The Wolf's Call (Le Chant du Loup, 2019)

Reseña: The Wolf's Call es una película de submarinos entretenida pero un poco genérica, y su abundancia de clichés y forzadas conveniencias contribuyen a hacerla poco memorable. De todas maneras, la cinta mantiene el interés escena por escena, además de generar adecuados niveles de tensión, pero podría haber llegado más lejos puliendo mejor su guion y con mayor personalidad detrás de cámaras.

Me pareció interesante que el personaje principal de The Wolf's Call sea una persona con una excepcional habilidad auditiva. Por el otro lado, el guion lleva dicha habilidad a extremos forzados y ocasionalmente risibles, lo cual le resta credibilidad (particularmente me irritó la escena del teclado... cuando vean la película, sabrán a qué me refiero). Por su parte, el director Antonin Baudry quizás no sea un visionario, pero supo conducir la experiencia con fluidez y buen ritmo.

En el papel principal, François Civil se siente insulso y carente de carisma, pero esa floja interpretación se ve compensada por los sólidos desempeños de Omar Sy, Reda Kateb y Mathieu Kassovitz como sus superiores; sus personajes están construidos a base de clichés, pero los actores logran rescatarlos a base de talento y carisma. Finalmente, la sólida actriz Paula Beer está absolutamente desperdiciada como una joven de la cual el protagonista se enamora; esa sub-trama romántica es totalmente inútil, y tendría que haberse extirpado por completo.

A pesar de tantas quejas, The Wolf's Call me mantuvo entretenido sin el más mínimo esbozo de aburrimiento. El problema es que se olvida inmediatamente después de haberla visto, y creo que eso se debe a que el guion tomó la ruta más fácil en muchos aspectos, evitando desarrollar las cosas con más inteligencia. De todas maneras, hay suficientes aspectos positivos en The Wolf's Call para hacerla merecedora de una moderada recomendación.

I Am Mother (2019)

Reseña: I Am Mother es una minimalista película de ciencia ficción (transcurre en un número reducido de locaciones con solo un pequeño número de personajes) que toca algunos temas característicos de ese género, particularmente relacionados con la robótica y el futuro de la humanidad. Como tal, es interesante y provocativa, además de resultar una sólida "carta de presentación" para el director debutante Grant Sputore, quien demuestra una visión lo suficientemente distintiva como para despertar curiosidad para sus proyectos futuros.

I Am Mother es una película de bajo presupuesto, pero realmente no lo parece debido a lo bien realizada que está. El diseño de producción es impecable, y verdaderamente logra transportarnos al universo de la cinta, que mayormente transcurre en una instalación secreta en donde una robot crió a una niña. Eventualmente, la joven creció hasta convertirse en una adolescente, pero la rutina que siempre mantuvo con su "madre" se ve alterada cuando llega una mujer a la instalación. La cinta entera gira en torno a esos tres personajes, y, en su faceta de guionista, Sputore demuestra habilidad para jugar constantemente con las percepciones que tenemos de ellos, por lo que cuesta determinar quién es la heroína y quién la villana.

La "madre" logra auténtica personalidad, en parte gracias al trabajo vocal de Rose Byrne y a los movimientos de Luke Hawker por debajo del disfraz de robot, así como también por las capas de profundidad que el guion le brinda a ese personaje. En los respectivos roles de la adolescente y la extraña que llega a la instalación, Clara Rugaard y Hilary Swank brindan sólidos desempeños que contribuyen sustancialmente a elevar la calidad dramática de la cinta.

I Am Mother no es una película de ciencia ficción aparatosa ni repleta de acción. Por el contrario, aquí lo más importante no es el espectáculo visual (aunque la cinta también satisfaga en ese aspecto), sino las ricas ideas que sustentan su interesante narrativa y que invitan a la reflexión y el debate. Por ello, recomiendo con entusiasmo esta película, y solo queda esperar que el futuro que esta cinta vaticina no resulte profético...

El Infiltrado (The Infiltrator, 2016)

Reseña: No tenía mucho interés en ver El Infiltrado, porque este tipo de thrillers criminales basados en historias reales suelen ser tan genéricos que resultan prácticamente intercambiables. Para mi sorpresa, terminé encontrándome con una experiencia dinámica, eficiente y muy entretenida, que nos sumerge en una poco conocida pero bastante interesante historia sobre una red de lavado de dinero que involucraba al mismísimo Pablo Escobar allá por el año 1985. En resumen, quizás no sea algo excepcional, pero El Infiltrado me gustó bastante e indudablemente superó mis bajas expectativas.

Además, El Infiltrado se beneficia mucho con su brillante elenco. En el rol principal del Agente de Aduanas que desenmascaró la red previamente mencionada, Bryan Cranston ofrece una perfecta interpretación, aportando grandes dosis de carisma, así como también un amplio abanico de matices que enriquecen a su personaje (particularmente en lo que respecta a las disyuntivas éticas que experimenta en su trabajo como infiltrado). El menospreciado John Leguizamo también brinda un perfecto desempeño como uno de los compañeros del protagonista, logrando destacar cada vez que aparece en escena. El resto del reparto también brinda sólidos desempeños, por lo que el resultado final es un ensamble actoral que se complementa a la perfección sin un solo eslabón débil.

A diferencia de otras cintas de este tipo, en las cuales las tramas están contadas de manera excesivamente enmarañada y confusa, El Infiltrado mantiene un flujo narrativo claro, permitiendo al espectador seguir el hilo sin dificultad. Otra cosa que también distingue positivamente a El Infiltrado es que las escenas de la vida familiar del protagonista genuinamente cumplen una función narrativa, en lugar de sentirse como interrupciones que nos "sacan" de la experiencia, tal como ocurre en tantas otras cintas.

