Balance 2017

Al igual que el año pasado, aquí doy a conocer la lista de mis diez películas favoritas entre todas las que vi durante el 2017 (en ningún orden particular). Como verán, incluyo cintas de años distintos, porque esta lista se enfoca en todas las películas que vi durante este año, sean del año que sean. Y quiero enfatizar que estas son mis favoritas personales; no estoy diciendo "las mejores". Sin más preámbulo, doy a conocer mi lista, y les deseo a todos los lectores de El Maravilloso Mundo del Cine un 2018 lleno de salud, felicidad y buen cine.

- Baby Driver (2017)
- The Transfiguration (2016)
- It Stains the Sands Red (2016)
- Blade Runner 2049 (2017)
- Magical Girl (2014)
- Toată Lumea din Familia Noastră (2012)
- Sud Pralad (2004)
- Sing Street (2016)
- La Maldición de la Flor Dorada (Man Cheng Jin Dai Huang Jin Jia, 2006)
- Los Amantes (Two Lovers, 2008)

Balibo (2009)

Reseña: Francamente, no tenía expectativas muy altas antes de ver Balibo, ya que, en muchas ocasiones, las películas basadas en historias reales son insulsos y fríos recuentos de hechos verídicos sin un eje narrativo lo suficientemente fuerte para mantener el intéres. No obstante, Balibo resultó mejor de lo que esperaba, ya que no se olvidó de brindarle una dimensión emocional y humana al relato, el cual está basado un hecho no muy conocido, pero no por ello menos devastador en sus consecuencias: la ocupación indonesia de Timor Oriental en 1975, y la investigación por la desaparición de cinco periodistas australianos que desaparecieron durante ese período.

Además, Balibo cuenta con perfectas actuaciones de Anthony LaPaglia y Oscar Isaac como dos periodistas (uno de Australia y el otro de Timor Oriental, respectivamente) con perspectivas ocasionalmente diferentes sobre la manera de encarar la situación que están enfrentando. Por su parte, el director Robert Connolly mantiene firme control de la película, evitando que degenere en excesos sentimentales, pero sin por ello descuidar las emociones que tal relato tiene que despertar.

Por el lado negativo, llegó un punto en el que Balibo se me empezó a tornar un poco cansada y redundante, pero, afortunadamente, esa mediana queja se vio compensada en gran medida con el poderoso final, el cual me pareció el mejor momento de toda la cinta. Entonces, creo que Balibo gana una merecida recomendación, ya que no solo es una buena película, sino también una valiosa lección de historia sobre eventos poco conocidos pero lamentables.

El Implacable (The Foreigner, 2017)

Reseña: La publicidad de El Implacable y la presencia de Jackie Chan en uno de los papeles principales pueden hacer creer que esta es una película de acción. Sin embargo, la realidad es distinta, ya que El Implacable es un interesante thriller que gira en torno a la tensa relación entre el Reino Unido y la organización terrorista IRA, particularmente cuando esta última realiza un atentado en Londres donde muere la hija del personaje de Chan.

No obstante, aunque no sean el punto focal de la cinta, El Implacable incluye algunas escenas de acción, las cuales me parecieron muy bien filmadas, principalmente por ese estilo seco y brutal que las hace sentirse realistas. El guión (el cual está basado en una novela) está bien estructurado, sumergiéndonos poco a poco en una compleja red política, manteniendo un flujo narrativo claro que ahuyenta todo rastro de confusión. Por el lado negativo, algunos elementos del guión son examinados de manera un tanto apresurada, pero supongo que eso es consecuencia de la compresión que debió realizarse de la novela original.

En lo que respecta al elenco, Chan genuinamente me sorprendió con una muy buena actuación, de la cual no lo creía capaz en vista de las bufonadas que generalmente ha realizado en su carrera. Con relativamente pocas palabras, Chan logra transmitir la devastación de haber perdido a su hija y su intenso deseo de venganza de manera creíble y muy expresiva. También me gustó el trabajo de Pierce Brosnan, ya que, si bien su personaje podría considerarse como un villano, su actuación añade una sincera humanidad que lo ubica en un terreno de ambigua moralidad.

