Leave No Trace (2018)

Reseña: La premisa de Leave No Trace es similar a la de Captain Fantastic (2016), la cual retrató a un padre que crió a sus hijos aislados de la sociedad, y qué es lo que sucede cuando ellos deben salir a enfrentarla (en el caso de Leave No Trace, se trata de un padre y una sola hija). Sin embargo, debo decir que, a fin de cuentas, las similitudes entre ambas cintas son superficiales, además de que Leave No Trace alcanza niveles de profundidad, riqueza emocional y matices a los cuales Captain Fantastic ni siquiera se acercó.

La narrativa de Leave No Trace mantiene sutileza de principio a fin, dejando que los múltiples temas que se abordan se integren naturalmente, en lugar de presentarse de manera evidente. En otras palabras, Leave No Trace deja que los hechos hablen por sí solos, contando un relato sencillo en su forma, pero complejo en su subtexto y sus connotaciones. El resultado es una fascinante película con múltiples capas narrativas y emocionales, hasta culminar en un final increíblemente poderoso que no necesita palabras para generar una fuerte reacción emocional en la audiencia.

Adicionalmente, el guion (basado en una novela) retrata personajes multi-dimensionales, que atraviesan una creíble evolución interna a lo largo de la cinta. Por su parte, las fantásticas actuaciones de Ben Foster y Thomasin Harcourt McKenzie contribuyen a dar humanidad a dichos personajes, logrando expresar una amplia variedad de emociones tan solo con sus expresiones y sus miradas. Además, la química entre ambos actores es tan buena que resultan creíbles como padre e hija desde el primer instante que los vemos en escena.

En conclusión, Leave No Trace me pareció una excelente película, realizada con suficiente talento al frente y detrás de cámaras como para hacerla merecedora de una entusiasta recomendación. Personalmente, la consideraría merecedora de premios y nominaciones, aunque lamentablemente su bajo perfil quizás termine evitando que alcance ese tipo de reconocimiento. De hecho, temo que Leave No Trace quedará como una de tantas "joyas ocultas" que nunca alcanzan mucha fama ni son muy vistas a pesar de su gran calidad.

Hold the Dark (2018)

Reseña: La primera mitad de Hold the Dark es muy prometedora, tomando giros inesperados que cuestan determinar hacia dónde se dirige la trama de la cinta. Lamentablemente, durante la segunda mitad, me dí cuenta de que la cinta no tenía un plan concreto de llegar hacia un lugar determinado, divagando de aquí para allá sin encontrar enfoque, hasta llegar a un final que hace que, en retrospectiva, la narrativa no tenga mucho sentido. El resultado final es una película poco satisfactoria, que promete mucho más de lo que eventualmente termina dando.

La película previa del director Jeremy Saulnier (Green Room -2015-) había sido una eficiente película de terror, que iba al grano y que carecía por completo de todo tipo de relleno o sub-tramas innecesarias. En ese sentido, Hold the Dark es exactamente lo opuesto, ya que no logra determinar qué es lo que realmente quiere contar. Fue frustrante cuando me dí cuenta de que los giros de la primera mitad no tenían un fin concreto, sino que eran abruptos cambios de perspectiva debido a una indecisión narrativa de la película.

Además, la duración de poco más de dos horas de Hold the Dark se siente excesiva, lo cual se ve exacerbado por su constante solemnidad y oscuridad, haciendo que la experiencia se torne un poco cansada en más de una ocasión. Por el lado positivo, las locaciones de Hold the Dark (la cinta está mayormente ambientada en Alaska, pero, en realidad, se filmó en Calgary, Canadá) son impresionantes, y los actores hacen un buen trabajo en sus roles, destacando al gran Jeffrey Wright, quien es tan convincente e intenso como siempre en su papel.

En conclusión, no me quedó claro si Hold the Dark pretendía ser un thriller en la línea de Fargo (1996) o Viento Salvaje (Wind River, 2017), una película de acción (hay un extenso tiroteo de casi diez minutos, aunque nunca entendí exactamente cuál fue su desencadenante) o una cinta de terror sobrenatural. No me molesta cuando una película combina elementos de diversos géneros, pero, en este ocasión, todos esos elementos divergentes nunca logran fusionarse de manera cohesiva o satisfactoria. En resumen, Hold the Dark es una cinta fallida, y, a pesar de no carecer de virtudes, me cuesta trabajo expresar mucho entusiasmo por ella.

Dogs (Câini, 2016)

Reseña: Dogs es simultáneamente diferente y similar a otras películas rumanas que he visto. Por un lado, es diferente porque, si la memoria no me falla, creo que esta es la primera cinta "de género" que he visto de esa nacionalidad, ya que se trata de un thriller sobre un hombre que termina involucrado en problemas con unos mafiosos cuando decide poner en venta un terreno de su abuelo fallecido. Pero también digo que es similar porque Dogs emplea ese mismo estilo naturalista (cuya principal característica son extensas escenas donde vemos a personajes dialogando) que identifica tan distintivamente al cine rumano. Sin embargo, dicho estilo no resulta particularmente adecuado en este caso, ya que esta película necesita un encare más dinámico y tenso. En otras palabras, lo que funciona tan bien en un tipo específico de cintas, no termina de encajar en una película de un género completamente diferente.

A decir verdad, nunca logré sentir la paranoia o el suspenso que el guion de Dogs debería haber generado, ya que el estilo relajado y pausado empleado por la cinta termina anulando esas sensaciones. Es cierto que, como suele suceder en las películas rumanas, ese estilo genera realismo, pero, al mismo tiempo, ocasionalmente me aburrió un poco en este caso. Además, hay algunas escenas cuya presencia son completamente innecesarias, o que se estiran más de lo que deberían.

