Eldorado (2008)

Reseña: Con una duración de 80 minutos (incluyendo créditos finales), Eldorado apenas califica como largometraje... y aún así se siente demasiado estirada. Tras unos primeros 15 minutos que parecen prometedores, la cinta se convierte en un divague absoluto, yendo de aquí para allá sin nunca encontrar un eje narrativo, por lo que la sensación final que queda es la de varias situaciones inconexas que fueron unidas entre sí sin ton ni son.

Es una lástima que eso suceda, porque las actuaciones de Bouli Lanners (quien también escribió y dirigió la película) y Fabrice Adde en los roles protagónicos son muy buenas, y ambos comparten una sólida química entre sí; me hubiera gustado ver sus desempeños actorales al servicio de un guión más satisfactorio.

Me temo que esta reseña me está quedando demasiado breve, pero Eldorado me pareció una película tan intrascendente y olvidable que no tengo mucho para decir. En mi humilde opinión, otra muestra de que hay algunas cintas a las cuales les queda demasiado grande ser largometrajes, cuando, en lugar de ello, podrían haber sido eficientes cortometrajes de 10 o 15 minutos.

Mi Nombre es Todo lo que Tengo (My Name is Joe, 1998)

Reseña: Mi Nombre es Todo lo que Tengo (¿Hacía falta asignarle un título tan aparatoso, cuando el original era tan sencillo y concreto?) tiene una primera parte bastante buena, en la que todo parecía indicar que estábamos ante un íntimo y emotivo drama con un personaje principal (un ex-alcohólico que trata de corregir algunas cosas en su vida) que crea inmediata empatía con el espectador. Hasta ese momento, Mi Nombre es Todo lo que Tengo me estaba pareciendo un relato sencillo pero efectivo, plagado de humanidad y corazón.

Lamentablemente, cuando llegamos a la parte media, se introduce un conflicto que parece injertado a la fuerza, y el sobrio tono del principio desaparece abruptamente con situaciones tiradas de los pelos que son la completa antítesis del creíble realismo que la película había cultivado previamente. Es una lástima que eso haya sucedido, porque la película me estaba gustando bastante, y ese repentino cambio me dejó un sabor amargo, por no mencionar que termina opacando varios méritos de la cinta.

Por el lado positivo, la actuación de Peter Mullan es extraordinaria de principio a fin. Es asombrosa su capacidad para hacer querible a su personaje de manera casi automática, y podemos deducir sus genuinas y sinceras emociones tan solo con sus sutiles expresiones. El resto del elenco también hace un buen trabajo, pero se ve un poco opacado por el tremendo trabajo de Mullan.

En conclusión, si Mi Nombre es Todo lo que Tengo hubiera mantenido el camino de su primera mitad, creo que podría haber sido una cinta poderosa y memorable. Pero, en su estado actual, sus logros se ven saboteados hasta cierto punto por una segunda mitad forzada y poco satisfactoria. De todas maneras, creo que la actuación de Mullan es tan buena que tan solo por él vale la pena darle una oportunidad a esta cinta.

Buffalo Soldiers (2001)

Reseña: Buffalo Soldiers intentó ser dos cosas al mismo tiempo: una sátira del mundo militar y un thriller sobre un grupo de soldados involucrado en actividades criminales. El problema es que, como sátira, no me pareció muy graciosa ni tiene nada particularmente revelador para decir; y como thriller, la trama no me resultó particularmente atrapante, además de que se torna ocasionalmente un poco confusa. El resultado final es una cinta que no me dejó muy satisfecho, aunque, por lo menos, no aburre y se deja ver con facilidad.

Como puede suponerse, Joaquin Phoenix brinda una sólida actuación en el rol principal, pero, por el otro lado, me costó crear empatía con su personaje. Eso no es una crítica al desempeño de Phoenix, sino al guión, el cual pinta al personaje de manera antipática y no muy agradable. Y, ya que me estoy quejando del guión, diré que padece algunos síntomas típicos de adapataciones de novelas, ya que algunos aspectos están observados muy por arriba, y no se profundiza en ellos lo suficiente.

En resumen, Buffalo Soldiers me pareció una película floja en muchos aspectos, aunque ofrece el nivel mínimo de entretenimiento para hacerla merecedora de una tenue recomendación. La idea central que dio origen a esta cinta (o, mejor dicho, a la novela en la cual se basó) ofrecía bastante potencial, pero, lamentablemente, Buffalo Soldiers se quedó corta, y la experiencia general me terminó dejando sabor a poco.

Last Night (1998)

Reseña: El enfoque que toma Last Night es indudablemente muy interesante: una película sobre el fin del mundo que no toma la forma de un mega-espectáculo repleto de efectos especiales, sino de un íntimo drama que retrata a un grupo de personas enfrentando sus últimas horas de vida antes de extinguirse.

La primera parte de la cinta establece muy bien la premisa, presentándonos interesantes personajes, sólidas actuaciones y un atractivo enfoque que logra salir de lo común. Sin embargo, la parte media se empantana un poco, tornándose un poco aburrida ya que no parecen haber grandes avances narrativos en lo que estamos viendo. Afortunadamente, esa floja parte media se compensa con la excelente conclusión, la cual alcanza inusitados niveles de emotividad y profundad, dejándonos con una sensación melancólica pero poderosa.

Lástima que la parte media no estuvo mejor pulida, ya que creo que, de esa manera, Last Night realmente podría haber sido una excelente película. No obstante, creo que hay suficientes elementos interesantes para hacer a Last Night merecedora de una recomendación, empezando por el novedoso punto de vista que adoptó el director y guionista Don McKellar (quien también interpreta uno de los roles protagónicos), mostrando al apocalipsis desde un punto de vista profundamente humano y emocional, en lugar de mostrarlo como un vacío espectáculo de destrucción y fastuosos efectos especiales.

Domicilio Desconocido (Suchwiin Bulmyeong, 2001)

Reseña: Al igual que otras películas escritas y dirigidas por Kim Ki-duk, Domicilio Desconocido retrata varias situaciones brutales y desesperanzadoras, pero con un cierto tono poético y hasta metafórico que les brinda una inusual fuerza. Eso es justamente lo que evita que sus cintas sean huecos muestrarios de sadismo, ya que terminan adquiriendo inesperados niveles de complejidad y lecturas. En otras palabras, Domicilio Desconocido es una cinta cruda y deprimente, pero vale la pena para aquellos espectadores en busca de una experiencia poderosa que deja un efecto duradero en el espectador.

La trama de Domicilio Desconocido se va dibujando gradualmente, presentándonos a múltiples personajes cuyas vidas irán convergiendo poco a poco. Eso provoca que la audiencia los conozca en profundidad, y vaya ganando una gradual inmersión en sus vidas y lo que los ocurre, hasta que finalmente podemos sentir la misma vorágine emocional que todos ellos van experimentando. Además, todos los actores hacen un sólido trabajo en sus roles, y la dirección de Kim se siente tan firme y segura como siempre.