Por su parte, el director Brad Furman mantiene un buen ritmo que jamás decae a lo largo de poco más de dos horas. Adicionalmente, su trabajo aporta un atractivo estilo visual, pero en la medida justa, evitando que obstruya la narrativa o llame la atención por sí solo (un buen ejemplo es un plano secuencia que ocurre cerca del final... está muy bien realizado y se implementa de manera natural). En conclusión, disfruté El Infiltrado mucho más de lo que esperaba, y la recomiendo con confianza como un sólido thriller que tranquilamente podría formar parte de un "programa doble" junto a Barry Seal: Solo en América (American Made, 2017).

Peppermint Candy (Bakha Satang, 1999)

Reseña: Suele darme desconfianza cuando una película emplea trucos tales como contar su historia en reversa (en otras palabras, empezar por el final y terminar por el principio). En la mayoría de los casos, estrategias de ese tipo suelen utilizarse para simular complejidad donde no la hay, contando historias simples de manera innecesariamente complicada. Sin embargo, Peppermint Candy es uno de los pocos casos en los cuales el relato en reversa no es un mero "gimmick", sino que está plenamente justificado como herramienta narrativa que complementa y enriquece la experiencia.

Peppermint Candy comienza con un hombre claramente angustiado que se suicida en la vías de un tren. Luego, la película va retrocediendo mostrándonos episodios significativos en la vida de ese personaje, los cuales fueron fundamentales en su existencia, además de haber moldeado su carácter. Lo valioso de Peppermint Candy es que, al estar contada de esa manera, se nos presenta como un rompecabezas que vamos armando gradualmente, de manera que cada pieza que vamos agregando aporta algo sustancioso al tapiz narrativo. De esa manera, todo va adquiriendo profundidad y significados nuevos a medida que la experiencia avanza, hasta concluir en un final satisfactorio que le brinda un carácter circular a la película entera.

El elenco completo de Peppermint Candy hace un excelente trabajo en sus papeles, destacando Seol Gyeong-gu en el personaje principal, enfrentando un rol difícil y complejo con absoluta naturalidad. Por su parte, el director Lee Chang-dong (quien alcanzó reconocimiento a nivel masivo el año pasado con la película Burning -Beoning, 2018-) sabe manejar el drama con delicadeza y buen gusto, pero sin por ello descuidar el impacto emocional (sobre todo en una extraordinaria escena que transcurre en un hospital).

Aunque Peppermint Candy no sea una película con giros inesperados, conviene saber lo menos posible sobre ella antes de verla. De esa manera, se podrá apreciar mejor la experta manera en la cual su narrativa fue construida, haciendo que el espectador sea un participante activo de ella y recompensándolo con una experiencia en la cual cada pequeño elemento contribuye a formar un todo emocionalmente rico y narrativamente muy satisfactorio.

Rocketman (2019)

Reseña: Me gustan algunas canciones de Elton John, pero no me considero fan de ese famoso cantante. Por ello, enfrenté la película Rocketman con expectativas neutras. A fin de cuentas, la cinta me pareció generalmente interesante, aunque su estructura narrativa es tan similar a la de otras biografías de rock que se vuelve ocasionalmente cansada. En otras palabras, se podrían haber extirpado algunas escenas redundantes y se podría haber profundizado más en la psicología del personaje central en lugar de seguir rígidas estructuras. Aún así, no me arrepiento de haberla visto, y hay varias virtudes merecedoras de atención.

Los números musicales de Rocketman me parecieron energéticos y muy bien filmados; de hecho, en más de una ocasión, logran darle una inyección de energía a la película que le hacía falta luego de segmentos monótonos que se parecen demasiado a lo que ya hemos visto demasiadas veces en otras ocasiones. De todas maneras, el director Dexter Fletcher sabe mantener un buen ritmo en líneas generales, además de genuinamente transportar al espectador a décadas pasadas.

También tenemos la brillante actuación de Taron Egerton como Elton John. El trabajo de este actor en Kingsman: El Agente Secreto (Kingsman: The Secret Service, 2014) me había parecido meramente simpático, pero en Rocketman, toma absoluta posesión de su personaje y logra inusitados niveles de expresividad, transmitiendo mucho tan solo con sus gestos y sus miradas. Adicionalmente, su trabajo de composición es simultáneamente detallado y sutil; el desempeño de Egerton nunca pierde naturalidad, por lo que su representación de Elton John nunca busca llamar la atención por sí sola.

En conclusión, Rocketman no es una mala película; simplemente es una "biopic" algo genérica y superficial. Por el otro lado, el tremendo trabajo de Egerton y la vistosa dirección de Fletcher (sobre todo durante los números musicales) son suficientes para mantener la experiencia entretenida y hacerla merecedora de una mediana recomendación.

John Wick 3: Parabellum (John Wick: Chapter 3 - Parabellum, 2019)

Reseña: De manera inesperada, John Wick se terminó convirtiendo en una popular saga de acción. Personalmente, debo decir que no me considero fan de esta franquicia. No me malinterpreten... creo que son cintas entretenidas y muy bien hechas, pero carentes de la sustancia narrativa suficiente como para ser genuinamente memorables. Ciertamente se aprecian sus altas dosis de violencia y lo bien coreografiadas y ejecutadas que esán las secuencias de acción, pero las siento huecas y algo repetitivas. En el caso de John Wick 3: Parabellum, la más reciente cinta de esta saga, creo que esos vicios se ven aumentados.