Antes de ver El Implacable, yo esperaba encontrarme con una genérica película de acción, pero fue una agradable sorpresa darme cuenta que, en realidad, se trata de un sólido thriller que logra mantenerse interesante y muy entretenido a lo largo de casi dos horas, gracias a un guión bien armado, dos excelentes actuaciones protagónicas y la dinámica dirección de Martin Campbell, quien nunca cae en excesos estilísticos, pero indudablemente supo dotar de personalidad a la experiencia. En resumen, sin ser algo particularmente excepcional, puedo recomendar El Implacable con confianza.

Estiu 1993 (2017)

Reseña: Lo que más me gustó de Estiu 1993 es la precisa manera en la cual la directora Carla Simón (en su ópera prima) captura la manera en la cual una niña pequeña percibe el mundo. Como espectadores, realmente podemos percibir el punto de vista del personaje principal, quien es una niña que se quedó completamente huérfana tras la reciente muerte de su madre y se va a vivir con unos tíos, y compartir su inocencia y su particular manera de vivir las cosas.

Estiu 1993 maneja un ritmo tranquilo, que nos sumerge poco a poco en la atmósfera de la cinta, aunque quizás se podría haber desarrollado un poco más el aspecto narrativo. Esta es una de esas películas que no está interesada en contar una historia de manera convencional, lo cual no tiene nada de malo; sin embargo, creo que quizás faltó un arco narrativo más concreto que le hubiera brindado mayor significado a la experiencia y hubiera evitado que la película se tornara un poco cansada en algunos momentos.

Aún así, Estiu 1993 logra ser una experiencia interesante en términos generales, principalmente por la naturalidad de la dirección y las actuaciones, lo cual hace que la cinta se sienta sumamente "real", por lo que sentimos que genuinamente estamos espiando la intimidad en la vida de Frida, la niña protagonista. Por eso, creo que Estiu 1993 merece una recomendación, además de augurar buenas cosas para la carrera futura de Simón.

The Ballad of Lefty Brown (2017)

Reseña: The Ballad of Lefty Brown es un western pausado y melancólico, cuyo foco principal radica en el desarrollo de los personajes y sus particulares circunstancias de vida. Sin embargo, eso no significa que la acción haya sido descuidada; por el contrario, The Ballad of Lefty Brown nos ofrece balaceras tensas y bien filmadas. En resumen, The Ballad of Lefty Brown no será una gran película ni mucho menos, pero me pareció una experiencia satisfactoria que rinde un sincero tributo al western, además de funcionar bien por sí sola como parte de ese género.

Además, la tremenda actuación de Bill Pullman como el epónimo Lefty Brown ayuda mucho. Su trabajo resulta sumamente creíble y expresivo, además de que se pueda apreciar fácilmente su detallada composición del personaje, desde su postura corporal hasta su agotada voz. Pullman logra que el espectador se encariñe fácilmente con su personaje, y su actuación es tan buena que es razón suficiente para ver esta cinta. El resto del elenco también hace un buen trabajo, destacando a Diego Josef (una verdadera revelación) y Jim Caviezel.

En conclusión, quizás no sea del todo correcto calificar a The Ballad of Lefty Brown como un western. Indudablemente toma muchos elementos de ese género, pero su emotivo e intimista tono la acercan más a ser un drama ambientado en el Lejano Oeste y con ocasionales momentos de violencia, apoyado por perfectas actuaciones, un guión bien escrito y la sobria pero efectiva dirección de Jared Moshe. Quizás le faltó un "algo" adicional a The Ballad of Lefty Brown para ser una experiencia genuinamente memorable a largo plazo, pero la disfruté mientras la veía, y creo que eso es razón suficiente para recomendarla. Además, me da gusto que, en pleno siglo 21, películas como The Ballad of Lefty Brown, Bone Tomahawk (2015) o el menospreciado remake de Los Siete Magníficos (The Magnificent Seven, 2016) sigan encontrando perspectivas interesantes al cine de "cowboys".

