, podemos fácilmente darnos cuenta de los múltiples traumas mentales que enfrenta su personaje (un veterano de la guerra de Irak que se dedica a rescatar chicas desaparecidas).

Por el lado negativo, el guión me pareció demasiado simple, siguiendo una ruta predecible de principio a fin. No hay ninguna sorpresa ni particular profundidad en el relato, ya que todo sigue un curso excesivamente lineal. Además, la trama propiamente dicha es bastante genérica (un personaje torturado tiene que rescatar a una chica de una red de prostitución), y, en manos menos talentosas, podría haber degenerado en una pedestre B-Movie.

En conclusión, You Were Never Really Here es una buena oportunidad para apreciar el considerable talento de Ramsay y Phoenix como directora e intérprete (respectivamente), aunque ambos están al servicio de un guión que no es muy satisfactorio. Aún así, no me arrepiento de haberla visto, ya que, a pesar de que el guión sea flojo, fue convertido en imágenes con una atractiva sensibilidad artística, pero, francamente, esperaba más en el aspecto narrativo de esta cinta.

La Chica del Puente (La Fille sur le Pont, 1999)

Reseña: Como ya mencioné en otras ocasiones, hay muchas películas que me dan la impresión de haber sido originalmente concebidas como cortometrajes, que luego son forzadamente estiradas para alcanzar la duración de un largo. La Chica del Puente es una de esas cintas, y me quedé pensando que podría haber sido tranquilamente un cortometraje simpático; pero, en su estado, termina cansando después de un rato y sintiéndose demasiado larga... incluso con una duración que apenas alcanza los noventa minutos.

La premisa central de la película (un artista de medio pelo salva a una chica del suicidio, y empieza a montar espectáculos con ella, al mismo tiempo que la mala suerte de ambos empieza a irse) tiene una cierta gracia, pero se agota a los veinte minutos. Después de un rato, La Chica del Puente termina dando vueltas constantemente sobre lo mismo, sin un gran progreso narrativo ni emocional.

Sin embargo, hay algunos elementos positivos en La Chica del Puente. La cinematografía en blanco y negro es visualmente atractiva, y contribuye a teñir las imágenes de una cierta atmósfera. Por su parte, las actuaciones de Daniel Auteuil y Vanessa Paradis en los roles protagónicos son excelentes, llenas de expresividad y matices. Finalmente, el director Patrice Leconte brinda personalidad a su trabajo, aunque no se ve totalmente respaldado por el guión con el que tuvo que trabajar.

A pesar de sus virtudes, me cuesta expresar particular entusiasmo hacia La Chica del Puente. Como dije previamente, es una cinta a la cual el formato de largometraje le queda demasiado grande, lo cual es una pena, ya que tanto los actores como el director merecían mejor material para complementar su talento. Por eso, el sabor que termina quedando es el de una película fallida y poco satisfactoria.

Una Especie de Familia (2017)

Reseña: Una Especie de Familia muestra una clara influencia del cine de los hermanos Dardenne, utilizando una cámara inquieta y nerviosa para seguir la odisea de un personaje (en este caso, una mujer realizando una adopción ilegal en el norte de Argentina) atravesando una serie de situaciones cada vez más abrumadoras y que le generan una serie de dilemas. Sin embargo, Una Especie de Familia no logra generar el nivel de tensión e inmersión que los Dardenne tan bien saben conjurar, aunque tenga muchos elementos dignos de ser apreciados.

Lo que más destaca de Una Especie de Familia es la tremenda actuación de Bárbara Lennie en el rol principal, transmitiendo todo lo que su personaje atraviesa por dentro a través de elocuentes expresiones y cambios en la mirada. Tras haber visto sus trabajos en Magical Girl (2014) y ahora en esta cinta, Lennie está muy cerca de convertirse en una de mis actrices favoritas. Y ya que estoy hablando de actuaciones, no puedo dejar de mencionar el excelente trabajo de Yanina Ávila, quien logra dejar una gran impresión a pesar de su reducida paricipación.