John Wick 3: Parabellum arranca de entrada sin dar respiro al espectador, metiéndolo de lleno en la acción y arrancando inmediatamente después del final de la película previa. Ahí es cuando más se aprecia la destreza del director Chad Stahelski para orquestar ese tipo de escenas de manera clara y brutal sin marear al espectador con "shaky cam" ni edición excesivamente frenética. Sin embargo, después de estar viendo más de dos horas de lo mismo, con mínimas interrupciones narrativas, la experiencia inevitablemente se me terminó volviendo ligeramente monótona, y carente de un gancho narrativo o emocional lo suficientemente fuerte.

Adicionalmente, John Wick 3: Parabellum concluye de manera algo decepcionante, preparando el terreno para futuras secuelas con bases demasiado absurdas, demostrando que ya se está estirando demasiado el concepto de estas películas. De todas maneras, considerando que están siendo cada vez más exitosas, indudablemente tendremos John Wick para rato. Aún así, a pesar de haber expresado tantas quejas, John Wick 3: Parabellum me mantuvo generalmente entretenido, principalmente gracias al buen ojo de Stahelski para la acción y el carisma de Keanu Reeves en el papel principal; quizás no sea un buen actor en el sentido convencional, pero indudablemente tiene una magnética presencia, y eso es todo lo que hace falta para un personaje como este.

En conclusión, siento que estoy en la minoría a la cual esta franquicia no le termina de entusiasmar. Personalmente, hubiera preferido que Baby Driver (2017) hubiera dado lugar a una saga de acción; esa película sí había logrado un perfecto balance entre estilo y sustancia, logrando ser "cool", enormemente entretenida y poseedora de profundidad y peso dramático de manera simultánea. Pero, bueno... puedo darle a John Wick 3: Parabellum una mediana recomendación porque no me aburrió, aunque hubiera preferido encontrar algo más sustancioso que un videojuego con personas de carne y hueso.

The Lobster (2015)

Reseña: No puede negarse que el director Yorgos Lanthimos tiene un estilo muy particular que es indescriptible y no para todos los gustos. Dicho estilo lo ha aplicado con resultados no exentos de interés, pero tampoco totalmente satisfactorios, en géneros como el terror (El Sacrificio del Ciervo Sagrado -The Killing of a Sacred Deer, 2017-) o el drama de época (La Favorita -The Favourite, 2018-). En The Lobster, está aplicado a una comedia absurdista, y aunque no me haya parecido infalible, creo que es la película de Lanthimos que más me ha gustado hasta el momento (al menos de las que he visto).

The Lobster parte de un concepto bastante bizarro: en una sociedad futurista, los solteros son enviados a un hotel en donde tienen cuarenta y cinco días para encontrar pareja; si no lo logran, serán convertidos en el animal que ellos quieran. Lo interesante de The Lobster es que aborda algo tan descabellado como eso de manera seria, lo cual hace sus instancias de humor negro doblemente graciosas por el contraste entre idea y ejecución. En otras palabras, la manera en la cual la dirección de Lanthimos aborda el material lo hace elevarse y brindarle matices y capas adicionales.

También me gustó el mundo creado por Lanthimos para esta película. Tanto el hotel como el bosque cercano tienen una personalidad vibrante y muy particular, y eso nos invita como espectadores a descubrirlos gradualmente con constante curiosidad. Hay tantos detalles que realmente se activa nuestra imaginación y nos da ganas de explorar cada rincón del universo de The Lobster.

Las actores hacen un perfecto trabajo, adaptándose sin dificultad al extraño estilo de la cinta. Colin Farrell es quien más destaca en el rol protagónico, encontrando el punto exacto de "inexpresividad expresiva" que su personaje necesitaba. Todos los demás intérpretes lo complementan sólidamente, aunque me decepcionó ver a John C. Reilly, uno de mis actores favoritos, ligeramente desperdiciado.

Y, ya que empecé a quejarme, diré que la segunda mitad de The Lobster se torna un poco reiterativa, lo cual me cansó un poco en algunos momentos. Adicionalmente, el final me pareció abrupto, impidiendo que el espectador reciba el cierre concreto y contundente que se venía palpitando. Aún así, esas no son fallas graves, y no me impidieron apreciar The Lobster como una retorcida comedia que logra entretener e invitar a la reflexión en igual medida.

Heremakono (2002)

Reseña: Mi experiencia con el cine africano ha sido relativamente escasa, pero, hasta el momento, las cintas que había visto de ese continente se dedicaron a retratar y denunciar las lamentables condiciones de vida que la mayoría de los habitantes de esa parte del mundo tiene que padecer. Sin embargo, la película mauritana Heremakono ofrece algo distinto, ya que muestra la vida de un grupo de habitantes en un pequeño pueblo, sin meterse en ningún tipo de penurias ni miseria.

Heremakono arranca de manera bastante buena, sumergióndonos de inmediato en ese pueblo y retratando la cultura de esa zona geográfica, fusionando ficción y documental de manera casi imperceptible. Sin embargo, la ausencia de un eje narrativo o, al menos, de un punto específico me empezó a aburrir a medida que la cinta iba llegando a su parte media, convirtiéndose en una serie de viñetas que no parece tener mucho para decir. Por lo tanto, para cuando llegamos al final, queda la sensación de que presenciamos una experiencia que arranca prometedoramente, pero que, eventualmente, resulta demasiado vacía para genuinamente sostener el interés a lo largo de noventa minutos de metraje.