En conclusión, Domicilio Desconocido es una película devastadora y con varias escenas que podrían desagradar a algunos espectadores. Eso quizás haga difícil recomendarla ampliamente, pero, como dije previamente, a mí me pareció una cinta arriesgada y admirable que indudablemente logra despertar emociones fuertes. Entre más cintas veo de Kim, más convencido estoy de que es un brillante cineasta que nunca toma el camino más fácil, y que sabe muy bien retratar crueldad de manera filosófica y profunda.

Love is Strange (2014)

Reseña: Love is Strange es la segunda película que he visto del director y guionista Ira Sachs (la primera fue Por Siempre Amigos -Little Men, 2016-), y aunque ambas son completamente diferentes en lo que respecta a sus tramas, tienen una característica en común: se enfocan en personas normales a quienes le pasan cosas cotidianas, y el enfoque realista que Sachs brinda como cineasta logra que el espectador logre identificarse fácilmente con lo que sucede en pantalla, y hasta llegar a preguntarse qué haría bajo circunstancias similares. En otras palabras, lo más atractivo de ambas películas es justamente su mundanidad.

Love is Strange tiene como personajes principales a una pareja de homosexuales, y cómo el despido del trabajo que uno de ellos sufre afecta sus vidas. Ambos resultan inmediatamente entrañables, y eso se debe en gran parte a las extraordinarias actuaciones de John Lithgow y Alfred Molina, quienes, además de su pefecto desempeño individual, también comparten una química tan buena entre sí que el espectador logra sentir la larga relación que une a sus personajes de manera inmediata.

La dirección de Sachs mantiene un tono discreto, pero muy efectivo, ya que no fuerza nada, y permite que el relato adquiera un tono sumamente natural que gradualmente logra compenetrar a la audiencia. El guión está bien escrito, ya que todo lo que ocurre en la historia se siente sumamente creíble y orgánico; mi única queja que tengo contra el libreto es que la parte media incluye algunos elementos innecesarios que no aportan mucho a la experiencia.

Afortunadamente, ese pequeño defecto se ve compensado con creces cuando llegamos al brillante final. Haciendo uso maestro del recurso narrativo de la elipsis, Sachs nos lleva a una conclusión que logra un potente efecto emocional, y lo más notable es que logra eso con buen gusto y una exquisita sutileza, sabiamente evitando la manipulación emocional en la que un cineasta menos talentoso seguramente hubiera caído. En conclusión, Love is Strange es una muy recomendable película que logra ser interesante sin apelar a clichés ni fórmulas narrativas, y emotiva sin apelar a ninguna cursilería ni sentimentalismo barato. Y con un final que funciona como genuina "cereza del postre.

Elementarteilchen (2006)

Reseña: Durante su primera mitad, Elementarteilchen me estaba encantando, ya que me parecía una experiencia rebosante de corrosivo y ácido humor negro, pero no por ello carente de profundidad narrativa y personajes plagados de matices. Y si bien la película nunca deja de ser entretenida e interesante, se vuelve un poco más "normal" durante su segunda mitad, abandonando la contagiosa e implacable energía previa para adoptar un tono más emocional. A fin de cuentas, Elementarteilchen es una buena película, y me gustó; sin embargo, la primera mitad parecía estar preparando el terreno para algo más memorable.

De todas maneras, indudablemente hay mucho para apreciar en Elementarteilchen, empezando por sus muy interesantes personajes, con quienes resulta muy fácil crear empatía debido a lo complejos y multi-dimensionales que se sienten. Los actores les hacen justicia con sus perfectos trabajos, destacando a Moritz Bleibtreu como el emocionalmente inestable Bruno, ya que tiene que manejar múltiples facetas, y lo logra con absoluta credibilidad. Finalmente, el director Oskar Roehler sabe mantener un ritmo ágil que envuelve rápidamente al espectador y ahuyenta todo rastro de aburrimiento.

Aunque la primera mitad de Elementarteilchen me hizo tener expectativas que la segunda mitad no logró cumplir, definitivamente disfruté esta inusual e impredecible cinta, que logra combinar comedia y drama de manera extraña pero satisfactoria, con el apoyo de un guión bien escrito, sólida dirección y excelentes actuaciones del elenco entero. Por todo ello, creo que Elementarteilchen gana con creces una merecida recomendación.

Submarine (2010)

Reseña: Mis expectativas antes de ver Submarine eran bajas, porque ya estoy un poco cansado de esas películas "indies" con personajes adolescentes, ya que suelen pecar de excesiva y forzada afectación, además de que suelen ser prácticamente intercambiables entre sí. Afortunadamente, Submarine resultó mejor de lo que esperaba, porque, aunque peque de algunos momentos algo afectados y preciosistas, logra ofrecer un cálido e interesante relato que encuentra un buen balance entre humor, melancolía y emotividad.

El director Richard Ayoade (más conocido como actor en algunos sitcoms británicos) mantiene un tono agradable y sincero que no deja el más mínimo lugar para el aburrimiento. El guión está basado en una novela, y ciertamente logró conservar un cierto aire literario, permitiéndonos ir conociendo a los personajes de manera gradual y profunda, aunque la narración termina teniendo una presencia algo excesiva, por lo que creo que podría haberse recortado un poco. Por último, tengo que mencionar las excelentes actuaciones del elenco entero, destacando a Craig Roberts, quien enfrenta con mucho éxito un personaje complejo y plagado de matices en el rol principal; Yasmin Paige, como la chica de la que él se enamora y le hace cambiar la perspectiva de algunas cosas de la vida; y Noah Taylor como el padre del protagonista, demostrando su asombrosa versatilidad al mostrar suma convicción en un personaje tierno y entrañable, que no tiene absolutamente nada que ver con la agresiva intensidad que este actor es capaz de transmitir (quienes lo hayan visto en la cinta Red, White & Blue -2010- sabrán de qué estoy hablando).

En conclusión, a pesar de mis bajas expectativas, terminé disfrutando Submarine, aunque, a largo plazo, no resultó experiencia muy memorable. De todas maneras, es una buena película, y amerita ser recomendada, principalmente porque, además de ofrecer un atractivo estilo, también posee suficiente sustancia narrativa para hacerla entretenida y emocional en igual medida.

Líbano (Lebanon, 2009)

Reseña: Líbano tomó un enfoque fascinante para retratar la guerra entre Israel y el Líbano allá por 1982. En lugar de presentarnos una visión épica de ese conflicto, nos muestra una faceta más íntima, enfocándose en unos pocos personajes que se encuentran dentro de un tanque de guerra. Sin embargo, eso no significa que la narrativa de la cinta se vea limitada; por el contrario, logra hacer muy certeros comentarios sobre la guerra, al mismo tiempo que podemos apreciar un apasionante relato que mantiene constante tensión y preocupación por el destino de los personajes, con quienes resulta muy fácil crear empatía.