Por el lado negativo, creo que Una Especie de Familia tendría que haber generado mayor sensación de urgencia en el espectador; por alguna razón, nunca logré sentirme genuinamente involucrado en lo que ocurría en la película. Adicionalmente, hay algunos momentos en la parte media que se sienten un poco cansados y redundantes, recalcando una y otra vez las mismas situaciones sin brindarle gran impulso al relato.

Resumiendo, creo que hay mucho por apreciar en Una Especie de Familia, aunque el todo termina siendo menos que la suma de sus partes. En otras palabras, una cinta bien actuada, bien dirigida y con un guión que logra mantener el interés en líneas generales, aunque la experiencia global carezca del impacto o la emoción necesarias para hacerla verdaderamente memorable. Recomendada con confianza, aunque no con tanto entusiasmo como sus virtudes individuales ameritarían.

El Nuevo Mundo (The New World, 2005)

Reseña: Como es costumbre en las películas dirigidas por Terrence Malick, El Nuevo Mundo no está interesada en seguir una línea narrativa tradicional, sino en adoptar un tono filosófico y meditativo. En este caso, dicho estilo está aplicado a un relato ambientado en la época cuando los ingleses colonizaban Estados Unidos, y el choque de culturas que se produjo entre ellos y los indios nativos. A decir verdad, dentro de la filmografía de Malick, me gustaron más El Árbol de la Vida (The Tree of Life, 2011) y, especialmente, La Delgada Línea Roja (The Thin Red Line, 1998), pero aún así, hay mucho para apreciar en El Nuevo Mundo (aunque los múltiples detractores de Malick seguramente no cambien de opinión al ver esta cinta).

Los aspectos técnicos de El Nuevo Mundo son indudablemente extraordinarios: la cinematografía del virtuoso Emmanuel Lubezki, la bella música del fallecido James Horner, el diseño de producción de Jack Fisk... todo ello contribuye significativamente a la atmósfera conjurada por Malick, y hacen que El Nuevo Mundo sea una experiencia genuinamente envolvente, transportándonos con suma facilidad al universo de la cinta.

En cuanto a los personajes... acá es donde tengo algunos reparos. Generalmente me gusta el trabajo de Colin Farrell como actor, pero su actuación en esta cinta se siente algo insulsa; francamente, no sentí que transmitiera muchas emociones al espectador, ni tampoco el amor que eventualmente desarrolla con una nativa de Virginia (el lugar donde desembarcaron los ingleses). De hecho, el flojo trabajo de Farrell se ve aún más opacado cuando el foco pasa al personaje de Christian Bale, cuyo desempeño es mucho más creíble y expresivo. En el rol de la previamente mencionada nativa, Q'orianka Kilcher brinda una fantástica actuación (aunque me pareció muy inverosímil la rapidez con la cual su personaje aprende a hablar inglés); lástima que su carrera como actriz no haya prosperado mucho. El resto del elenco pasa completamente desapercibido, pero no por culpa de los intérpretes, sino porque sus roles están escritos de manera tan superficial que terminamos sin saber prácticamente nada sobre ellos.

Además de eso, no puedo negar que hay algunos momentos de El Nuevo Mundo que se sienten pretenciosos, pero, a pesar de mis quejas, quedé satisfecho en líneas generales con esta película. Como dije en el primer párrafo, creo que Malick ha hecho cosas mucho mejores en su filmografía, pero aún así, me sentí inmediatamente transportado al mundo (ahem) de esta cinta, principalmente por la etérea sensibilidad del director y las múltiples sensaciones que logra despertar con su elocuente utilización del lenguaje cinematográfico.

La Eternidad y un Día (Mia Aioniotita kai mia Mera, 1998)

Reseña: La Eternidad y un Día es una película poética y profunda que no teme meterse con temas tan amplios y complicados como la vida y la vida. Nadie puede decir que esta cinta carezca de ambición, lo cual es muy loable. No obstante, la experiencia general me pareció dispar, con varios momentos interesantes, aunque también con otros que desafiaron mi paciencia.

La Eternidad y un Día retrata, en líneas generales, la relación que se forja entre un hombre a quien le queda poco tiempo de vida y un niño que llegó a Grecia tras escaparse de su natal Albania. El finado director Theo Angelopoulos brinda a ese relato una sensibilidad delicada y elegante, además de implementar un interesante uso del lenguaje cinematográfico, reflejado en tomas largas e inusuales emplazamientos de cámara. Por su parte, el guión ofrece la posibilidad de múltiples lecturas gracias a las diversas capas de su narrativa.