Aún así, las actuaciones me parecieron excelentes, adoptando un tono tan natural que también contribuye a darle una atmósfera sumamente realista a la cinta. Por su parte, el director Abderrahmane Sissako demuestra buena mano para crear algunas secuencias atractivas con un estilo visual sobrio pero efectivo, aunque su relevancia para el relato sea dudoso.

A fin de cuentas, Heremakono parece querer reflexionar sobre las distintas maneras que las personas tienen de acercarse a la felicidad. No es un mal concepto, pero no resultó suficiente para sustentar una película entera, y podría haberse transmitido el mismo mensaje en un cortometraje. Por ello, me cuesta expresar suficiente entusiasmo por Heremakono, lo cual es una lástima porque indudablemente tiene varias virtudes. Lástima que la cinta falle en lo más importante: la narrativa.

Coriolanus (2011)

Reseña: Coriolanus es una adaptación de una poco conocida obra de William Shakespeare, aunque trasladada a la actualidad. Evidentemente, la intención era trazar paralelismos con la política en el siglo XXI, demostrando cómo algunas cosas no han cambiado (ni cambiarán jamás) a pesar del paso del tiempo. El resultado final es una película interesante, aunque un poco tibia, lo cual le impide impactar o ser genuinamente memorable.

En su faceta como director, Ralph Fiennes (con la ayuda del guionista John Logan) encontró la manera de adaptar un texto teatral de manera cinematográfica y dinámica, sobre todo durante el primer tramo, cuando encontramos algunas secuencias de acción muy bien filmadas. La cinta entera mantiene un buen ritmo, aunque lamentablemente no resultará muy novedosa para quienes conozcan otras obras de Shakespeare. En ese sentido, Coriolanus sigue un camino más o menos predecible, ya que es fácil ir discerniendo qué camino irá tomando el relato.

Adicionalmente, si bien Fiennes hizo un buen trabajo como director, quizás le faltó la visión necesaria para elevar Coriolanus y darle mayor ímpetu y contundencia como experiencia cinematográfica. En su estado actual, la cinta interesa, pero nunca cautiva, por lo cual no logré compenetrarme a fondo con los personajes ni recibir un sólido impacto emocional. Por el otro lado, las actuaciones de Fiennes, Gerard Butler, Vanessa Redgrave y Brian Cox son muy buenas, y todos ellos logran elevar la cinta con su credibilidad y presencia.

A fin de cuentas, Coriolanus es una cinta decente, pero le faltó un condimento adicional para hacerla más satisfactoria. Además, queda bastante por detrás de otras adaptaciones de obras de Shakespeare, como Titus (1999), El Mercader de Venecia (The Merchant of Venice, 2004) o Macbeth (2015). Entonces, Coriolanus tiene algunos méritos que la hacen merecedora de una tibia recomendación, pero creo que las cintas mencionadas son alternativas muy superiores si se buscan adaptaciones cinematográficas del venerable dramaturgo.

Intervención Divina (Yadon Ilaheyya, 2002)

Reseña: Intervención Divina es una película que muchos espectadores seguramente detestarán porque escapa intencionalmente a toda estructura narrativa. Esta es una cinta que pretende ilustrar el conflicto israelí-palestino con una serie de viñetas; algunas son realistas, mientras que otras son absurdistas y hasta fantasiosas. Como tal, es una experiencia poco accesible, aunque tiene recompensas para ofrecer a quienes no teman arriesgarse con una cinta tan poco convencional como esta.

Durante la primera mitad de Intervención Divina, vemos la vida de un grupo de vecinos en un barrio sin un protagonista definido. Este segmento tiene simpatía  y buenos momentos de humor, pero me estaba empezando a desesperar después de un rato con su total ausencia de hilo narrativo. Afortunadamente, ni bien me estaba empezando a agarrar esa desesperación, llegamos a la segunda mitad, en la cual presenciamos el romance que se desarrolla entre un palestino residente en Jerusalén con una mujer de Ramala.

En esa segunda mitad, es cuando el director y guionista Elia Suleiman (quien también interpreta al palestino de Jerusalén) da total rienda suelta a su imaginación, brindando las analogías y metáforas más elocuentes y poderosas. Mi parte favorita fue una delirante secuencia de acción que ocurre casi al final de la película, pero también hay otros momentos que logran hacer comentarios sociales y políticos con humor, inteligencia y sin solemnidad.

Además, Intervención Divina es una película que prescinde casi por completo de diálogos, y es interesante presencia cómo Suleiman se las arregla para presentar imágenes que dicen mucho con muy poco. Una muestra de "menos es más" que dio sus buenos frutos. La única película con la cual se pueden trazar algunos paralelismos con Intervención Divina es Songs from the Second Floor (Sånger från andra Våningen, 2000), aunque aquella cinta me había parecido aburrida y vacía, mientras que Intervención Divina está auténticamente repleta de contenido profundo e interesante, aunque requiere un esfuerzo por parte del espectador para encontrarlo. Será un reto difícil para muchos espectadores, pero yo estuve dispuesto a aceptarlo, y terminé satisfecho.

A Mighty Heart (2007)

Reseña: A Mighty Heart retrata la historia real de Marianne Pearl, una periodista que decidió investigar la desaparición de su marido (también reportero) en Paquistán a principio del año 2002. El director Michael Winterbottom decidió evitar sabiamente el sentimentalismo para hacer que la cinta aborde un tono cuasi-documental y libre de artificios. La inquieta cámara del cineasta nos sumerge en el relato de manera directa y verosímil, lo cual le brinda una inusual cercanía la experiencia completa. Sin embargo, eso no significa que A Mighty Heart esté exenta de algunos problemas.