Storytelling: Historias de Ironía y Perversión (Storytelling, 2001)

Reseña: Storytelling (por cuestiones de practicidad, no emplearé el inútil subtítulo que se le asignó en Argentina) es una película compuesta por dos historias inconexas entre sí (la primera se titula "Ficción"; la otra, "No Ficción"), y si bien ambas me gustaron en términos generales, tengo ciertas reservas contra la experiencia general que me impidieron quedar totalmente satisfecho con esta cinta. Para explicarme mejor, creo que será mejor enfocarme en cada historia por separado.

"Ficción" me pareció un mordaz y fascinante relato que examina cuestiones diversas y controversiales enfocándose en tres personajes que comparten una misma clase de Literatura: una chica (correcta interpretación de Selma Blair), su novio con parálisis cerebral (en este punto, lamento decir que Leo Fitzpatrick se quedó un poco corto en un rol tan difícil) y el profesor (Robert Wisdom, actor poco conocido pero poseedor de una potente presencia escénica). Sin embargo, me frustró bastante la excesivamente corta duración de este segmento de la película (ni siquiera alcanza la media hora), así como también su abrupto final. "Ficción" me pareció un relato tan bueno, y con connotaciones tan ricas, que genuinamente hubiera merecido todo un largometraje, en lugar de dedicarle un tiempo tan breve que no hace justicia a todo el potencial que ofrecía.

"No Ficción" se enfoca en un documentalista (Paul Giamatti en otra de sus soberbias actuaciones) interesado en retratar la adolescencia, por lo que termina haciendo su película en base a un adolescente en particular y su disfuncional familia (en el rol del padre, encontramos al genial John Goodman robando todas sus escenas, tal como es su costumbre). Este relato es bastante más extenso que "Ficción", y ciertamente ofrece un delicioso humor negro y atinados comentarios. Al dedicársele más tiempo que a "Ficción", se le permite florecer más a esta historia, desarrollándola con mayor detalle y precisión, aunque, a fin de cuentas, también creo que hubiera sido mejor dedicarle un largometraje entero.

En resumen, el director y guionista Todd Solondz creó dos historias muy interesantes, pero me decepcionó un poco que las haya comprimido, en lugar de hacer dos películas diferentes en base a ellas. Aún así, hay mucho para apreciar en Storytelling, desde la mordacidad e inteligencia con las que fueron escritos ambos relatos, hasta la capacidad de Solondz para contagiar incomodidad al espectador con cada escena (incluso las más mundanas). Entonces, aunque el todo haya sido menos que la suma de sus partes en esta ocasión, creo que dichas partes son lo suficientemente interesantes para que Storytelling gane una recomendación, especialmente para aquellos espectadores deseosos de enfrentarse a una experiencia audaz y provocativa.

Matando Cabos (2004)

Reseña: Sin ser una gran película ni una experiencia particularmente memorable, Matando Cabos logra ser una divertida comedia de enredos simultáneamente graciosa y tensa. Además de desarrollar una historia agradablemente enmarañada, también nos ofrece personajes simpáticos con quienes resulta fácil crear empatía. Como dije previamente, nada excepcional, pero adecuado para simplemente pasar un buen rato.

La principal queja que tengo contra Matando Cabos es que su despliegue de estilo resulta ocasionalmente excesivo, por lo que termina ahogando la sustancia en un par de ocasiones. Algunas escenas parecen añadidas solo para que el director Alejandro Lozano pueda hacer gala de su dominio estilístico, en lugar de genuinamente contribuir a la narrativa.