A pesar de mis quejas, no puedo negar la genuina visión artística del director Bogdan Mirică, ni las excelentes actuaciones del elenco entero (destacando el extraordinario desempeño de Vlad Ivanov). Además, cerca del final de la película, hay dos escenas en particular que resultan muy efectivas, y que atisban lo mucho que esta cinta hubiera mejorado si la experiencia entera hubiera tenido esa misma intensidad.

Con la excepción de esas dos escenas, Dogs es una película forzada a funcionar en un estilo que no le corresponde. De todas maneras, no niego sus méritos, pero el resultado final no es del todo satisfactorio y termina dejando el amargo sabor de que tenía el potencial de llegar mucho más lejos. De todas maneras, será interesante ver más cintas dirigidas por Mirică, aunque preferiría que sea en géneros donde este cineasta se sienta más cómodo trabajando.

Rare Birds (2001)

Reseña: Rare Birds adolece de un vicio común en muchas deficientes adaptaciones cinematográficas de novelas: la presencia de muchos hilos narrativos que nunca logran confluir orgánicamente en un sólido hilo narrativo. Por el contrario, Rare Birds va de aquí para allá sin nunca encontrar el foco, lo cual hace la narrativa demasiado dispersa, sin nunca definir qué es lo que realmente se quiere contar. Aún así, Rare Birds me pareció una experiencia simpática gracias a las actuaciones y la cálida dirección de Sturla Gunnarsson.

Para empezar, tenemos tres actuaciones que logran elevar la película en base a talento y carisma. William Hurt ocupa el rol protagónico del dueño de un restaurante al borde de la quiebra, y sale airoso en un rol más liviano de los que habitualmente suele interpretar, logrando credibilidad y creando empatía con la audiencia. Andy Jones ocupa el papel del mejor amigo del protagonista, quien propone un descabellado plan para salvar el negocio del restaurante; francamente, este actor era un absoluto desconocido para mí, pero logra ser muy simpático, además de poseer abundante carisma. Finalmente, la menospreciada Molly Parker también logra dejar una sólida impresión como la chica que obsesiona al protagonista; cada vez que Parker aparece en escena, transmite una luminosidad y una sensualidad que genuinamente logran hipnotizar al espectador.

Por su parte, la dirección de Gunnarsson genera una agradable atmósfera de pueblo pequeño, mostrando un buen ojo para los detalles en su retrato de ese particular mundillo. Por su parte, si bien el guion no fue totalmente exitoso en su adaptación de una novela, concluye en una nota delirante que quizás no tenga mucha lógica, pero hace que la cinta gane puntos por no temer en absoluto al ridículo ni a lo auténticamente bizarro.

Entonces, Rare Birds dista mucho de ser una gran película, y resulta inmediatamente olvidable. No obstante, es apropiada para pasar un rato liviano que no requiere mucho uso del cerebro, por lo que puedo darle una moderada recomendación como una amena comedia con buenos actores, bellos escenarios y adecuada dirección.

Stander (2003)

Reseña: Stander es una biografía de André Stander, policía sudafricano que mantenía una doble vida como ladrón de bancos como una especie de rebeldía contra las desigualdades sociales que había en su país (tengamos en cuenta que esto sucedió en plena época del Apartheid). Como tal, resulta entretenida y dinámica, con buenas actuaciones y apropiados toques de humor, pero, a fin de cuentas, poco memorable.

Para empezar, el personaje central logra la empatía con el espectador a pesar de ser un ladrón de bancos. Está escrito con múltiples matices, además de que sus teorías son correctas, aunque no estén llevadas a la práctica de buena manera. La actuación de Thomas Jane contribuye a humanizar al epónimo Stander, y el resultado es un protagonista interesante que hace sentir al espectador culpable de sentirse a su lado.

La dirección de Bronwen Hughes adopta un tono juguetón y distendido, que hace que la experiencia sea fácil de disfrutar, además de que no se puede negar la perfecta manufactura de Stander, haciendo que varias escenas luzcan sumamente realistas. Por el lado negativo, la experiencia se torna ocasionalmente algo redundante, particularmente cuando vemos al protagonista entrar a robar una y otra vez.

Y ya que empecé con las quejas, Stander no resulta una experiencia memorable a largo plazo. Se disfruta escena por escena, pero luego pasa al olvido casi inmediato. Aún así, amerita darle una mediana recomendación simultáneamente como un entretenido thriller bien actuado y sólidamente dirigido y como retrato de un período histórico en la historia sudafricana.

Nothing Personal (2009)

Reseña: Con un mínimo elenco (vemos solo a dos actores en casi toda la película) y una trama sencilla (una ermitaña mujer holandesa se radica en Irlanda y entabla una amistad con un viudo que vive en un lugar remoto), Nothing Personal logra atrapar. Eso se debe principalmente a que la cinta prescinde en gran medida de diálogos, dejando que las imágenes hablen por sí solas y contengan muchas capas que no se manifiestan de manera evidente, sino que radican en el subtexto de cada escena.

Además, aprecié mucho que Nothing Personal nunca incursione en terreno romántico. Por el contrario, la directora y guionista Urszula Antoniak no está interesada en desarrollar un romance forzado, sino en retratar el gradual desarrollo de una amistad entre dos seres solos. En otras palabras, Nothing Personal construye una narrativa en base a elementos que parecen menores, pero que se van concatenando hasta formar un relato rico en profundidad y niveles emocionales, donde no hacen falta palabras para comprender la relación que se forja entre los protagonistas.