Esta película transcurre principalmente en diálogos que se llevan a cabo entre la protagonista, otros periodistas, miembros de la Embajada de Estados Unidos e investigadores paquistaníes, y es un mérito que Winterbottom mantenga un ritmo lo suficientemente dinámico como para ahuyentar el aburrimiento en líneas generales. Sin embargo, llega un punto en cual tanta abundancia de diálogo se vuelve un poco monótona, sobre todo cuando no hay mucho movimiento propiamente dicho en escena. Por un lado, aplaudo que Winterbottom haya evitado la artificialidad de muchas películas hollywoodenses; por el otro lado, su enfoque hace que la cinta se torne ocasionalmente más seca y distante de lo necesario.

También tengo objeciones contra el desempeño de Angelina Jolie en el papel de Marianne. Su trabajo no es malo, pero se queda un poco corto en algunas escenas que tendrían que haber sido demoledoras, pero no terminan generando mucho en el aspecto emocional. Creo que este fue un error llenar ese papel con una estrella de cine, cuando una actriz de carácter hubiera sido mucho más adecuada. De hecho, Archie Panjabi interpreta un papel relativamente menor como una periodista que trabaja con Marianne, pero, aún así, demuestra mucha mayor credibilidad y soltura que Jolie, y eso me hizo pensar que dicha intérprete hubiera sido mucho más adecuada para el papel protagónico.

De todas maneras, A Mighty Heart es una película interesante cuyo estilo despojado es su principal atributo, aunque ocasionalmente se sienta como un obstáculo. Esta cinta se realizó en una época en la cual estaban de moda las películas que denunciaban la situación post-11 de septiembre, por lo que quizás yo haya llegado bastante tarde en ese sentido; pero, aún así, creo que son aspectos que merecen ser recordados, por lo que A Mighty Heart merece una recomendación como una sólida película que genuinamente tiene algo para decir.

El Niño (2014)

Reseña: El Niño sigue dos líneas narrativas de manera paralela: por un lado, vemos a dos jóvenes iniciándose en el mundo del narcotráfico entre el sur de España y el norte de Marruecos; por el otro lado, vemos a un policía que sigue la pista del narcotráfico en esa región. Personalmente, creo que la segunda parte funciona mucho mejor que la primera, pero eso no quita que la experiencia completa sea entretenida, aunque poco memorable.

El principal problema de El Niño es que las actuaciones de Jesús Castro y Jesús Carroza como los jóvenes narcotraficantes son bastante malas. Ambos son agujeros negros de talento, carisma y presencia escénica, lo cual imposibilita compenetrarse con sus personajes (ya ni hablemos de la creación de empatía). Además, eventualmente hay una sub-trama romántica en la cual uno de ellos se ve involucrado con la hermana de uno de sus cómplices que me pareció absolutamente inútil, además de interferir con el flujo de la experiencia.

Por el otro lado, la otra parte de la cinta funciona mucho mejor, principalmente porque ahí encontramos a excelentes actores como Luis Tosar, Bárbara Lennie y Sergi López aportando credibilidad y peso dramático a pesar de tener personajes algo superficiales. Por lo demás, la trama policial es algo predecible, pero habiendo actores tan buenos, eso se ve aminorado, demostrando cómo el talento actoral puede elevar una cinta... aunque la otra parte de El Niño nos demuestre cómo malos actores pueden genuinamente restarle puntos a una película.

En conclusión, El Niño no me aburrió, además de contener algunas sólidas escenas de acción que quizás no sean espectaculares, pero que están filmadas de manera clara e impactante. A fin de cuentas, la película se olvida rápidamente, pero la pasé bien mientras transcurría, por lo que puedo darle una moderada recomendación.

Meek's Cutoff (2010)

Reseña: En Night Moves (2013) o en la cinta que nos ocupa en esta reseña, Meek's Cutoff, la directora y guionista Kelly Reichardt demuestra habilidad para aproximarse a los géneros (el thriller en el caso de Night Moves, el western en el de Meek's Cutoff) para reinterpretarlos con un barniz más afín al "cine arte". En otras palabras, Reichardt no está interesada en los géneros de manera convencional, sino que pretende darles un enfoque único y diferente que los eleva artísticamente.

Meek's Cutoff es una película que no tiene mucha "historia" propiamente hablando. Sin embargo, el talento de Reichardt consiste en construir una narrativa atrapante con mínimos elementos. Básicamente tenemos a tres familias varadas en el Lejando Oeste que pretenden llegar a un punto donde haya agua para poder sobrevivir. Realmente, no hace falta más que eso para que la experiencia sea atrapante y satisfactoria. Reichardt logra una excelente atmósfera de agobio, calor y aislamiento, por lo que podemos palpar inmediatamente la desesperación de los personajes por sobrevivir, al mismo tiempo que los vamos conociendo con trazos sutiles pero repletos de significado.

Los actores se adaptan perfectamente al tono de la cinta, y todos brindan desempeños naturales y totalmente creíbles, destacando a Michelle Williams, Bruce Greenwood y Ron Rondeaux; este último fue una auténtica revelación en el papel de un indio que las familias encuentran en el camino y que quizás podría ser quien los termine guiando a la salvación. Por su parte, Reichardt mantiene un ritmo pausado y deliberado que ahuyentará a muchos espectadores, pero que resulta esencial para sumergirnos en el clima de la cinta.