Sin embargo, hay varios elementos positivos que ayudan a contrapesar las imperfecciones de Matando Cabos, tales como un ritmo dinámico y fluido que no deja el más mínimo lugar para el aburrimiento, las competentes actuaciones (particularmente la de Joaquín Cosio, quien se roba la cinta como "Mascarita") y el ingenio del guión. Creo que esos elementos bastan para que Matando Cabos se gane una mediana recomendación.

Four Lions (2010)

Reseña: Es indudablemente muy arriesgado realizar una comedia sobre terroristas. Por más negro que pueda ser el humor, hay que ser sumamente cuidadoso para no caer en un ofensivo mal gusto. No obstante, me alegra decir que Four Lions salió airosa de ese desafío, ya que logró ser una cinta entretenida que no solo logra hacer reír, sino que también nos deja pensando con las válidas reflexiones a las cuales nos invita.

Hay que aclarar que, si bien Four Lions es una comedia, la cinta mantiene un tono serio de principio a fin. En otras palabras, el guión no mete humor a la fuerza, sino que le permite colarse naturalmente a las situaciones que viven los terroristas. Sobra decir que esa manera tan sutil de introducir la comedia hace que la experiencia sea doblemente graciosa y eficaz. Además, los actores hacen un trabajo excelente en sus roles, adaptándose con total facilidad al estilo de la cinta, y habitando sus roles con total solvencia y credibilidad.

Después de tantas películas que abordaron el tema del terrorismo de manera solemne, fue refrescante presenciar una perspectiva diferente en Four Lions, la cual funciona tanto como gracioso entretenimiento y como un agudo y preciso retrato de las múltiples facetas de los terroristas. En otras palabras, una cinta que logra ser inteligente y profunda sin por ello dejar de ser hilarante y divertida, por lo que la recomiendo con entusiasmo, con la esperanza de que más gente descubra esta injustamente ignorada cinta.

Las Inocentes (Les Innocentes, 2016)

Reseña: Por un lado, admiro que Las Inocentes haya abordado su duro tema (la historia verdadera de monjas polacas que daban a luz a bebés como producto de violaciones que sufrieron por parte de soldados rusos poco tiempo después de la finalización de la Segunda Guerra Mundial) con sobriedad y delicadeza, evitando todo tipo de golpes bajos o excesos sentimentales. Por el otro lado, esa decisión genera un distanciamiento emocional que dificulta la compenetración con las vivencias de los personajes, lo cual hace que la experiencia se sienta un poco fría y carente del impacto que la hubiera hecho más memorable.

A pesar de eso, Las Inocentes logra mantener el interés a lo largo de casi dos horas, tejiendo una sólida narrativa que se siente bien estructurada y carente de todo tipo de relleno innecesario. Las actuaciones son excelentes, destacando a Lou de Laâge en el rol protagónico (una médica de la Cruz Roja Francesa que asiste a las monjas para dar a luz), transmitiendo las disyuntivas que enfrenta su personaje de manera sutil pero expresiva.

La otra película que vi de la directora Anne Fontaine fue Cómo Maté a mi Padre (Comment j'ai Tué mon Père, 2000), en la cual también empleó una cierta frialdad para traducir el relato en imágenes; sin embargo, en aquella cinta, eso resultó muy apropiado, ya que se trataba de un relato más enfocado en lo psicológico que en lo emocional. Por su parte, ese estilo resultó contraproducente en el caso de Las Inocentes, ya que esta película necesitaba mayor resonancia emotiva para realmente cautivar al espectador. Como contraste, puedo señalar dos cintas con temáticas también vinculadas a la Segunda Guerra Mundial: The Grey Zone (2001) y El Pianista (The Pianist, 2002); ambas también evitaron caer en lo lacrimoso o en la fácil manipulación sentimental, y no por ello dejaron de provocar un tremendo impacto emocional. Pero bueno, aún con mis quejas, Las Inocentes no deja de ser una buena película, sólidamente escrita y soberbiamente actuada, por lo que indudablemente merece una recomendación.