Además, ayudan mucho las excelentes actuaciones de Lotte Verbeek y Stephen Rea, quienes logran decir todo con sus miradas y su lenguaje corporal. Lo que ambos intérpretes logran transmitir es tan elocuente que realmente no hacen falta diálogos para sentirse compenetrado con lo que le ocurre a los personajes. Además, también quiero hacer mención de la cinematografía, la cual logra sacar máximo provecho de algunas imponentes locaciones irlandesas.

En conclusión, Nothing Personal es una cinta sencilla en su forma, pero compleja en su fondo y sus connotaciones, demostrando que se pueden contar interesantes relatos partiendo de premisas simples y hasta cotidianas, siempre y cuando estén ejecutados con talento. Sé que el pausado ritmo de la película y su carencia de una línea narrativa propiamente dicha ahuyentarán a muchos espectadores, pero vale la pena darle una oportunidad a Nothing Personal si están buscando un drama realizado con sensibilidad, sutileza y hasta toques poéticos.

13 Tzameti (2005)

Reseña: 13 Tzameti es un buen ejemplo de una película concisa y eficiente, logrando contar en menos de noventa minutos un relato interesante e inusual sin ningún tipo de relleno ni sub-tramas innecesarias. El final no me convenció del todo, pero aún así, 13 Tzameti merece una recomendación como una competente muestra de cine realizado con poco dinero pero indudable talento.

No conviene revelar mucho sobre la trama de 13 Tzameti, ya que este es el tipo de cinta que conviene ir desentrañando al mismo tiempo que el personaje central, el cual, en este caso, es un joven que se ve inesperadamente metido en un macabro "juego" del cual no hay fácil escapatoria. Entonces, solo diré que el director Géla Babluani logra crear una atmósfera tensa y opresiva, la cual se ve reforzada por la atractiva cinematografía en blanco y negro.

Por el lado negativo, está el previamente mencionado final, el cual pretende ser sorpresivo, pero se siente añadido a la fuerza y hasta ilógico. Además, la actuación de George Babluani (hermano del director) en el papel principal se siente insulsa; no logra transmitir mucho en ese personaje, y además carece del carisma y peso suficientes para cargar con una película entera sobre sus hombros. Definitivamente 13 Tzameti hubiera ganado mayor fuerza con un intérprete más solido y expresivo en el papel principal.

Por lo demás, 13 Tzameti logró sostener mi interés de principio a fin, además de contar un sólido relato que, en manos menos talentosas, podría haber degenerado en una hueca muestra de "porno-tortura". Sin embargo, en esta ocasión, dicha premisa fue utilizada como base para desarrollar un sólido thriller que permite reflexionar sobre las conductas humanas al mismo tiempo que entretiene con su ingenio.

Gutland (2017)

Reseña: Tenía interés en ver Gutland, ya que sonaba como una de esas experiencia extrañas y oníricas que generalmente logran capturar mi interés. Lamentablemente, en este caso, me terminé encontrando con una película fallida y poco satisfactoria, principalmente por su indecisión. En otras palabras, la película nunca termina de definir si pretender ser algo surrealista y exótico, o un thriller más "normal", y eso termina impidiendo la completa compenetración del espectador con lo que ocurre en la pantalla.

Aún así, me gustó el contraste logrado por el director Govinda Van Maele, logrando balancear los elementos sombríos del relato con las idílicas locaciones de la campiña luxemburguesa (por cierto, si la memoria no me falla, Gutland es la primera película de esa nacionalidad que he visto). Por su parte, los personajes me parecieron desagradables y antipáticos (incluyendo al protagonista), aunque no culparía a los actores, sino al guión, que no logra dotarlos de mucha humanidad.

En su último tramo, Gutland se empieza a tornar cada vez más bizarra, pero eso tampoco termina de funcionar. De hecho, cuando la cinta terminó, me quedó la impresión de que sus elementos "raros" no tienen un fin surrealista, sino que fueron introducidos para disimular el hecho de que el guión no tiene pies ni cabeza.

En conclusión, aunque generalmente me atraen las películas surrealistas, me quedé completamente afuera en el caso de Gutland, y en lugar de encontrarla hipnótica y sugerente, me pareció irritante y poco interesante. Como tal, no podría recomendarla, sobre todo habiendo películas de este tipo inmensamente superiores (una vez, tengo que decir que casi toda la filmografía de David Lynch se encuentra a la cabecera en este sub-género).

Louder Than Bombs (2015)

Reseña: Louder Than Bombs es un drama sobre la pérdida de un ser querido, y cómo se sigue adelante tras esa ausencia. Esta es una película realizada con un agradecido bajo perfil, enfocada en retratar la cotidianeidad con un tono triste y melancólico, en lugar de forzadamente buscar momentos lacrimosos o sentimentaloides. Eso es loable, aunque la experiencia completa carece de la contundencia o impacto suficientes para ser auténticamente memorable.

La película transcurre unos años después del fallecimiento de una fotógrafa de guerra, mostrando a su marido y sus dos hijos viviendo con esa ausencia, aunque se podría decir que el eje central de la cinta gira en torno al hijo más joven, fantásticamente interpretado por Devin Druid, quien resulta toda una revelación con su experto manejo de emociones complejas y su absoluta convicción. Las demás actuaciones son también muy buenas (como puede esperarse de intérpretes como Jesse Eisenberg, Gabriel Byrne e Isabelle Huppert), pero Druid genuinamente logra robarse la película con su tremendo trabajo.

Como dije previamente, aprecié la sobriedad utilizada por el director Joachim Trier para contar este relato, aunque falto ese "algo" para hacer que la cinta genuinamente logre conmover o perdurar en el recuerdo. Quizás tendría que haber sido un poco menos "fría" en el aspecto emocional, ya que nunca logró afectarme mucho en ese aspecto. En fin, me gustó Louder Than Bombs escena por escena, pero este es uno de esos casos en el cual el todo es menos que la suma de sus partes, por lo que el resultado final no logra ser totalmente satisfactorio.