El director Samuel Maoz logra una perfecta atmósfera de encierro y claustrofobia dentro de ese tanque de guerra, lo cual es parte esencial del gran efecto inmersivo que la cinta provoca en la audiencia. Los personajes se sienten sumamente humanos y creíbles, y los actores (entre los cuales se encuentra Itay Tiran, quien ya me había dejado muy buena impresión en la película Demon -2015-) hacen un trabajo brillante. Por último, no puedo dejar de mencionar el estilo crudo y realista con el cual Líbano fue realizado, el cual no tiene nada que ver con el artificio que solemos encontrar en el cine bélico hollywoodense, y hace que todo se sienta creíble y palpable.

En conclusión, Líbano es una excelente película, que maneja la narrativa y la tensión de manera tan precisa como certera. Además, fue refrescante finalmente encontrar una cinta bélica que logra mostrar las cosas desde un enfoque novedoso, menos grandilocuente de lo que estamos habituados a ver en este tipo de cine (y en mucho menos tiempo de lo usual, ya que dura solo 90 minutos, por lo que estamos ante una experiencia que va directo al grano, y que carece de todo relleno innecesario), y quizás por ello más intenso y devastador.

Mayhem (2017)

Reseña: Mayhem es una película que funciona mejor en concepto que en ejecución. La idea de realizar una sátira del mundo de las empresas envuelta en un paquete de película de terror era atractiva y novedosa, además de ofrecer amplio potencial de diversión y mordacidad. Sin embargo, Mayhem no logra ser realmente satisfactoria: como sátira, no es muy graciosa, principalmente porque el humor queda empañado por una trama excesivamente revuelta y confusa; y como cine de terror, genera indiferencia, ya que, a pesar de su abundante sangre, nunca genera tensión, mientras que los personajes son tan poco interesantes que no me importaba su destino.

Además, sentí al guión demasiado modular una vez que el caos se desata en la oficina (lo cual se debe a una infección del virus ID-7, el cual vuelve asesinos a todos los que se encuentran en ella); por momentos, la estructura era tan rígida que se acercaba peligrosamente a la de un videojuego: ir eliminando obstáculos para pasar al siguiente nivel. Como dije previamente, no logré crear empatía con ninguno de los personajes, pero, aún así, reconozco que el actor Steven Yeun hizo un buen esfuerzo en su rol. Por el otro lado, sentí a Samara Weaving algo irritante como su co-protagonista (por cierto, no sé por qué no pusieron en ese papel a la actriz Claire Dellamar -quien interpreta a una secretaria llamada Meg-, ya que, en su escaso tiempo en escena, demuestra mucho más talento histriónico y presencia escénica que Weaving).

En conclusión, Mayhem lamentablemente se quedó corta con respecto a todo lo que se podría haber hecho con su sólido concepto central, por lo que no podría recomendarla. En lo que respecta a "terror empresarial", prefiero la reciente cinta The Belko Experiment (2016), la cual contó con personajes más interesantes, mejor ritmo y una realización más "profesional" (la manufactura de Mayhem se siente demasiado "barata" en más de una ocasión).

Mundo Grúa (1999)

Reseña: Película clave en la formación del movimiento conocido como "Nuevo Cine Argentino", Mundo Grúa se enfoca en la vida cotidiana de un hombre de clase baja que trabaja como operador de grúas. Dicho así, no suena como una trama particularmente emocionante, pero la cinta logra ser interesante en la cotidianeidad de los hechos que retrata, los cuales resultan sumamente realista y creíbles. En otras palabras, una sólida "rebanada de vida", que logra hacernos compartir la vida del Rulo, un personaje principal que termina resultando entrañable y con el cual resulta fácil sentirse identificado.

La cinematografía en blanco y negro es un elemento esencial de Mundo Grúa, ya que le brinda una atmósfera muy particular y permite que el espectador logre sumergirse mejor en el mundo de la cinta. Sin desear ponerla en ese elevado pedestal, Mundo Grúa me recordó ocasionalmente a Extraños en el Paraíso (Stranger Than Paradise, 1984), aquella obra maestra de Jim Jarmusch. Además de haber sido fotografiadas en blanco y negro, ambas también nos permiten ser "voyeurs" en la vida cotidiana de personajes a los que resulta interesante seguir e ir descubriendo paulatinamente.

Por el lado negativo, debo decir que sentí una cierta pérdida de ritmo y enfoque narrativo durante el último acto de Mundo Grúa. Nunca se me tornó aburrida, pero se siente un poco estirada y redundante durante su último tramo. Pero, por lo demás, Mundo Grúa es indudablemente una buena película, y una muestra de cine independiente realizado con genuino talento que termina compensando en gran medida sus limitaciones económicas. Además, funciona como demostración de que hasta la historia más sencilla puede resultar atrapante si se encuentra la manera adecuada para contarla.

Cloud Atlas: La Red Invisible (Cloud Atlas, 2012)

Reseña: Uf... me va a costar trabajo escribir la reseña sobre Cloud Atlas: La Red Invisible. En primer lugar, porque esta una de esas cintas que deben ser experimentadas, en lugar de descriptas; y en segundo lugar, porque esta película me produjo reacciones dispares y contradictorias. En otras palabras, Cloud Atlas: La Red Invisible me pareció ocasionalmente fascinante; en otros momentos, la encontré cansada; a veces, me pareció profunda; y en otras ocasiones, me pareció excesivamente pretenciosa (particularmente cuando pretende ponerse "filosófica"). De todas maneras, es innegable que esta cinta ofrece una experiencia audaz e inusual que merece el apoyo de todos aquellos cinéfilos que busquen encontrarse con algo distinto.

Los co-directores Andy y Lana Wachowski y Tom Tykwer lograron conjurar un potente estilo visual, el cual genuinamente logra transportarnos al mundo de Cloud Atlas: La Red Invisible. Sin embargo, y continuando con las contradictorias sensaciones que me produjo esta película, hay varios momentos que la cinta se torna demasiado expositiva; creo que se podría haber recortado un poco las abundantes narraciones que escuchamos durante la experiencia, y de esa manera, dejar que las elocuentes imágenes hablaran por sí solas. Y ya que me estoy quejando, diré que el final de Cloud Atlas: La Red Invisible me dejó con ganas de un poco más; a pesar de durar casi tres horas, la sensación final que me quedó fue de una extraña incompletitud (o, mejor dicho, creo que faltó un remate más contundente para todo lo que habíamos visto anteriormente).

Cloud Atlas: La Red Invisible sigue múltiples historias ubicadas en diferentes períodos y lugares, y además de eso, tienen la particularidad de ofrecernos a los mismos actores interpretando diferentes personajes en cada una de ellas. Creo que el elenco hizo un buen trabajo, ya que Tom Hanks, Halle Berry, Hugh Grant, Doona Bae, Jim Sturgess, Ben Whishaw, Jim Broadbent y Hugo Weaving asumen con credibilidad los variados cambios de tono que los diferentes relatos adoptan.