Por el lado negativo, hay varios momentos irrelevantes que me parecieron algo tediosos (como, por ejemplo, la larga secuencia de una boda). Pero lo que más me molestó fueron los momentos enfocados en un poeta italiano (quien forma parte de uno de los relatos que el hombre moribundo le cuenta al niño), los cuales se sienten fuera de lugar y empalagosos en sus metáforas. Adicionalmente, aunque Bruno Ganz hace un trabajo muy expresivo en el rol principal, me "sacó" en más de una ocasión que su voz estuviera doblada; creo que hubiera sido mejor que contrataran a un intérprete que fuera un hablante nativo del griego.

Resumiendo, La Eternidad y un Día es una buena película, con sólida dirección, un guión multi-dimensional y preciosa cinematografía que saca el máximo provecho de diversas locaciones griegas. Por el otro lado, no puedo negar que me aburrió un poco en más de una ocasión, y no le hubiera venido mal un poco menos de auto-indulgencia para recortar momentos que no aportan nada y rompen un poco el flujo de la experiencia. Aún así, sus virtudes son lo suficientemente buenas para hacerla merecedora de una recomendación.

The Hole (Dong, 1998)

Reseña: Ambientada en una Taiwan asediada por una epidemia y lluvia constante, The Hole es una película generalmente caracterizada por una atmósfera opresiva y angustiante. Digo "generalmente" porque ese clima se ve interrumpido en algunas ocasiones por números musicales (sí, leyeron bien) que son exactamente lo opuesto: coloridos y alegres (además de tener melodías muy pegadizas). El director Tsai Ming-liang maneja muy bien ese contraste, y el resultado final es una película tan inclasificable como hipnótica... aunque definitivamente no será para todos los gustos.

En las partes no musicales de The Hole, se captura a la perfección la sensación de agobio, y lo mejor de todo es que podemos comprender todo lo que experimentan los personajes con muy pocos diálogos, ya que las imágenes se encargan de hablar por sí solas, y decirnos todo lo que debemos saber. Entiendo que el pausado ritmo de la cinta desesperará a muchos espectadores, pero a mí me pareció muy adecuado y no tuve problemas en dejarme llevar por él, ya que permite ir asimilando poco a poco lo que los personajes experimentan.

En cuanto a los números musicales, no se sienten incorporados a la fuerza ni cortan el flujo natural de la cinta. Por el contrario, están añadidos de manera sumamente natural y orgánica, ya que funcionan como un adecuado respiro de la sensación de triste aislamiento, y brindan un toque de optimismo y festividad. Indudablemente, fue una audaz decisión implementar esos números musicales, pero me place decir que rindió buenos frutos.

En resumen, no dudo que muchos espectadores se quedarán afuera ante una experiencia tan radical como la que propone The Hole, pero quienes acepten una película que despierta una amplia variedad de sensaciones de manera poco convencional se verán gratamente recompensados. En otras palabras, una fascinante película que desafía al espectador y confía en su inteligencia, lo cual es merecedor de aplauso.

The Nature of Nicholas (2002)

Reseña: Me cuesta determinar si The Nature of Nicholas es una película de terror, un drama "coming of age" sobre un adolescente reprimido o una alegoría homosexual. Quizás sea todo eso a la vez; o quizás, no sea nada eso. Esta es una cinta tan abierta a la interpretación que cada espectador la tomará de manera diferente según su particular de vista. Me parece admirable que una película exija una participación tan activa por parte del espectador, y si bien tengo algunos reparos contra The Nature of Nicholas, la experiencia general me pareció lo suficientemente interesante para hacerla merecedora de atención.

Esta es una de esas películas surrealistas que hacen casi imposible reducirlas a una mera descripción o sinopsis. Yo creo que muchos momentos funcionan, aunque hay algunos que resultan ligeramente aburridos, y no parecen aportar mucho a la experiencia (o quizás yo no supe interpretarlos). De todas maneras, no puede negarse la poderosa visión del director Jeff Erbach (quien desafortunadamente no ha vuelto a dirigir ninguna otra cinta hasta el momento), quien logra impregnar cada cuadro de una atmósfera y un clima muy particulares.