Aún así, hay mucho para recomendar en Louder Than Bombs, empezando por las actuaciones y la elegente y sutil dirección de Trier. Hablando de este cineasta, diré que me gustó mucho más su cinta Oslo, 31. August (2011), un drama cuya temática fue completamente distinta a la de Louder Than Bombs, aunque su efecto emocional fue devastador, en lugar de la distancia y gelidez que Louder Than Bombs me dejó en ese aspecto.

Mandy (2018)

Reseña: La historia que Mandy cuenta es sencilla y poco original, pero lo que realmente eleva esta cinta es la experiencia visual conjurada por el director Panos Cosmatos, utilizando diestramente colores, texturas, estéticas y atmósfera para crear un universo único. Entonces, aunque la trama propiamente dicha de Mandy no sea nada que no se haya ya visto, la manera de presentarla es muy atractiva, ofreciendo imágenes, conceptos y metáforas que quedarán dando vuelta en mi cabeza durante mucho tiempo.

En el papel principal de Mandy, Nicolas Cage balancea perfectamente locura y carisma, brindando una actuación deliciosamente desbordada, pero también anclada en creíbles emociones humanas que facilitan la empatía con el espectador. En el rol de la esposa del personaje de Cage (la epónima Mandy), Andrea Riseborough también logra dejar una buena impresión, logrando transmitir fragilidad tan solo con su triste mirada y su lenguaje corporal.

No obstante, la auténtica estrella de Mandy es la dirección de Cosmatos, quien demuestra una capacidad infrecuente para sumergir al espectador en un mundo que desafía toda descripción posible, y que no se parece a nada que haya visto a ninguna otra cinta. Adicionalmente, aunque la trama a grandes rasgos no ofrezca nada nuevo, es innegable que incluye elementos bizarros que descolocarán a más de un espectador, particularmente en lo que respecta a ciertos motoqueros.

En conclusión, no diría que Mandy es una gran película, pero no se puede negar que ofrece una auténtica experiencia cinematográfica, apoyándose plenamente en las imágenes para involucrar al espectador de manera sensorial y visceral. Además, no puede negarse que ofrece algunos momentos de antología (mis favoritos: la extensa escena en el baño y el extraño comercial televisivo que ve el personaje de Cage en un momento). En pocas palabras, recomendada para aquellos con ganas de aventurarse en terreno diferente a lo que el cine suele ofrecer.

UFO (2018)

Reseña: UFO es una película de ciencia ficción que aborda el tema de los OVNIs de manera seria y, dentro de lo que cabe, realista, enfocándose en conversaciones y cálculos matemáticos. El problema es que eso es lo único que tiene para ofrecer esta cinta, olvidándose de ofrecer una dimensión humana o una narrativa interesante. El resultado final termina pareciendo más una clase de matemática (de la cual se entiende poco y nada) que una auténtica experiencia cinematográfica.

Además, el bajo presupuesto de UFO se hace demasiado evidente, ya que la película entera exuda un cierto aire "amateur", a pesar de contar con un par de actores (Gillian Anderson y David Strathairn) en su elenco. El rol principal lo ocupa Alex Sharp, quien no demuestra mucho carisma, lo cual exacerba la superficial manera en la cual su personaje fue escrito.

Lamento que este escrito me haya quedado tan corto, pero realmente, no tengo mucho más para decir. Aprecio la intención de realizar una película de ciencia ficción "seria", poniendo un fuerte énfasis en la "ciencia". Sin embargo, eso no es excusa para una película aburrida y carente de personajes interesantes, por lo cual no puedo recomendar UFO.

Burning (Beoning, 2018)

Reseña: Burning logra hipnotizar al espectador, en parte gracias a la virtuosa dirección de Lee Chang-dong y en parte gracias a la misteriosa narrativa, la cual se va cocinando poco a poco al mismo tiempo que despierta la deliciosa curiosidad en el espectador de intentar dilucidar hacia dónde se dirige todo. Sin embargo, cuando llega el momento de la conclusión, las cosas resultan mucho más simplonas y convencionales, cuando todo parecía que Burning nos estaba conduciendo hacia un destino mucho más rico e inusual. En otras palabras, un claro caso en el cual el todo es inferior a la suma de sus partes.

Aún así, hay mucho que admirar en Burning, empezando por la dirección de Lee, quien logra brindar un tono sugerente y hasta poético a cada escena. Adicionalmente, demuestra la suficiente confianza en la audiencia para permitir que el relato se desarrolle a su propio ritmo a lo largo de casi dos horas y media, las cuales jamás resultan aburridas gracias a la intriga que Lee sabe construir de manera elegante y precisa.

El guion (basado en una novela del japonés Haruki Murakami) está bien escrito, desarrollando detalladamente a los personajes hasta que gradualmente se van viendo envueltos en una trama que verdaderamente logra involucrar al espectador. Sin embargo, como dije previamente, me decepcionó que la historia se vea resuelta de una manera tan convencional, lo cual hace que la cinta entera pierda puntos en retrospectiva, ya que prometía un remate mucho más contundente y memorable.

Entonces, Burning ofrece muchos atributos para hacerla merecedora de una recomendación, aunque con la advertencia de que el recorrido es más satisfactorio que el destino final. Aún así, Lee (quien aquí hace algo completamente diferente a sus habituales dramas deprimentes, como Secret Sunshine -Milyang, 2007- o Poesía para el Alma -Shi, 2010-) demuestra un buen gusto y una refinada visión que son realmente inusuales en el contexto del cine contemporáneo, así que Burning también es una buena ocasión para apreciar ese talento.