En conclusión, Meek's Cutoff me pareció una experiencia fascinante, aunque estoy seguro de que muchos espectadores la odiarán por su lentitud y porque "pasa poco" en términos superficiales. Sin embargo, yo la encontré cautivante por esas razones (además de los otros aspectos que enumeré en la reseña), y confirmo definitivamente que Reichardt es una brillante cineasta con una visión única que invita a seguir indagando en su filmografía con elevadas expectativas.

Nosotros (Us, 2019)

Reseña: Hace dos años, el humorista Jordan Peele obtuvo gran aclamación y ganó premios a diestra y siniestra con su debut como director y guionista, Huye (Get Out, 2017), en la cual combinó terror, comedia y comentario social. Sin embargo, debo decir que yo me encuentro en la gran minoría que no quedó muy convencida con esa película. Indudablemente creo que Peele tuvo ideas originales, pero siento que no logró ensamblarlas en una estructura narrativa cohesiva y satisfactoria. Y, lamentablemente, creo que algo parecido volvió a ocurrirle con su segunda película, Nosotros.

Durante la primera mitad de Nosotros, se presenta un concepto ingenioso que le da un giro diferente a la consabida estructura de la "invasión doméstica". Eventualmente, la cinta termina girando una y otra vez sobre lo mismo sin avanzar la narrativa, por lo cual esta se termina empantanando un poco y no pude evitar empezar a sentir un poco de cansancio debido a esa redundancia. No obstante, la cinta introduce nuevas ideas interesantes en su último tramo, pero, al mismo tiempo, ahí podemos encontrar la principal falla de Nosotros: es una película de ideas que no están adecuadamente ejecutadas para formar un sólido tapiz narrativo.

Quizás sea más preciso decir que la experiencia completa de Nosotros se siente como un primer acto en el cual se introducen algunos conceptos prometedores. Lamentablemente, nunca llegan el segundo y el tercer acto que les harían justicia brindándoles el desarrollo adecuado. En otras palabras, Nosotros tiene varias semillas que no tienen la oportunidad de germinar. Creo que ese es el gran problema que Peele tendrá que corregir en sus proyectos futuros: saber cristalizar lo que tiene en mente en una narrativa interesante y satisfactoria.

A fin de cuentas, Nosotros es una película prometedora, pero que no termina cumpliendo, por lo que el sabor final que queda es amargo y poco satisfactorio. Como película de terror, le falta tensión y contundencia (por no mencionar que el "gore" es inexistente; apenas se ve alguna que otra gota de sangre); como sátira social, le falta inteligencia y mordacidad. Por ello, lo único que queda son algunas ideas que tienen su originalidad, pero que nunca logran genuinamente cristalizarse. En resumen, una cinta fallida.

Regresa a Mí (Ben is Back, 2018)

Reseña: Mis expectativas antes de ver Regresa a Mí eran muy bajas. La premisa de una madre dispuesta a todo para mantener a su hijo alejado de las drogas debido a severos problemas que el joven tuvo con esa adicción sonaba demasiado trillada, manipuladora y empalagosa. Sin embargo, decidí darle una oportunidad a Regresa a Mí porque me gustaron algunas películas previas del director Peter Hedges (Fragmentos de Abril -Pieces of April, 2003-, Dan in Real Life -2007-). A fin de cuentas, Regresa a Mí no me terminó pareciendo la gran cosa, pero admito que fue mejor de lo que esperaba.

Para empezar, Regresa a Mí no puede evitar una cierta artificialidad que afecta a muchas películas hollywoodenses, tanto en su manufactura como en ciertas resoluciones forzadas y convenientes del guion (por ejemplo, el predecible final). Como punto de comparación, puedo mencionar la cinta noruega Oslo, 31. August (2010), la cual también abordó el tema de la drogadicción, pero con un estilo mucho más crudo y natural que nos sumergía plenamente en el desamparo que padecía el protagonista. Por su parte, mientras veía Regresa a Mí, sentía constantemente que, a fin de cuentas, estaba viendo una película.

Por el lado positivo, si bien Regresa a Mí no es ni remotamente lo devastadora que tendría que haber sido, hay que reconocer que Hedges mantiene un tono sobrio y moderado de principio a fin, que quizás no derroche personalidad, pero que evita que la cinta incursione en el terreno de la melosidad y los golpes bajos. Además, Julia Roberts y Lucas Hedges (sí, es hijo del director) brindan sólidas actuaciones y comparten una creíble química de madre e hijo; por el otro lado, algunos actores secundarios se sienten demasiado rígidos.

Obviamente, si desean ver un retrato impactante y desolador de la drogadicción, las recomendaciones definitivas serían Requiem para un Sueño (Requiem for a Dream, 2000) o la previamente mencionada Oslo, 31. August (2010). Pero, para ser justos, Regresa a Mí se deja ver, y aunque no sea una gran película ni mucho menos, superó mis expectativas y cuenta con suficientes atributos para ganar una mediana recomendación.

The Fifth Station (La Cinquième Saison, 2012)

Reseña: The Fifth Station es una película extraña e inclasificable, pero no me dejó completamente satisfecho. Es ciertamente una experiencia audaz con abundantes rasgos de originalidad, pero le cuesta definir un camino concreto. Y cuando finalmente parece encontrarlo... mala suerte, porque la cinta termina. Aún así, vale la pena darle una oportunidad, sobre todo si se está en busca de una experiencia inusual y alejada de todo convencionalismo.