A fin de cuentas, creo que Cloud Atlas: La Red Invisible no tuvo éxito total en lo que se propuso lograr, pero aún así, admiré la enorme ambición y épica visión de esta película, por lo que, en mi humilde opinión, la balanza cae del lado positivo. Siempre hay que apoyar este tipo de cine que toma riesgos y nos ofrece algo diferente, incluso si el resultado no es totalmente satisfactorio. Siempre será preferible una película que apuntó demasiado alto y se quedó corta de ese objetivo, que otra que no aspiró a nada y se quedó en la fácil y segura mediocridad.

La Estafa de los Logan (Logan Lucky, 2017)

Reseña: El principal problema de las películas sobre robos (también conocidas como "heist movies") es que suelen caer en las mismas fórmulas y estructuras, lo cual las hace generalmente predecibles y rutinarias. Desafortunadamente, ese es el caso de La Estafa de los Logan, la cual, a pesar de ofrecer algunos atributos, la encontré demasiado derivativa para sentir genuino entusiasmo por ella. También cabe aclarar que esta cinta fue encarada en tono de comedia... lamentablemente, debo decir que tampoco la encontré muy graciosa ni particularmente simpática.

A pesar de todas esas quejas, La Estafa de los Logan se deja ver, principalmente porque el director Steven Soderbergh sabe mantener un buen ritmo y una atractiva presentación visual incluso con un guión flojo como el de esta película. Además, las actuaciones también me parecieron buenas (aunque sentí algo desperdiciado al gran Adam Driver), destacando a Daniel Craig, completamente creíble en un rol que no tiene absolutamente nada que ver con James Bond (ojalá lo viéramos más seguido actuando fuera de esa franquicia).

Sin embargo, y como dije previamente, me cuesta sentir verdadero entusiasmo ante La Estafa de los Logan, por lo que no siento que pueda recomendarla, sobre todo cuando hay muchas "heist movies" que fueron inmensamente superiores a esta (sin ir más lejos, este año pudimos disfrutar de la estupenda Baby Driver). En resumen, no puedo decir que sea una mala película, pero la encontré olvidable y poco satisfactoria.

La Posesión de Verónica (Verónica, 2017)

Reseña: La Posesión de Verónica (por alguna razón, los distribuidores argentinos decidieron alargar el título de esta película española) contiene muchos elementos típicos del cine de terror sobre espíritus y posesión demoníaca, por lo que varios elementos de su guión (basado en hechos reales, por cierto) dejan una cierta sensación de "deja vu". Quizás por eso, la primera mitad de La Posesión de Verónica no me estaba resultando particularmente atrapante, pero, afortunadamente, la experiencia mejora bastante durante la segunda mitad, en donde la implacable dirección de Paco Plaza gana abundante ritmo hasta llevarnos a una conclusión tensa y adrenalínica.

Por el lado negativo, creo que el guión descuidó un poco el desarrollo del personaje principal, ya que nunca logra crear verdadera empatía con la audiencia, y eso se debe a que el relato no nos permite conocer lo suficiente sobre ella. Afortunadamente, la excelente actuación de Sandra Escacena (haciendo un muy promisorio debut actoral) logra contrarrestar ese defecto hasta cierto punto, pero, de todas maneras, me pareció la principal debilidad de esta película.

A pesar de mis quejas, La Posesión de Verónica jamás me aburrió, y me mantuvo atento de principio a fin... aunque en ningún momento me pareció una experiencia particularmente apasionante ni escalofriante, lo cual la hizo rápidamente olvidable en mi experiencia personal. A pesar de ello, creo que sus atributos (principalmente la actuación de Escacena y la segunda mitad) son lo suficientemente buenos para hacerla meritoria de una mediana recomendación, además de ofrecer una competente alternativa al cine de terror sobrenatural que Hollywood habitualmente monopoliza.

68 Kill (2017)

Reseña: 68 Kill es una película dividida en tres partes bien diferenciadas. En la primera, se establece la premisa inicial (el protagonista está de novio con una "femme fatale" que lo convence de participar en el robo de 68.000 dólares), e inicialmente me molestó un poco la falta de verosimilitud y consistencia en algunos elementos de dicha premisa, pero eventualmente comprendí que 68 Kill no pretendía ser un thriller "serio" y realista, sino una negrísima comedia plagada de violencia, sordidez y sensualidad. La segunda parte se desencadena con la ocurrencia de algunos eventos inesperados, pero fue la que menos me gustó, ya que, si bien no se torna jamás aburrida, pierde un poco de ritmo y emoción. Afortunadamente, esos problemas quedan compensados hasta cierto punto cuando llegamos a la tercera parte, en la cual nos encontramos con giros narrativos tan bizarros como inesperados así como también deliciosos momentos "gore".

A fin de cuentas, el balance general cae del lado positivo, ya que, sin ser algo particularmente notable, 68 Kill indudablemente logró ser una divertida experiencia que logra hacer reír con sus delirantes situaciones, así como también mantener el interés del espectador a base de un guión que siempre termina tomando las tangentes menos esperadas. Matthew Gray Gubler hace un buen trabajo en el papel protagónico, transmitiendo la docilidad de su personaje con convicción y creando empatía con la audiencia. Y ya que estoy hablando de actuaciones, no puedo dejar de mencionar la presencia femenina, la cual es muy importante para el tapiz narrativo de 68 Kill. AnnaLynne McCord (como la mencionada novia) y Sheila Vand (en un rol del cual no conviene adelantar nada) brindan perfectas actuaciones, encontrando un preciso balance entre locura y genuinas emociones; por el otro lado, Alisha Boe (en un papel del cual tampoco conviene decir nada) se siente demasiado insulsa en su rol, el cual creo que hubiera ganado mucho con una actriz más sólida y con presencia más fuerte.

A fin de cuentas, 68 Kill dista mucho de ser una gran película, y no es una experiencia muy memorable a largo plazo. Pero no puedo negar que me divertí mientras la veía, y creo que es una cinta apropiada para relajarse y simplemente dejarse llevar por sus senderos de sangre, sexo y humor negro, sin esperar particular profundidad narrativa ni mucho menos sutileza. Ojalá el director y guionista Trent Haaga vuelva a incursionar en este tipo de cine "grindhouse" en el futuro, ya que ha demostrado buena mano para este tipo de material en 68 Kill.

Fuera de Satán (Hors Satan, 2011)

Reseña: Fuera de Satán se siente como una pesadilla de la cual no podemos despertar. Las locaciones, los rostros de los actores, la enrarecida atmósfera conjurada por el director Bruno Dumont... todo parece sacado de una pesadilla en la que podemos sentir que algo horrible está por suceder, y no podemos hacer nada para evitarlo. Esta es una cinta con escasos diálogos, y quizás decepciones a aquellos espectadores que busquen un relato contado de manera convencional... pero creo que vale la pena para aquellos cinéfilos que estén con ganas de adentrarse en terreno tan inusual como macabro.