Don't Think Twice (2016)

Reseña: Don't Think Twice retrata a un grupo de amigos que hacen comedia improvisada cuya dinámica cambia por completo cuando uno de ellos tiene una gran posibilidad de acceder al estrellato. Tomando esa premisa como punto de partida, Don't Think Twice ofrece un interesante análisis de las relaciones humanas, no solo en un contexto artístico, sino en general, mostrando cómo la amistad puede verse alterada cuando alguien tiene la posibilidad de triunfar.

Lo que escribí en el párrafo previo quizás suene demasiado serio, pero Don't Think Twice tomó la sabia decisión de incluir abundantes toques de humor que no restan contenido dramático, sino que logran balancearlo y complementarlo. Esta cinta me recordó por momentos algunas obras de Woody Allen, lo cual definitivamente digo como un halago; al igual que algunas películas de ese cineasta, Don't Think Twice logra hacer incisivos comentarios sobre las conductas humanas, logrando un armonioso balance entre profundidad y humor.

Otra de las razones por las cuales Don't Think Twice funciona es por los actores. Keegan-Michael Key, Mike Birbiglia (quien también escribió y dirigió la película), Gillian Jacobs, Kate Micucci, Chris Gethard y Tami Sagher tienen una química tan creíble como el grupo de comedia impovisada que resulta fácil aceptar las relaciones entre sus personajes, así como también los eventuales rencores que surgen entre ellos. En otras palabras, terminamos percibiendo a los personajes como auténticos seres humanos con toda una historia entre ellos, y eso facilita la identificación con ellos.

En conclusión, disfruté bastante Don't Think Twice, y la recomiendo con confianza como una experiencia que balancea comedia y drama de manera satisfactoria. Quizás sea exagerado decir "drama", ya que no ocurren cosas auténticamente trágicas en esta película, pero ahí radica una de sus principales virtudes: al enfocarse en cosas prosaicas que nos pueden suceder a cualquiera (particularmente a quienes se dediquen a alguna rama del arte), es fácil compenetrarse con lo que sucede en la pantalla y pensar que nosotros tranquilamente podríamos estar en el lugar de los personajes.

Sicario: Día del Soldado (Sicario: Day of the Soldado, 2018)

Reseña: Sicario (2015) me pareció una película muy bien dirigida por el talentoso Denis Villeneuve, además de contar con la extraordinaria cinematografía de Roger Deakins. Sin embargo, no recuerdo prácticamente nada de su guion, excepto que me pareció confuso y excesivamente revuelto. La secuela, Sicario: Día del Soldado, me pareció superior en algunos aspectos e inferior en otros, pero, en líneas generales, creo que se trata de una digna continuación.

Para empezar, la dirección de Stefano Sollima y la cinematografía de Dariusz Wolski en Sicario: Día del Soldado me parecieron más impersonales que los trabajos de Villeneuve y Deakins en la predecesora. En otras palabras, el plano visual de Sicario: Día del Soldado no es malo, pero se siente más genérico en su presentación. Por el lado positivo, creo que el guion de esta secuela ofrece un flujo narrativo y una estructura más claras que el de la película anterior, al mismo tiempo que logra contar un interesante relato que sabe balancear hábilmente a varios personajes para luego hacerlos converger.

No obstante, me decepcionó el final de Sicario: Día del Soldado, el cual deja la semilla plantada para una tercera película, pero hace que la experiencia de esta cinta en particular se sienta inconclusa y truncada. Esa es mi principal objeción contra esta secuela, además de algunas coincidencias demasiado convenientes que chocan contra la credibilidad que el guionista Taylor Sheridan sabe mantener en líneas generales.

A pesar de mis quejas, Sicario: Día del Soldado mantuvo mi interés de principio a fin, principalmente por el bien estructurado guion y las sólidas actuaciones (destacando la del Benicio del Toro, quien repite el rol del enigmático Alejandro con su habitual carisma y convicción). Eso es suficiente para hacerla merecedora de una recomendación, además de haberme dejado con ganas de ver una tercera película de esta saga.

Puedes Contar Conmigo (You Can Count On Me, 2000)

Reseña: Generalmente me gustan los dramas que se enfocan en cosas cotidianas, evitando "grandes conflictos" para centrarse en personajes y situaciones con quienes el espectador puede sentirse fácilmente identificado. Puedes Contar Conmigo encaja en esa descripción, pero las cosas que retrata se sienten demasiado anecdóticas y hasta triviales como para genuinamente establecer un lazo emocional con la audiencia. En otras palabras, la película no cuenta con una narrativa verdaderamente compacta, sino con una serie de situaciones de la vida que nunca se concatenan para formar un todo verdaderamente sólido y cohesivo.

Aún así, Puedes Contar Conmigo no fue una pérdida de tiempo, principalmente por una razón: Mark Ruffalo. Su actuación como un joven que vuelve a su pueblo natal después de años y se reencuentra con su hermana es magistral, transmitiendo una gran variedad de emociones con una efectiva sutileza que contribuyen a darle peso y humanidad a su rol. El trabajo de Ruffalo es tan bueno que tan solo por él vale la pena ver esta cinta. Laura Linney también brinda una sólida actuación en el papel de la hermana, pero no puede evitar verse algo opacada por el tremendo desempeño de Ruffalo.

En el plano visual, Puedes Contar Conmigo no tiene mucho para ofrecer, y en ese aspecto, se acerca peligrosamente al aspecto que podría tener algún genérico telefilm. Por su parte, aprecio el cuidado del guión para construir personajes multi-dimensionales, pero lo que no logró fue hacerlos formar parte de una narrativa mejor armada, que no hiciera que todo lo que vemos se sienta tan intrascendente a fin de cuentas.