Nelyubov (2017)

Reseña: Viniendo de un director tan sólido como Andrey Zvyagintsev, lamento decir que Nelyubov me resultó una decepción. No me pareció mala, pero sí redundante, pretenciosa y demasiado larga, con personajes uni-dimensionales y un guión que no presenta gran evolución a lo largo de su desarrollo (básicamente la película entera consiste en lo mismo: un matrimonio en proceso de divorcio que se odia y debe buscar a su hijo -a quien también detestan) cuando este desaparece. Cuesta creer que Nelyubov haya sido realizada por el mismo cineasta que mostró tanta eficacia narrativa y sólida concisión en películas como Elena (2011) o Leviathan (Leviafan, 2014).

De todas maneras, no puede negarse que las actuaciones de Maryana Spivak y Aleksey Rozin en los papeles protagónicos son muy buenas, a pesar de que hayan tenido que interpretar roles tan subrayados y superficialmente escritos. A su vez, la dirección de Zvyagintsev es tan sólida como siempre, aunque, en esta ocasión, no haya tenido un apoyo tan bueno por parte del guión; ojalá tenga mejor suerte en ese aspecto para su próximo proyecto.

En resumen, el flojo guión de Nelyubov termina demeritando todos los aspectos positivos, por lo que me cuesta expresar particular entusiasmo hacia esta cinta. En mi humilde opinión, esta cinta representa el primer traspié en la filmografía de Zvyagintsev hasta el momento (no incluyo a Izgnanie -2007- en esa apreciación porque aún no la he visto), y espero que se recupere en la próxima. Lamentablemente, Nelyubov es una de esas películas que creen que están diciendo mucho más de lo que realmente están diciendo.

Brigsby Bear (2017)

Reseña: Brigsby Bear es otra de esas películas que podrían haber sido excelentes cortometrajes, pero, que, extendidas a una duración cinematográfica, se sienten demasiado estiradas y ocasionalmente cansadas. La primera media hora de Brigsby Bear es muy prometedora, estableciendo una premisa interesante y hasta original, además de presentarnos a un personaje rico en matices psicológicos. Sin embargo, una vez pasado ese período, todavía queda un poco más de una hora de película, y ahí es cuando se empieza a tornar redundante y un poco aburrida en algunos momentos, aunque sin duda ofrece algunos válidos e interesantes comentarios que hacen que valga la pena seguir la cinta hasta el final.

Conviene no revelar nada sobre la trama de Brigsby Bear, ya que, si bien se termina sintiendo demasiado estirada eventualmente, indudablemente ofrece algunos aspectos novedosos que merecen ser descubiertos a medida que uno va experimentando la cinta. Sin embargo, lo que puedo decir es que los actores hacen un excelente trabajo en sus roles, destacando a Kyle Mooney en el papel protagónico; Mark Hamill demostrando que tiene potencial para muchas más cosas que hacer de Luke Skywalker con un detallado y muy expresivo desempeño dramático; y Greg Kinnear como un cálido policía.

En resumen, Brigsby Bear ofrece suficientes elementos de interés para hacerla merecedora de una mediana recomendación, aunque sus virtudes se ven un tanto opacadas por el simple hecho de extenderse mucho más de lo necesario. En formato de cortometraje, hubiera sido algo realmente fascinante, presentándonos un concepto único, además de que indudablemente nos hubiera estimulado la imaginación; pero, en su formato actual, resulta demasiado repetitiva, recalcando una y otra vez lo mismo y cansando un poco en más de una ocasión.

Bad Day for the Cut (2017)

Reseña: A pesar de haber recibido comentarios muy entusiastas, Bad Day for the Cut me estaba decepcionando un poco durante sus dos primeros actos; no me estaba pareciendo mala ni aburrida, pero sí algo genérica y simplona. No obstante, esa percepción cambió por completo con la llegada el tercer acto, cuando la trama toma algunas inesperadas tangentes que nos brindan otras perspectivas de los personajes y de eventos que habíamos presenciado anteriormente. Ahí es cuando finalmente el relato toma mayor textura y profundidad, demostrando que las cosas no eran tan génericas y simplonas como parecían previamente.