Si bien Fuera de Satán es una película de pocos diálogos, es muy interesante la manera en la cual Dumont trabaja con las imágenes, de manera tal que ellas mismas las encargadas de transmitirnos todo lo que necesitamos saber. El lenguaje visual, las transiciones entre escenas y las elipsis están manejadas de manera natural y eficiente, por lo que la decisión de mantener los diálogos al mínimo fue sabia, porque hubieran salido sobrando. Por el lado negativo, la languidez empleada por Dumont se siente algo excesiva en algunas ocasiones; entiendo que ese es el ritmo precisamente buscado, y generalmente cumple con el objetivo de sumergir al espectador en la experiencia, pero hay algunos momentos que se acercan peligrosamente al aburrimiento.

Aún así, Fuera de Satán me pareció una experiencia interesante en el balance general, principalmente porque no es habitual encontrarse con una cinta tan extraña y enigmática como esta, pero que al mismo tiempo se siente cuidadosamente armada y precisamente ejecutada. Como dije anteriormente, esta no es una película que será para todos los paladares, pero puedo recomendarla con confianza para aquellos que generalmente aprecien este tipo de cine que está más interesado en plantear inquietantes preguntas que en brindar fáciles respuestas.

Vivir y Morir en Los Ángeles (To Live and Die in L.A., 1985)

Reseña: A pesar de ser una película adorada de manera casi unánime, la primera mitad de Vivir y Morir en Los Ángeles no me estaba entusiasmando mucho. Me estaba pareciendo demasiado genérica y plagada de clichés, además de que los personajes principales del lado de los "buenos" no me parecían particularmente interesantes, lo cual estaba exacerbado por las insulsas actuaciones de William L. Petersen y John Pankow en esos roles.

Afortunadamente, Vivir y Morir en Los Ángeles mejora considerablemente durante la segunda mitad, cuando el guión realiza algunos giros interesantes que le agregan una cierta cuota de imprevisibilidad a la experiencia, hasta culminar en un final satisfactorio. Además, hay una particular persecución que me pareció muy bien filmada (en mi humilde opinión, es muy superior a muchas escenas de ese tipo que se ven en la actualidad). Y si bien las actuaciones de Petersen y Pankow se mantienen igual de mediocres a lo largo de toda la cinta, eso se ve compensado hasta cierto punto por el excelente trabajo de Willem Dafoe como el villano.

En resumen, no me pondría entre los múltiples admiradores de Vivir y Morir en Los Ángeles, pero la segunda mitad compensó en buena medida los reparos que tenía durante la primera, y la experiencia final me pareció lo suficientemente entretenida para hacerla merecedora de una recomendación... siempre y cuando tengan tolerancia hacia la "ochentosidad" extrema que exuda cada cuadro de esta película.

The Happiest Girl in the World (Cea mai Fericitã Fatã din Lume, 2009)

Reseña: The Happiest Girl in the World (por cuestiones prácticas, me referiré a esta película rumana mediante su título en inglés) es una comedia negra tan sutil como atinada, que logra hacer interesantes comentarios sobre el dinero, la codicia y las relaciones familiares. The Happiest Girl in the World parte de una premisa sencilla (una joven viaja a Bucarest con sus padres para recibir un premio en forma de auto y grabar el comercial para celebrarlo), pero, eventualmente, el relato va tomando múltiples connotaciones y niveles que hacen que la cinta ofrezca un cierto nivel de profundidad, además de también ser entretenida y graciosa.

Otra cosa que ayuda mucho a la experiencia es que está contada en "tiempo real". Eso hace que el espectador sienta de manera muy palpable las experiencias de los personajes, y se sumerja inmediatamente en el relato (esta estrategia también fue muy bien utilizada en otra película del director Radu Jude, la maravillosa Toată Lumea din Familia Noastră -2012-). Además, no puedo dejar de mencionar las extraordinarias actuaciones del elenco entero; al igual que en la mayoría de las cintas rumanas que he visto, los intérpretes se sienten tan naturales y espontáneos que resulta muy fácil aceptar a los personajes como genuinos seres humanos atravesando una serie de dilemas.

A fin de cuentas, no diría que The Happiest Girl in the World es una película particularmente excepcional, pero indudablemente logra entretener y dejarnos pensando, por lo que puedo recomendarla con confianza como una experiencia que se disfruta y también tiene sustancia para ofrecer. En resumen, otra buena muestra de cine rumano, que quizás no sea tan buena como otras de esa nacionalidad (por ejemplo, Aquel Martes Después de Navidad -Marti, după Crăciun, 2010- o la previamente mencionada Toată Lumea din Familia Noastră), pero que indudablemente tiene bastante para ofrecer al espectador.

Perro que Ladra no Muerde (Flandersui Gae, 2000)

Reseña: Perro que Ladra no Muerde es un buen ejemplo de una película que hubiera funcionado mucho mejor como cortometraje. En ese formato, hubiera sido una experiencia simpática y eficaz; pero, extendida a largometraje, se siente demasiado estirada, con un guión que divaga demasiado y, luego de los primeros 15 o 20 minutos, muestra dificultades en mantener un hilo narrativo. En consecuencia, la película termina cansando un poco, principalmente porque se toma demasiado tiempo para contar tan poco.

Es una lástima que eso haya ocurrido, porque Perro que Ladra no Muerde me estaba pareciendo muy promisoria durante sus primeros minutos. Lamentablemente, luego se empantana con momentos repetitivos o irrelevantes que estiran innecesariamente la duración (la cual se termina extendiendo hasta los 110 minutos). Y si bien el final tiene un buen punto, creo que no hacían falta tantas vueltas y rodeos innecesarios para llegar a un destino que ya era previsible desde mucho antes.

Entonces, Perro que Ladra no Muerde podría haber sido un excelente cortometraje, pero, estirado para ser una cinta, me pareció demasiado larga, ocasionalmente cansada y no muy satisfactoria. De todas maneras, creo que puede servir como buena lección para otros cineastas: lo que puede funcionar muy bien en un lapso corto tiempo no necesariamente significa que pueda funcionar de igual manera extendido a largometraje.

Good Time (2017)

Reseña: La mejor parte de Good Kill es su primera mitad, ya que los co-directores Josh y Benny Safdie le brindan a las escenas la misma intensa visceralidad que distinguió su película previa, Heaven Knows What (2014). Sobra decir que ese estilo resulta sumamente inmersivo para el espectador, ya que, en el caso de Good Time, uno se siente en compañía de los personajes, ya sea durante el robo al banco o los inesperados contratiempos que surgen posteriormente. Además, el guión también muestra bastante eficiencia durante esa primera mitad, ya que cuenta la historia de manera directa y sin rellenos innecesarios, yendo directo al grano sin distraerse con ningún elemento superfluo.