En conclusión, le doy una tibia recomendación a Puedes Contar Conmigo más que nada por la actuación de Ruffalo (por cierto, su trabajo en esta cinta demuestra lo desperdiciado que este actor está actualmente interpretando a Hulk en las cintas de Marvel). Por lo demás, no puedo decir que sea una mala película, pero tampoco una particularmente buena ni que deje una gran impresión. En otras palabras... meh.

Yo Serví al Rey de Inglaterra (Obsluhoval jsem Anglického Krále, 2006)

Reseña: Los primeros quince minutos de Yo Serví al Rey de Inglaterra no me estaban entusiasmando mucho. La narración del relato me parecía excesiva, y además, me parecía que la cinta intentaba demasiado parecer "excéntrica", lo cual la hacía parecer afectada y forzada. Afortunadamente, Yo Serví al Rey de Inglaterra mejora conforme avanza, y, en líneas generales, resulta una experiencia agradable, pero poco memorable.

A decir verdad, la excesiva narración que mencioné en el párrafo previo abarca la cinta de principio a fin, y esa es mi principal objeción contra la cinta. Eso me "sacó" de la experiencia en más de una ocasión, y se descuida el valor de las imágenes para apoyarse en esa narración. Sin embargo, tengo una teoría para la toma de esa decisión: el actor que interpreta al personaje principal de más joven es el búlgaro Ivan Barnev, quien habla relativamente poco, y cuando lo hace, su voz está horriblemente doblada al checo, por lo que se intentó cubrir eso con la narración. Como sea, quizás tendrían que haber encontrado a un actor nativo del idioma de la película, o confiar más en las imágenes.

Por el lado positivo, Yo Serví al Rey de Inglaterra ofrece algunos buenos momentos de humor absurdista que contribuyen a darle una personalidad particular, además de la idiosincracia checa que empapa cada cuadro de la cinta. Yo Serví al Rey de Inglaterra incursiona en terreno serio (incluyendo pasajes relacionados con la Segunda Guerra Mundial), pero todo está abordado con un peculiar sentido del humor que ahuyenta todo rastro de solemnidad, aunque quizás se le dé un tratamiento excesivamente ligero a dichos temas. Adicionalmente, el director Jiří Menzel demuestra habilidad para orquestar varias escenas visualmente atractivas, que derrochan valor estético y buen ojo para los detalles.

En conclusión, Yo Serví al Rey de Inglaterra es una experiencia liviana, pero entretenida, y creo que sus moderadas virtudes son suficientes para compensar sus fallas. No es una experiencia profunda ni memorable, pero me hizo pasar un buen rato, principalmente por el talento visual de Menzel y el abundante sentido del humor que ofrece el material (por no mencionar toda la belleza femenina que la película permite apreciar). Creo que eso basta para darle una mediana recomendación a esta cinta.

Reyes y Reina (Rois et Reine, 2004)

Reseña: Reyes y Reina es una película ambiciosa y con una estructura que podría denominarse literaria, ya que está compuesta por dos capítulos y un epílogo. Básicamente sigue a dos personajes (una mujer que debe lidiar con su padre enfermo y uno de sus ex, que es recluido en un neuropsiquiátrico), que se cruzarán en un punto bastante avanzado del relato. La experiencia es bastante entretenida durante toda su primera parte, pero pierde algo de enfoque y energía en la segunda, aunque el epílogo se encarga de cerrar todo de manera satisfactoria.

Las partes que transcurren en el neuropsiquiátrico son las mejores de la cinta, ya que logran una armoniosa combinación de humor absurdista e inteligentes observaciones sobre los seres humanos. Las partes que se enfocan en la mujer están encaradas por un lado más dramático, aunque también resultan interesantes por la compleja psicología de ella y su particular historia de vida, la cual se va revelando de manera gradual a través de flashbacks.

Reyes y Reina decae un poco después del encuentro entre los dos personajes principales, cuando el guion empieza a caer en ciertos divagues innecesarios, haciendo que la fluida energía previa disminuya y se termine sintiendo un poco la duración de casi dos horas y media. Aún así, Reyes y Reina nunca deja de mantener el interés del espectador, tanto por la firme dirección de Arnaud Desplechin y las excelentes actuaciones de Emmanuelle Devos y Mathieu Amalric.

La otra cinta que he visto de Desplechin (Un Conte de Noël -2008-) también hurgó en los lazos familiares y puso gran atención en desarrollar personajes multi-dimensionales cuyas variadas facetas dificultan encasillarlos en simples etiquetas. En general, creo que aquella película me gustó un poco más, pero Reyes y Reina también tiene cosas valiosas para ofrecer, a pesar de los ajustes que se podrían haber aplicado al guion en su segunda parte. De todas maneras, recomendada como una experiencia que asume riesgos y sale airosa en líneas generales.

November (2017)

Reseña: November está basada en un best-seller estonio llamado Rahepapp, y definitivamente se nota el origen literario de esta película. En más de una ocasión, November se siente como un libro de cuentos, contando un relato de fantasía romántica repleto de imaginativos conceptos y personajes bizarros. El resultado es visualmente atractivo y generalmente interesante, aunque no exento de fallas.

Los aspectos técnicos son lo que más llama la atención de November, particularmente en lo que respecta a la preciosa cinematografía en blanco y negro, la cual logra crear varias imágenes que desbordan belleza y valor estético. El director Rainer Sarnet demuestra una visión muy distintiva, dotando a Novemeber de una personalidad muy particular, que toma prestados elementos de cineastas como Béla Tarr y Guy Maddin para forjar un estilo inusual e inmersivo.