En sus mejores momentos, The Nature of Nicholas logra ser genuinamente tenebrosa, con escenas que parecen sacadas de alguna pesadilla. Incluso las primeras escenas de la película, en las cuales ocurren cosas totalmente mundanas, están impregnadas de un aire macabro que nos presagia que algo está a punto de suceder. Adicionalmente, el elenco de actores desconocidos y el hecho de que esta sea una película "fantasma" a la cual cuesta mucho acceder contribuyen a hacerla aún más intrigante.

En conclusión, a pesar de algunas irregularidades de tono y de algunos pequeños ajustes que podrían haberse implementado a la edición, The Nature of Nicholas me pareció una película audaz y provocativa, que recompensará a aquellos espectadores deseosos de encontrar cine que interpele y que no deje lugar a la indiferencia.

El Aprendiz (The November Man, 2014)

Reseña: El Aprendiz es una típica película de acción y espionaje con una trama que no tiene un ápice de originalidad, personajes que son clichés vivientes y un desarrollo convencional y predecible. Sin embargo, a pesar de ser genérica y poco memorable, no puedo negar que me mantuvo entretenido de principio a fin, por lo que funciona como un adecuado aunque desechable pasatiempo.

Lo que más me gustó de El Aprendiz es lo bien filmadas que están sus escenas de acción, retratadas de manera clara y realista (dentro de lo que cabe), además de implementar escenas de violencia que no escatiman en sangre y brutalidad. Además, el director Roger Donaldson mantiene un dinámico ritmo que mantiene las cosas ágiles y no deja lugar alguno para el aburrimiento.

Pierce Brosnan puede interpretar hasta dormido el rol de agente secreto que desempeña en El Aprendiz (el cual me trajo recuerdos de sus días como James Bond), pero no se puede negar que tiene carisma y convicción. Por el otro lado, Luke Bracey es un cero a la izquierda como su rival, demostrando rigidez y nula presencia. Finalmente, el resto del elenco pasa completamente desapercibido en sus huecos papeles.

Resumiendo, queda claro que El Aprendiz dista mucho de ser algo trascendente, pero, al menos, fue realizada con suficiente talento para hacer pasar un buen rato, aunque luego termine fundiéndose inmediatamente en el olvido. Si no hay nada mejor para ver o si está transcurriendo un día perezoso y monótono, El Aprendiz no es una mala opción en absoluto.

Cambio de Vida (Monster's Ball, 2001)

Reseña: La primera mitad de Cambio de Vida no me estaba entusiasmando en lo más mínimo, ya que me parecía una mera sucesión de golpes bajos apilados de manera absolutamente inverosímil. Siempre he tenido baja tolerancia hacia ese tipo de burda y forzada manipulación emocional, que se regodea en los infortunios que sufren los personajes para querer impactar al espectador a toda costa, cuando, al menos en mi caso, solo termino sintiendo irritación.

No obstante, tengo que admitir que Cambio de Vida mejora durante su segunda mitad, cuando deja los golpes bajos de lado, para enfocarse en la relación que gradualmente se va forjando entre dos personas que fueron severamente golpeadas por la vida, y encuentran una forma de ir sanando sus respectivas cicatrices emocionales. Sin volverse particularmente cautivante, ahí es cuando empiezan a aflorar una honestidad y una íntima atmósfera que previamente habían estado ausentes.

En lo que respecta al elenco, tengo que empezar hablando de Halle Berry; aunque haya recibido mucha aclamación por su trabajo en Cambio de Vida (incluyendo el Oscar como Mejor Actriz), no me convenció su actuación, ya que me pareció forzada y afectada. Por el contrario, Billy Bob Thornton tiene un sólido desempeño en su papel, mostrando diversas facetas de manera sutil y efectiva. Sin embargo, quien se roba la película (a pesar de tener mucho menos tiempo en pantalla que Thornton y Berry) es el tristemente fallecido Heath Ledger, demostrando una asombrosa capacidad expresiva, además de una fuerte presencia que deja una profunda huella en toda la experiencia.