Sin embargo, durante la segunda mitad, empiezan a surgir los problemas de Good Time. Lamentablemente, a partir de ese punto, el guión implementa coincidencias y elementos forzados que le restan verosimilitud al relato, y, en consecuencia, lo que vemos ya no se siente tan realista y se pierde el efecto inmersivo que los hermanos Safdie tan bien saben crear como directores. Además, si bien la actuación de Robert Pattinson en esta cinta ha sido muy aclamada, a mí no me convenció mucho; no puedo decir que sea mala tampoco, pero no proyecta el suficiente carisma ni presencia como para crear una conexión emocional con el espectador, por lo que me terminó resultando indiferente saber si su personaje iba a triunfar o fracasar.

A fin de cuentas, Good Time logra ser siempre entretenida, aunque el trabajo de Pattinson y las flaquezas del guión durante la segunda mitad impidieron que la experiencia me dejara totalmente satisfecho. Aún así, merece una recomendación como un thriller competente, aunque olvidable. De todas maneras, espero que los Safdie sigan aplicando su característica visceralidad a más películas "de género"; solo queda esperar que, si deciden hacerlo, lo hagan con guiones mejor pulidos que el de Good Time.

Buffalo '66 (1998)

Reseña:  Buffalo '66 fue el debut como director del actor Vincent Gallo, y adolece de un vicio común de muchas óperas primas: la auto-indulgencia. En otras palabras, Gallo estuvo tan enamorado de su propia cinta que no quiso dejar ni un segundo de ella afuera, y, si bien la experiencia nunca se tornó aburrida en este caso, hay demasiadas escenas que se extienden más de lo necesario, subrayando una y otra vez lo que ya había quedado claro mucho antes (por ejemplo, la visita a los padres del protagonista: ya se entendió durante los primeros 5 minutos que los vemos que son disfuncionales; ¿Hacía falta recalcar ese punto una y otra vez?)

Además, el trabajo de Gallo como director me pareció bastante plano, ya que no demuesta un particular estilo visual, y su manejo de cámaras se siente demasiado "estático". También tengo algunas objeciones contra su actuación en el rol protagónico; no es mala, pero ese rol necesitaba a un actor más cálido y entrañable que Gallo, quien posee una inherente intensidad (la cual se aprovechó muy bien en la película Trouble Every Day -2001-) que no era lo que ese personaje necesitaba. Afortunadamente, por el otro lado, Gallo logró extraer sólidas actuaciones de Christina Ricci, Anjelica Huston y el fallecido Ben Gazzara.

En resumen, debo decir que Buffalo '66 me pareció una experiencia agradable... aunque inmediatamente olvidable. El guión está bien escrito y me mantuvo atento, pero, a fin de cuentas, me pareció demasiado simple, y la dirección de Gallo no aportó nada particularmente destacable como para elevar el relato y dejarnos algo que permanezca en la memoria. De todas maneras, me hizo pasar un rato ameno, por lo que creo que puedo darle una tibia recomendación.

Yes (2004)

Reseña: Yes es una película única. Tanto su estilo visual como narrativo son tan extraños y distintivos como atrapantes, y no se parecen a ninguna otra cosa que yo haya visto en cualquier otra cinta. Es cierto que esta película requiere una cierta entrega y predisposición por parte del espectador, pero quienes acepten ingresar al "juego", serán gratamente recompensados con una experiencia audaz y fascinante que examina una gran variedad de apasionantes temas (por ejemplo, la religión, el comunismo y hasta la vida misma) de manera natural, por lo que nunca sentimos que estamos siendo sermoneados ni nada por el estilo.

Yes es una cinta que se apoya mucho en los diálogos (los cuales, por cierto, están escritos haciendo rima, siguiendo el "pentámetro yámbico"), pero la directora Sally Potter es lo suficientemente inteligente como para no permitir que la película completa dependiera pura y exclusivamente de ellos; por el contrario, empleó un hipnótico estilo visual que le brinda a la experiencia un aire simultáneamente onírico y realista que funciona como un sólido complemento de los profundos diálogos. Hablando de profundidad, esa es otra de las principales virtudes de Yes, ya que las múltiples capas del guión permiten una amplia variedad de interpretaciones.

En conclusión, Yes es una de las pocas películas que genuinamente pueden ser consideradas "inteligentes", ya que utiliza un relato íntimo para analizar temas complejos y finalmente alcanzar connotaciones inesperadas. Además, es una muestra de que es perfectamente posible realizar cine experimental que resulte interesante y entretenido. En pocas palabras, la recomiendo con entusiasmo, principalmente por sus excelentes actuaciones (por cierto, el actor Simon Abkarian debería ser más conocido, ya que demuestra abundante talento y carisma en el rol co-protagónico que interpreta en esta cinta), así como también su brillante guión y la hipnótica e innovadora manera mediante la cual la dirección de Potter lo tradujo en imágenes.

Heli (2013)

Reseña: La primera mitad de Heli me pareció excelente, ya que logró establecer una trama atrapante y personajes interesantes, además de que el director Amat Escalante logró conjurar una escena en particular que es realmente perturbadora e impactante (en serio, hacía rato que una cinta no me mostraba una escena que me hiciera sentir tan mal que me dieran ganas de mirar para otro lado). Lamentablemente, durante la segunda mitad, el guión se va quedando sin combustible hasta llegar a un final demasiado abrupto, por lo que la experiencia completa no me dejó del todo satisfecho.

Eso no significa que la segunda mitad de Heli sea mala. Por el contrario, la película jamás se torna aburrida y siempre logró mantenerme atento. El problema es que, en ese punto, el guión no hace grandes avances y parece estancarse un poco con escenas redundantes o innecesarias. Además, el final me pareció extrañamente truncado; se siente más como una interrupción que como una genuina conclusión del relato. Aún así, no se puede negar la potente visión de Escalante como director ni las perfectas actuaciones del elenco entero.

En conclusión, Heli comenzó una primera mitad brillante, pero la segunda resultó una desilusión, y no estuvo a la altura de las elevadas expectativas que la experiencia había establecido previamente, por lo que el sabor final que me quedó fue medianamente amargo. De todas maneras, a pesar de eso, me pareció una interesante cinta, y creo que vale la pena apoyar este tipo de cine que puede gustar más o menos, pero que indudablemente logra despertar emociones fuertes en el espectador.

Reprise (2006)

Reseña: El director Joachim Trier me dejó muy buena impresión con Oslo, 31. August (2011), un drama que logró ser tan sutil como poderoso y devastador. Por eso, tenía buenas expectativas antes de ver Reprise , y si bien no me pareció tan buena como Oslo, 31. August, logré confirmar que Trier es un cineasta talentoso que sabe crear experiencias interesantes y provocativas.