Por el lado negativo, November se extiende un poco más de la cuenta, y creo que se podrían haber hecho ciertos ajustes a la parte media, en donde encontramos momentos que cansan un poco y con escasa función narrativa (o quizás esos problemas hayan sido inherentes a una deficiente adaptación de la novela original). Por el otro lado, esos defectos se ven compensados en buena medida por los valores técnicos, la dirección de Sarnet y la total entrega del elenco, quien se adapta perfectamente al excéntrico tono de la película.

No suele conocerse mucho cine estonio a nivel mundial (esta es apenas la segunda película que veo de ese país, después de la excelente Mandarinas -Mandariinid, 2013-), pero, con todo sus fallas, Novemeber es una buena muestra cinematográfica de esa nacionalidad, realizado con una manufactura que no tiene nada que envidiarle a muchas costosas producciones hollywoodenses, además de contar un interesante relato traducido en imágenes con una elegante sensibilidad artística.

A Prayer Before Dawn (2017)

Reseña: A Prayer Before Dawn está basada en la historia real de la odisea que tuvo que sufrir un boxeador de Muay Thai inglés en una cárcel de Tailandia por posesión de drogas. El entorno en el cual transcurre la cinta está muy bien creado, logrando sumergir inmediatamente al espectador en esa desagradable y pesadillesca atmósfera. Adicionalmente, A Prayer Before Dawn tiene una excelente manufactura y está sostenida por una sólida actuación de Joe Cole en el papel protagónico. Sin embargo, no puedo negar que la experiencia me aburrió un poco en líneas generales.

Es cierto que la historia que cuenta A Prayer Before Dawn es bastante intensa, y no ofrece material "divertido". Sin embargo, me costó trabajar crear un lazo con el personaje principal, ya que el guion no logra desarrollarlo en profundidad. Por un lado, me pareció muy loable que la cinta descarte todo tipo de manipulación, limitándose a dejar que los hechos hablen por sí solos con una mínima cantidad de diálogos; no obstante, eso no es excusa para descuidar el desarrollo del personaje principal.

Además, A Prayer Before Dawn se torna redundante, mostrando una y otra vez lo mismo y deteniendo el flujo de la narrativa en más de una ocasión, haciendo que la duración de casi dos horas definitivamente se sienta. Por el lado amable, hay suficientes cosas positivas para hacer a esta película merecedora de una oportunidad, principalmente el desempeño de Cole y la sólida dirección de Jean-Stéphane Sauvaire, quien demuestra un estilo crudo y brutal que contribuye a crear un realismo muy palpable.

Entonces, creo que las virtudes de A Prayer Before Dawn son lo suficientemente competentes para hacerla merecedora de una moderada recomendación, a pesar de lo fría y distante que resulta en el plano emocional y de los ajustes que se podrían haber aplicado en la edición.

Tiempo de Volver (Garden State, 2004)

Reseña: Hay veces en las que la experiencia de ver una película se ve perjudicada por el hecho de que sentimos que ya habíamos visto lo mismo muchas otras veces. Ese es el caso de Tiempo de Volver, la cual de ninguna manera es una mala película, pero es una típica película "indie" con elementos que se vieron infinidad de veces, lo cual la hace trillada y muy poco novedosa.

La trama de Tiempo de Volver es bastante común en este tipo de cintas: un joven vuelve a su pueblo natal tras la muerte de su madre, y redescubre muchas cosas de la vida allí. No niego que la película ofrece buenos momentos de humor y drama, además de mantenerse cálida y entretenida de principio a fin. Sin embargo, en retrospectiva, termina mezclándose en el recuerdo con muchas otras películas que siguieron el mismo camino a grandes rasgos.

Por el lado positivo, el director Zach Braff (quien también protagonizó y escribió esta cinta) demuestra un manejo visual superior a lo que se suele ver en película de este tipo, con algunos juegos de cámara y emplazamientos que contribuyen a darle personalidad a la experiencia, pero sin dejar que ellos opaquen la narrativa. Las actuaciones también son buenas, empezando por Braff, demostrando credibilidad y creando empatía con el espectador. También merecen mención los desempeños de Natalie Portman y Peter Sarsgaard (este último roba todas sus escenas, tal como es su costumbre).

En conclusión, Tiempo de Volver es una buena película, y se mantiene agradable y entretenida de principio a fin. Su principal problema no es inherente a ella misma, sino a que no innova y ya vi demasiadas veces lo que tiene para ofrecer, lo cual contribuye a hacerla convencional y poco memorable. Aún así, recomendada con moderado entusiasmo, particularmente a seguidores de las comedias dramáticas "indie".

My Happy Family (Chemi Bednieri Ojakhi, 2017)

Reseña: My Happy Family cuenta una historia fuertemente arraigada a su país de procedencia (Georgia), retratando a una mujer que decide dejar de vivir con su esposo, sus hijos y sus padres para instalarse sola. El problema es que la cinta no logra ahondar en qué es lo que impulsa al personaje a tomar esa decisión; la razón parece arbitraria, y ello dificulta el vínculo emocional entre la audiencia y la protagonista.

Adicionalmente, el ritmo que mantiene My Happy Family me resultó frecuentemente tedioso, con una multitud de escenas repetitivas o momentos que no aportan absolutamente nada y parecen extenderse hasta el infinito. En algún sitio, he leído que My Happy Family guarda algunas similitudes con el estilo naturalista del cine rumano, lo cual es verdadero hasta cierto punto; sin embargo, las películas rumanas suelen complementar dicho estilo con narrativas profundas y apasionantes, mientras que My Happy Family cuenta un relato que no parece tener mucho para decir, por lo que se queda sin combustible demasiado pronto.