La trama de The Fifth Station es bastante "abstracta", por lo que no es fácil de ser sintetizada. Entonces, simplemente diré que la cinta retrata la vida en un pequeño pueblo que parece estar maldecida luego de un invierno que no aparenta terminar nunca. De esa manera, The Fifth Station procede combinando humor absurdista con drama crudo, sin olvidar incursiones en el género de terror. Como dije en el primer párrafo, evidentemente estamos ante una película inclasificable, que se niega rotundamente a ser etiquetada en un género específico.

Eso es ciertamente loable, y los co-directores Peter Brosens y Jessica Woodworth saben generar la atmósfera de una pesadilla de la cual no podemos escapar. No obstante, el gran problema de The Fifth Station es que divaga demasiado tiempo sin encontrar un eje, y cuando finalmente parece encontrarlo, la experiencia termina de manera abrupta, dejándonos con ganas de más. En otras palabras, The Fifth Station termina justo cuando estaba empezando a tomar un rumbo fascinante y enfocado.

En conclusión, The Fifth Station tenía ingredientes suficientes para ser una experiencia contundente y memorable; lamentablemente, no se supo sacar el máximo provecho de ellos, por lo que el resultado final es inferior a la suma de sus partes. De todas maneras, la originalidad es un atributo tan infrecuente en el cine que tan solo por eso hay que darle una oportunidad a una película como esta, incluso si no resultó del todo lograda.

Ojos Bien Cerrados (Eyes Wide Shut, 1999)

Reseña: No sé porqué tardé tanto en ver Ojos Bien Cerrados, la película póstuma del legendario director Stanley Kubrick, pero bueno... como reza el dicho, "mejor tarde que nunca". Como sea, lo importante es que finalmente vi esta obra maestra, la cual es una virtuosa muestra de arte cinematográfico realizada por un auténtico genio detrás de cámaras que sabe sacar el máximo provecho del lenguaje visual para brindar una experiencia embriagante, hipnótica e inolvidable.

Películas como Ojos Bien Cerrados son una buena muestra de la razón por la cual no me gusta escribir sinopsis de las películas. Principalmente, me opongo a ello porque una buena cinta es mucho más que una simple sinopsis; es una experiencia cinematográfica antes que cualquier otra cosa, y una película como esta lo confirma con creces. Desde el primer segundo, Kubrick logra captar la atención del espectador, empleando un ritmo perfecto, el cual se toma su tiempo para introducirnos al fascinante universo de la película, pero, simultáneamente, manteniéndolo lo suficientemente dinámico para evitar que la experiencia se torne monótona. De esa manera, la película nunca se estanca, pero tampoco se apresura. Simplemente encuentra la cadencia perfecta para envolver gradualmente a la audiencia.

Tampoco conviene adelantar nada sobre la trama de Ojos Bien Cerrados porque va llevando al espectador por terrenos cada vez más extraños y sugerentes, que llenan a la cinta de una variedad tan grande de simbologías e interpretaciones que, cuando la cinta termina, uno queda con ganas inmediatas de verla de nuevo. Hay tanto material para digerir y para analizar desde diversos puntos de vista que un solo encuentro no es suficiente para una película tan rica, compleja y alucinante como esta. Además de todo, Ojos Bien Cerrados nos permite atisbar todas las cosas que se esconden por debajo de una sociedad aparentemente "normal" y rutinaria, introduciéndonos a un universo diferente... y potencialmente muy peligroso. Mejor no revelar más en ese aspecto...

Adicionalmente, Ojos Bien Cerrados se ve beneficiada por la presencia de un actor tan carismático como Tom Cruise en el rol protagónico, quien carga con la cinta entera sobre sus hombros con su gran presencia y sólida credibilidad emocional. Nicole Kidman tiene menos tiempo en escena del que creía que iba a tener, pero su personaje es esencial, y ella le hace justicia con un excelente desempeño. El resto del elenco es igualmente perfecto; todos los intérpretes hace un trabajo tan bueno y sus roles están tan bien escritos que todos dejan su huella en la película, incluso quienes aparecen poco.

En conclusión, Ojos Bien Cerrados es una gran película, que ofrece un alucinante viaje para el espectador a lo largo de un poco más de dos horas y media que se pasan literalmente volando. Aunque me haya acercado a ella veinte años tarde, me alegro mucho de haberlo hecho, porque me terminé encontrando con una de mis películas favoritas, realizada con una elegancia, una inteligencia y una profundidad realmente infrecuentes. Kubrick se despidió a lo grande con esta cinta, cerrando su filmografía con un auténtico broche de oro.

El Club (2015)

Reseña: El Club retrata a un grupo de sacerdotes que conviven en un hogar ubicado en un remoto pueblo costero como castigo por haber cometido "deslices". Sin embargo, un hecho violento hace que un experto en solucionar crisis vaya ahí enviado por la Iglesia, lo cual desestabiliza la rutina y crea tensión. El resultado final es una película que toca algunos puntos interesantes, pero con la cual es difícil establecer un lazo emocional o incluso humano.

Por el lado positivo, El Club aborda algunos provocativos y controversiales asuntos vinculados con la Iglesia católica, mientras que las excelentes actuaciones se encargan de dotar a los personajes de dimensión y matices (destacando al siempre brillante Alfredo Castro). La cinta nos permite contemplar puntos de vista contradictorios, pero, al mismo tiempo, cada personaje tiene un punto de vista diferente que nos permite analizar la situación por nuestra cuenta y sacar nuestras propias deducciones.

Por el otro lado, el director Pablo Larraín le brinda un tono tan oscuro y nihilista a todas las escenas que me distanció un poco, ya que eso elimina todo rastro de calidez o incluso de optimismo. A su vez, los personajes tienden a ser bastante desagradables, por lo que me costó entablar empatía con cualquiera de ellos a pesar del perfecto desempeño de los actores. Esos factores contribuyeron a cansarme un poco a lo largo de la experiencia, hasta culminar en un final que me dejó con ganas de más. Creo que le faltó un "último toque" a la experiencia para concluir de manera más contundente y memorable.