Una virtud que Reprise comparte con Oslo, 31. August es su capacidad para crear personajes que se sienten profundamente humanos y realistas. En otras palabras, terminamos olvidando que estamos viendo personajes de una película para sentirlos como seres humanos completamente palpables, que atraviesan emociones y circunstancias con las cuales es fácil sentirse identificado. Además, aunque generalmente me molesta la presencia de un narrador durante una cinta, me pareció muy bien implementada en el caso de Reprise, ya que no está de manera arbitraria, sino que funciona como un genuino auxiliar narrativo que permite agilizar el relato y profundizar en algunos de sus temas.

Por el lado negativo, creo que Reprise dura más de lo que debería. Durante su último tramo, ya empezó a ponerse un poco cansada, con algunos momentos (como el de la fiesta) que se sienten irrelevantes y no aportan nada sustancioso a la experiencia. Y bueno, quizás no sea justo hablar de Reprise comparándola con otra película, pero, en este caso, no puedo evitarlo porque fue parte esencial de mis expectativas: si bien me pareció una buena cinta con excelentes actuaciones y sólida dirección, siento que le faltó esa potencia emocional que hizo que Oslo, 31. August permaneciera en mi recuerdo; por el contrario, Reprise carece un elemento tan contundente como para hacer que genuinamente perdure en mi memoria a largo plazo, aunque eso no me impide recomendarla, ya que tiene muchas virtudes (también me gustaría hacer mención de la ingeniosa manera mediante la cual el guión va jugando con las cronologías) que merecen ser apreciadas.

Shara (Sharasôju, 2003)

Reseña: Shara empieza con una escena excelente, ya que, prácticamente sin palabras, logra establecer una atmósfera sugestiva y misteriosa, así como también la promesa de que la cinta nos introducirá a un mundo tan particular como seductor. Desafortunadamente, luego de ese brillante inicio, la experiencia se torna generalmente aburrida, con algún que otro buen momento que no logra compensar la excesiva parsimonia general y la falta de un arco narrativo lo suficientemente sólido.

Antes de que se malinterpreten las cosas, quiero aclarar que yo no estoy en contra de que una película decida adoptar un ritmo parsimonioso... siempre y cuando haya una justificación para ello y funcione como un auténtico respaldo de la experiencia. Sin embargo, en esta ocasión, no logra aportar nada ese estilo, y termina fastidiando rápidamente, ya que tenemos un guión demasiado vacío exacerbado por una lentitud que se traduce en tedio.

Como dije previamente, hay algunos buenos momentos metidos entre tanto aburrimiento, pero son demasiado escasos, y termina dando pena que se hayan quedado sin suficiente exploración. Sé que Shara fue una película adorada por muchos críticos de cine; quizás yo no estaba en el estado de ánimo adecuado para apreciar sus virtudes. Pero, en mi experiencia personal, no me gustó, y sentí que perdí mi tiempo. Si quieren ver cine contemplativo, pero bien hecho, les recomiendo otras dos cintas asiáticas: Primavera, Verano, Otoño, Invierno... y Otra Vez Primavera (Bom Yeoreum Gaeul Gyeoul Geurigo Bom, 2003) y Flores de Fuego (Hana-bi, 1997).

Brimstone (2016)

Reseña: Brimstone es una película que dista mucho de ser perfecta,  pero no se puede negar que es una cinta ambiciosa que cuenta una historia íntima de manera épica y grandilocuente, y eso la hace merecedora de respeto. El director y guionista Martin Koolhoven no le teme a absolutamente nada... ni siquiera al rídiculo, y eso es lo que hace que esta sea una experiencia atípica e inusual, aunque no del todo satisfactoria.

Brimstone cuenta una historia repleta de crueldad y tristeza, pero, por alguna razón, se termina sintiendo curiosamente fría y distante. A pesar de todo el sufrimiento y las atrocidades en las cuales se ven envueltos los personajes, nunca logré sentir una conexión emocional lo suficientemente intensa y palpable con lo que ocurría en la pantalla, y eso terminó reduciendo el impacto de la película.

De todas maneras, indudablemente hay mucho que apreciar en esta cinta, empezando por las maravillosas actuaciones del elenco entero. Guy Pearce logra ser genuinamente repulsivo como el villano, y realmente termina logrando que el espectador le sienta odio, mientras que Dakota Fanning resulta sumamente expresiva en su rol, ya que tan solo con su triste mirada podemos percibir todo el sufrimiento que su personaje alberga dentro suyo. Y aunque no sean tan famosos como Pearce o Fanning, las tremendas actuaciones de Emilia Jones, Carice van Houten, Jack Hollington y Carla Juri son igualmente merecedoras de aplauso. En resumen, un perfecto ensamble actoral en donde no hay ni un solo eslabón débil.

Por lo demás, Koolhoven mantiene un buen ritmo, el cual nunca decae a pesar de que la cinta dura casi dos horas y media, además de que admiro su ambición de haberse arriesgado con un proyecto tan inusual como este. Los aspectos técnicos se sienten sumamente pulidos y cuidados, y el guión está construido de manera interesante, ya que, de manera gradual, va revelando sus múltiples connotaciones y su precisa construcción.

En conclusión, Brimstone es una buena película, pero su "talón de Aquiles" es su frialdad emocional, lo cual me impide sentir tanto entusiasmo por ella como sus múltiples atributos ameritarían. Aún así, indudablemente merece ser vista por aquellos cinéfilos que no teman probar algo inusual, que no encaja fácilmente en ningún género ni fórmula... siempre y cuando no sean muy sensibles, ya que Brimstone está llena de escenas y conceptos desagradables que podrían ofender a algunos espectadores.

Barry Seal: Solo en América (American Made, 2017)

Reseña: Basada en la descabellada historia real de un piloto de aviones que terminó trabajando para la CIA y para traficantes de droga desde fines de los '70 hasta mediados de los '80, Barry Seal: Solo en América logra ser una entretenida experiencia cuyos principales atributos son su ritmo, dinámico pero sin por ello apresurar el relato, y el agradable sentido del humor que funciona como un apropiado remate de las delirantes situaciones en las cuales el protagonista se ve involucrado.

Y, bueno, ya que estoy hablando de las virtudes, no puedo dejar de mencionar la presencia de Tom Cruise en el rol protagónico, quien nuevamente proyecta su gran carisma y magnética presencia. A pesar de que el epónimo Barry Seal termina envuelto en actividades delictivas, el espectador quiere verlo salirse con la suya, y eso se debe en gran medida al trabajo de Cruise. El guión también es digno de mención, ya que mantiene la historia clara y fácil de seguir, además de que va al grano y no se pierde en elementos irrelevantes, lo cual es una falla común en muchas cintas basadas en hechos reales.

Mientras veía Barry Seal: Solo en América, ocasionalmente recordé El Lobo de Wall Street (The Wolf of Wall Street, 2013), ya que ambas contaron eventos verídicos con mucho humor y un personaje central tan amoral como querible. A decir verdad, Barry Seal: Solo en América no me pareció tan buena como El Lobo de Wall Street, principalmente porque el director Doug Liman no tiene la mano maestra de Martin Scorsese, pero eso no me impide recomendarla como una experiencia interesante y entretenida que quizás no sea muy memorable, pero que indudablemente cumple con su objetivo de hacernos pasar un buen rato.