En el rol protagónico, Ia Shuglishvili me pareció algo inexpresiva, manteniendo siempre el mismo gesto de desagrado que no contribuye a darle matices a su papel. Eso, combinado a la superficial manera en que su personaje está escrito, terminó haciendo que la protagonista me resultara algo antipática y poco entrañable. En el personaje del marido, Merab Ninidze me dejó una mejor impresión a pesar de tener menos tiempo en escena; de hecho, creo que la película hubiera sido más interesante si su narrativa hubiera girado en torno a él.

Como he dicho en otras ocasiones, generalmente encuentro interesante ver retratadas en cine culturas con las cuales uno no está muy familiarizado. Sin embargo, creo que My Happy Family tampoco tiene mucho para ofrecer en ese aspecto, ya que si difuso guión divaga demasiado y nunca termina retratando nada concreto. En conclusión, me cuesta recomendar My Happy Family, aunque reconozco que los co-directores Nana Ekvtimishvili y Simon Gross poseen talento para crear escenas naturales y realistas; sería bueno ver dicha habilidad aplicada a cintas con guiones más interesantes.

Only the Brave (2017)

Reseña: Only the Brave está basada en la historia real del escuadrón de bomberos forestales Granite Mountain, el cual tuvo que enfrentarse a un brutal y arrasador incendio en Arizona. Quizás eso suene como una típica cinta de "cine catástrofe", pero la realidad es muy diferente; en lugar de eso, la película es un drama que examina la vida personal de algunos de los bomberos del escuadrón, y cómo esa dura profesión que eligieron afecta su cotidianidad. El resultado es decente, además de rendir tributo a personas que genuinamente lo merecen; sin embargo, hay ciertos elementos que demeritan el resultado final.

Mi principal queja contra Only the Brave es lo edulcorado que se siente el guión en algunos aspectos, particularmente en la construcción de personajes. Algunos están escritos con tantos clichés que se acercan peligrosamente al terreno de la caricatura, restando realismo a la experiencia y recordándonos que, a fin de cuentas, estamos viendo una película hollywoodense. Hablando de personajes, el guión solo se centra en algunos de los muchos integrantes de Granite Mountain, mientras que el resto resulta anónimo y prácticamente intercambiable.

Otra objeción que tengo contra Only the Brave es que su duración de casi dos horas y cuarto se siente algo excesiva. Aprecio todo el tiempo dedicado a la vida personal de algunos de los bomberos y a su demandante profesión, pero esos momentos se terminan tornando un poco repetitivos y monótonos. Creo que un ajuste en la edición hubiera contribuido a lograr una experiencia más concisa y dinámica, ya que, aunque no se torne aburrida, la duración de Only the Brave definitivamente se termina sintiendo.

Por el lado positivo, los actores hacen un buen trabajo en sus roles, logrando elevar sus personajes por encima de la manera en que fueron escritos. No hay un solo eslabón débil en el elenco, aunque particularmente destacaría los desempeños de Josh Brolin y Miles Teller. Además, Only the Brave mejora durante su último tramo, logrando retratar la misión más complicada de Granite Mountain con tensión y realismo, hasta culminar en una nota genuinamente emotiva que homenajea de manera sobria y sincera a los bomberos de ese escuadrón.

Entonces, a fin de cuentas, Only the Brave merece una mediana recomendación, ya que está sólidamente actuada, muy bien hecha y logra mantenerse interesante a pesar de sus redundancias. Quizás le hubiera venido mejor tener menos influencia hollywoodense a esta cinta, pero aún así, me pareció una competente película y un merecido homenaje a una profesión que merecería mayor reconocimiento en líneas generales por parte de la sociedad.

Goodbye Solo (2008)

Reseña: Goodbye Solo retrata la amistad que se forja entre un taxista senegalés radicado en Estados Unidos y un lacónico y misterioso anciano que no parece tener muchas alegrías en su vida. Y se podría decir que eso es básicamente todo. Nada de complicaciones ni giros inesperados ni nada por el estilo; simplemente una amistad que gradualmente se va construyendo entre dos personas que aparentemente tienen poco en común, pero que saben "leerse" mutuamente en el nivel emocional.

Quizás esa sencillez suene aburrida para algunas personas, pero Goodbye Solo me mantuvo interesado de principio a fin, principalmente por el excelente ojo para los detalles que demuestra el director y guionista Ramin Bahrani. El cineasta deja que muchas pequeñas cosas hablen por sí solas, y, a fin de cuentas, esos elementos aparentemente menores terminan revelando mucho sobre los personajes, su naturaleza y la relación entre ellos. Bahrani también sabe hacer elegante uso de la ambigüedad; una película más convencional hubiera detenido a explicar cada cosa, pero Goodbye Solo estimula la imaginación del espectador dejando en el aire ciertos puntos, teniendo la suficiente confianza en el espectador para completar el relato en su mente.

Por su parte, el dueto protagónico es fantástico. Souléymane Sy Savané (como el taxista) y el fallecido Red West (como el anciano) brindan trabajos fenomenales, repletos de expresividad y sutiles detalles de composición que les brindan auténtica humanidad a los roles que interpretan. Además, ambos comparten una perfecta química entre sí, haciendo inmediatamente creíble la relación que se va construyendo poco a poco entre sus personajes.

En conclusión, no diría que Goodbye Solo es una gran película, pero me pareció eficiente y satisfactoria, brindando una experiencia profunda, emotiva e interesante en noventa concisos minutos. Ah, y mención especial para toda la parte final, en la cual se evidencia la suma confianza que Bahrani tiene en el poder de las imágenes para dejar que estas hablen por sí solas, sin necesidad de sentimentalismo forzado ni diálogos explicativos.