Creo que El Club comparte algunos problemas con Post Mortem (2010), la cual también fue dirigida por Larraín: ambas se meten en terreno que bordea lo escabroso, pero les falta un poco más de humanidad para compenetar emocionalmente del todo a la audiencia. Aún así, son experiencias desafiantes que valen la pena a pesar de no ser del todo satisfactorias, pero, dentro de la filmografía de Larraín, prefiero Neruda (2016), la cual es un cambio total del estilo mostrado en Post Mortem y El Club.

Infame (Infamous, 2006)

Reseña: Infame quedó opacada por haberse estrenado tan solo un año después de la aclamada Capote, en la cual también se examinó al célebre escritor Truman Capote y su inspiración para escribir A Sangre Fría, el libro que le dio mayor popularidad, aunque, paradójicamente, también inició una especie de debacle en su carrera. Personalmente, vi Capote hace mucho tiempo, y no recuerdo prácticamente nada de ella. Eso me permitió enfrentar Infame con ojos frescos, y evitando todo tipo de molestas comparaciones.

Quizás ese enfoque haya sido beneficial a fin de cuentas, porque, por sí sola, Infame me pareció una película interesante y soberbiamente actuada, que genuinamente indaga en sus personajes y sus particulares psicologías. Además del minucioso examen que ofrece de Capote, todos los demás personajes están retratados con ricos matices que los hacen complejos y difíciles de encasillar en fáciles etiquetas, desde Harper Lee, la mejor amiga del escritor (además de haber sido otra reconocida autora) hasta Perry Smith, uno de los dos asesinos que cometieron los crímenes que inspiraron A Sangre Fría, y con quien Capote terminó desarrollando una relación bastante cercana.

La actuación de Toby Jones como Capote es extraordinaria. Su trabajo de composición es sumamente detallado, pero nunca busca llamar la atención por sí mismo. Por el contrario, Jones logra integrarlo naturalmente a su expresivo desempeño, y el resultado final es que tenemos a un protagonista muy interesante con una amplia variedad de capas psicológicas que van decantando gradualmente. El trabajo del resto del elenco también es muy bueno, destacando a Daniel Craig como Smith y Jeff Daniels como el policía que dirige la investigación de los homicidios. Incluso Sandra Bullock (a quien generalmente no trago) sale bien parada con su desempeño como Harper.

Por el lado negativo, me molestaron un poco los momentos en los cuales vemos a personajes hablar a cámara sobre algunos puntos de los protagonistas y del relato. Salen sobrando porque no añaden nada a lo que ya estamos viendo en escena, y esa artificialidad me "sacó" un poco de la experiencia. Afortunadamente, no son muchas esas escenas, pero, aún así, rompen un poco el flujo de la película, que, por lo demás, está bien realizada y contada con eficiencia y un ritmo pausado pero nunca aburrido.

En conclusión, Infame me pareció una sólida película con excelentes actuaciones, un guion profundo y bien armado y la sobria dirección de Douglas McGrath. Todos esos aspectos se conjugan mutuamente para brindar una experiencia agridulce pero interesante y satisfactoria. Lástima que Infame se haya visto perjudicada por haber sido estrenada en el momento equivocado, ya que eso impidió que más personas puedan apreciar sus abundantes virtudes.

Rembrandt (2003)

Reseña: Uno de los sub-géneros más trillados es indudablemente el de las "heist movies" (léase películas sobre robos). Rembrandt no reinventa dicha fórmula ni resulta particularmente memorable, pero cuenta con suficiente energía, apropiados toques de humor y buenas actuaciones para hacerla entretenida a pesar de no ofrecer nada especial. En pocas palabras, la cinta resulta funcional para pasar el rato, y nada más.

Como ya se puede intuir desde el título, Rembrandt gira en torno a un cuadro del epónimo pintor que es robado. Sin embargo, esa no era la pintura que los ladrones pretendían robar, y ese malentendido les termina trayendo consecuencias cada vez más complicadas. El guion es bastante básico y no resiste mucho análisis; los co-guionistas Jannik Johansen y Anders Thomas Jensen no se preocuparon en desarrollarlo a fondo, y exigen que el espectador dé demasiados saltos de fe. Por el otro lado, agradezco que la película haya evitado la solemnidad de otras películas de este género, adoptando un tono ligero y ocasionalmente gracioso que no deja lugar para el aburrimiento.

Además, me gustaron las actuaciones. Lars Brygmann y Jakob Cedergren tienen una creíble química como padre e hijo ladrones (respectivamente), y generan empatía a pesar de las actividades delictivas de sus personajes. Nikolaj Coster-Waldau y Nicolas Bro brindan eficiente soporte como los otros dos miembros de la banda, y el resto del elenco quizás no tenga mucho para hacer, pero aún así, los intérpretes habitan sus roles con convicción y entusiasmo.

Francamente, no hay mucho más para decir. Puedo darle una mediana recomendación a Rembrandt porque me mantuvo entretenido escena por escena, aunque la haya olvidado al minutos después de haberla visto. Esta es una de esas cintas que no son malas, pero que tampoco dejan nada a largo plazo como para permanecer en el recuerdo del espectador. Aún así, no me arrepiento de haberla visto, y la prefiero antes que a otras "heist movies" realizadas con mayor parafernalia.