The Hole: En lo Profundo (The Hole, 2001)

Reseña: Al principio, me pareció extraño que The Hole: En lo Profundo empezara por el final para luego ir revelando la historia a través de "flashbacks"; me parecía que, de esa manera, la cinta estaba extinguiendo todo el suspenso que podía ir generando. Afortunadamente, estaba equivocado, y esa decisión de empezar por el final fue una astuta maniobra del guión, el cual, contra toda expectativa, termina siendo impredecible de manera constante hasta culminar en un final satisfactorio y bien planeado.

Conviene no saber nada sobre la trama de The Hole: En lo Profundo antes de verla, porque, de esa manera, se puede apreciar mejor la cuidadosa manera mediante la cual se construyó el guión (basado en una novela), el cual nos va gradualmente involucrando en el relato. El director Nick Hamm mantiene un estilo sobrio, pero apropiado para mantener el flujo narrativo, y las actuaciones son bastante buenas, particularmente la de Thora Birch (es una lástima que la carrera de esta intérprete no haya prosperado mucho, porque su trabajo en The Hole: En lo Profundo es una buena muestra de los múltiples matices y emociones que sabe manejar).

A pesar de tantos halagos, debo decir que la experiencia general de The Hole: En lo Profundo carece del impacto o la contundencia necesarios para hacerla genuinamente memorable; se disfruta mientras se la ve, pero no ofrece mucho en el largo plazo. De todas maneras, eso no me impide recomendarla como un ingenioso y entretenido thriller que logra atrapar a la audiencia y llevarla por los caminos menos esperados.

Las Maravillas (Le Meraviglie, 2014)

Reseña: Las Maravillas es una de esas películas que genuinamente logran sumergirnos en un mundo (en este caso, la vida de una familia de apicultores en Toscana); uno se se siente en compañía de los personajes, y hasta termina sintiendo el olor de los lugares en los cuales ellos están. En resumen, una experiencia interesante, realizada con visión, atmósfera y una distintiva personalidad.

Sin embargo, ello no significa que la cinta sea perfecta. Por el contrario, siento que se extiende más de lo necesario, particularmente durante la segunda mitad, donde nos encontramos con momentos irrelevantes que no aportan nada sustancioso a la película y terminan cansando un poco. Creo que, con una mayor condensación del guión, hubiéramos tenido una cinta más compacta, sin esos momentos que distraen innecesariamente de la narrativa principal y la terminan diluyendo un poco.

De todas maneras, el balance general me pareció indudablemente positivo, por lo que recomiendo Las Maravillas como una película que logra mantener el interés en base principalmente a su lenguaje visual y la facilidad de la directora Alice Rohrwacher para crear atmósfera. Ah, y no quiero dejar de mencionar las sólidas actuaciones de todas las niñas y de Sam Louwyck como su padre (como la madre, Alba Rohrwacher -hermana de la directora- no tiene mucho para hacer). En resumen, una experiencia que dista de ser perfecta, pero que fue realizada con talento y visión.

Young Adam (2003)

Reseña: Young Adam empieza de manera bastante interesante, estableciendo un sólido misterio y una atmósfera claustrofóbica y asfixiante muy bien lograda. Lamentablemente, la cinta va decayendo eventualmente, ya que el guión (basado en una novela) se torna demasiado disperso, perdiendo el foco narrativo a tal punto que cuesta determinar qué es lo que la película pretende contar: ¿Un thriller sobre una mujer que apareció muerta flotando en el río? ¿Un drama erótico sobre la relación que se forja entre el protagonista y la dueña de la barcaza donde él trabaja? ¿Un estudio psicológico sobre un personaje atormentado por la culpa y el arrepentimiento? A fin de cuentas, el guión termina divagando entre todas esas tangentes, sin comprometerse de lleno con ninguna, y eso dificultó mi inmersión en el relato.

Esas fallas quizás se deban a una deficiente adaptación de la novela original, ya que muchas películas basadas en libros cometen el error de condensar muchas líneas narrativas sin lograr integrarlas en un relato fluido donde ellas se complementen mutuamente. Y en el caso de Young Adam, eso resulta particularmente frustrante, ya que se atisban muchos temas interesantes que son rápidamente pasados de largo, y nunca se les permite respirar y recibir el tratamiento que merecerían.

Aún así, las actuaciones del elenco entero, la apropiadamente gris cinematografía y la dirección de David Mackenzie son suficientemente buenas para hacer que Young Adam se siga con mediano interés y nunca aburra, por lo que puedo darle una tibia recomendación, enfatizando nuevamente que el guión necesitaba una mejor pulida, o, al menos, un hilo narrativo que estuviera mejor construido. Ah, y dicho sea de paso, debo confesar que no tengo la menor idea de por qué esta cinta se titula "Young Adam", ya que no hay ningún personaje llamado Adam en toda la película. Misterio.

Brillo de Luna (Luna Papa, 1999)

Reseña: Enfocándose en una joven que va en busca (junto a su hermano y su padre) de un misterioso actor que la dejó embarazada una noche, Brillo de Luna es una comedia que se mete de lleno en un humor absurdista y bizarro... pero que, lamentablemente, no me pareció muy graciosa. Los intentos de humor son casi constantes, pero yo reí en muy pocas ocasiones, lo cual resulto doblemente frustrante en vista de que Brillo de Luna indudablemente tiene varios atributos. Lástima, que, al ser una comedia, haya fallado en el punto más importante: hacer reír (al menos en mi caso; este quizás sea el género cinematográfico más subjetivo).

Entre los virtudes de Brillo de Luna, puedo mencionar la distintiva personalidad de la cinta; el fluido ritmo que lleva (aunque la duración se extienda un poco más de lo necesario); y las actuaciones del elenco entero, particularmente Chulpan Khamatova, luminosa y carismática en el rol principal, Moritz Bleibtreu, perfecto como el hermano con pocas luces de ella, y el fallecido Ato Mukhamedzhanov, simultáneamente querible e insoportable como el padre de ambos. En cuanto a la intencionalmente barata manufactura de Brillo de Luna, estoy indeciso; ocasionalmente, contribuye al estilo de la cinta, pero, en otros momentos, la acerca peligrosamente a terreno casi amateur.

Entonces, a pesar de algunas virtudes, Brillo de Luna me pareció muy poco graciosa como comedia, y, en consecuencia, no me dejó satisfecho. Como mejor alternativa a esta cinta, recomiendo Gato Negro, Gato Blanco (Crna Mačka, Beli Mačor, 1998), la cual también contó con un sentido del humor desquiciado y aspaventoso, pero me pareció genuinamente graciosa, además de contar con un guión mejor construido y ejecutado. Por el contrario, Brillo de Luna no me pareció más que un intento fallido.