En conclusión, tengo opiniones encontradas sobre Cambio de Vida, pero creo que tiene suficientes virtudes para ganar una modesta recomendación, advirtiendo que habrá que sobrellevar los groseros golpes bajos de la primera mitad, para luego encontrarse con un relato humano e intimista que retrata elocuentemente cómo un vínculo humano puede ayudar a paliar las heridas de la vida.

Piso Compartido (L'Auberge Espagnole, 2002)

Reseña: Piso Compartido examina el choque de culturas que se produce cuando un joven francés viaja a Barcelona por un intercambio estudiantil, y encuentra residencia en un albergue donde también habitan varios otros jóvenes de diversas nacionalidades (un italiano, un alemán, un danés, una española, una inglesa y luego se suma una belga). El resultado es una experiencia simpática y agradable, aunque demasiado larga y no muy memorable a largo plazo.

En Piso Compartido, el director Cédric Klapisch brinda un estilo energético, así como también varios trucos visuales que brindan un "sabor" atractivo, aunque sin abusar de ellos ni permitir que opaquen los demás aspectos de la cinta. El guión es ligero y quizás hasta frívolo, pero nos presenta personajes que generan empatía, a la vez que se les permite evolucionar de manera gradual y natural. Los actores hacen un sólido trabajo en sus roles, destacando a Romain Duris en el papel principal.

Por el lado negativo, la principal queja que tengo contra Piso Compartido es que la trama de la película no ameritaba una duración de dos horas. Sin volverse nunca aburrida, hay demasiados momentos irrelevantes, y no hacía falta estirar tanto un relato tan leve. Adicionalmente, hay varias escenas graciosas en Piso Compartido, pero algunas de ellas se acercan peligrosamente al terreno de "sitcom" (particularmente uno que ocurre cerca del final).

En conclusión, sin ser una gran película ni mucho menos, disfruté Piso Compartido a pesar de mis objeciones, y creo que merece una mediana recomendación como una experiencia agradablemente liviana, que no es particularmente profunda, pero que indudablemente cumple con su objetivo de hacer pasar un buen rato (aunque sea más largo de lo que debería) y despertar ocasionales risas.

Ratas, Ratones, Rateros (1999)

Reseña: Enfocándose en la vida de dos jóvenes marginales y delincuentes en Ecuador, Ratas, Ratones, Rateros es una película cuyo principal atributo es el realismo semi-documental que logra el director Sebastián Cordero, logrando impregnar cada cuadro de una crudeza muy palpable. En consecuencia, el espectador termina sintiéndose parte de ese sub-mundo de pobreza y desesperación. Por lo demás, la cinta me pareció sólidamente escrita y muy bien actuada, aunque no exenta de algunas fallas.

Los personajes principales de Ratas, Ratones, Rateros (Salvador y Ángel) logran empatía instantánea con la audiencia. A pesar de tratarse de dos delincuentes (aunque Ángel es más peligroso que Salvador), ambos están retratados con humanidad y con matices, lo cual los hace seres humanos complejos a pesar de las cosas malas que hacen. En este punto, también ayudan las excelentes actuaciones de Marco Bustos y Carlos Valencia como Salvador y Ángel (respectivamente), quienes encajan en sus roles de manera tan natural que hacen que sus personajes sean sumamente creíbles.

Por el lado negativo, creo que algunos momentos de la parte media de Ratas, Ratones, Rateros podrían haberse acortado un poco, mientras que el final me pareció algo abrupto. Personalmente, creo que hubiera venido mejor una conclusión más redonda, en lugar de concluir la experiencia de manera repentina. Sin embargo, no son quejas fatales, y no me impidieron apreciar las abundantes virtudes de esta película.

En conclusión, Ratas, Ratones, Rateros es una película interesante y profunda por debajo de su aparente sencillez (particularmente, en lo que respecta a su retrato de la interacción entre las clases bajas y la gente más "acomodada"), además de ser una buena muestra de cine realizado con poco dinero, pero con innegable talento, haciendo sabio uso de sus escasos recursos para sacarles el máximo provecho. Resumiendo, un sólido exponente de cine latinoamericano, y una recomendable experiencia por derecho propio.