Lo que sí se mantiene uniforme durante la experiencia completa son las excelentes actuaciones del elenco entero. Nigel O'Neill es perfecto como el protagonista, transmitiendo con sutileza pero máxima efectividad lo devastado que su personaje se siente en su interior por el imprevisto asesinato de su madre, así como también su intenso deseo de venganza. Susan Lynch también hace un trabajo brillante, brindando simultáneamente locura y humanidad como una implacable criminal. Finalmente, no quiero dejar de mencionar a Józef Pawłowski y Anna Prochniak igualmente logran dejar su huella con sus sólidas interpretaciones en personajes cuyos destinos se cruzan con el del protagonista en su búsqueda de venganza.

Entonces, Bad Day for the Cut es una película que se guarda lo mejor para el final, y, en mi caso personal, eso compensó en buena medida la indiferencia que experimenté previamente. Por eso, creo que amerita ser recomendada, principalmente porque lo que parecía un simple relato de venganza eventualmente resulta ser algo mucho más profundo y emocionalmente rico, auxiliado por perfectas actuaciones y el seco estilo del director Chris Baugh (quien realizó una auspiciosa ópera prima con esta cinta).

Cure (1997)

Reseña: Cure definitivamente está muy lejos de ser una típica película de terror. Para empezar, es una cinta realizada para un público adulto, lo cual me pareció muy loable y hasta refrescante considerando los estándares de ese género. Por si eso fuera poco, Cure cuenta con un ritmo pausado y hasta tranquilo, tomándose su tiempo para ir desarrollando la narrativa; sobra decir que esa es una gran diferencia con tantas película que confunden frenéticas imágenes y edición con "terror". En otras palabras, Cure fue realizada con madurez y con plena confianza en su público... pero a pesar de todas esas buenas intenciones y esos valiosos atributos, lamento tener que decir que no me dejó completamente satisfecho.

Generalmente aprecio aquellas cinta que cocinan su narrativa "a fuego lento", ya que eso permite al espectador irse involucrando de manera gradual e inmersiva en lo que se está contando. Al principio de Cure, sentí exactamente eso, pero, a medida que el tiempo pasaba, empecé a sentir que esa lentitud no estaba totalmente justificada, por lo que ocasionalmente se terminó transformando en un cierto aburrimiento. Como dije previamente, no me molesta que una película se tome su tiempo para desarrollar su historia, pero cuando eso obstaculiza el flujo natural de la narrativa, hay algo que está fallando. Además, el guión me terminó decepcionando un poco, ya que, si bien promete algo impactante al principio, eventualmente termina resultando un tanto simplón y hasta predecible, por lo que no creo que hacían falta tantas vueltas para llegar a un destino que me pareció fácil de adivinar.

De todas maneras, creo que vale la pena darle una oportunidad a Cure, tan solo por haberse atrevido a hacer algo tan diferente de lo habitual dentro del género de terror. Si bien el resultado final no me pareció del todo exitoso, es admirable que la película se haya arriesgado a hacer algo diferente. No obstante, dentro de la filmografía de terror del director Kiyoshi Kurosawa, prefiero Crímenes Ocultos (Sakebi, 2006), la cual me pareció más concisa, impactante y satisfactoria.

Fin de Agosto, Principios de Septiembre (Fin Août, Début Septembre, 1998)

Reseña: Fin de Agosto, Principios de Septiembre es otra muestra de la versatilidad del director Olivier Assayas, así como también de su habilidad para encontrar el lenguaje cinematográfico adecuado para el relato que narra. En este caso, se trata de un íntimo y agridulce drama sobre un grupo de amigos y de las diversas cosas que van experimentando, tales como amores, frustraciones, miedos y alegrías. La inquieta, pero al mismo tiempo fluida y clara, cámara de Assayas le brinda una gran cercanía al espectador con lo que ocurre en la pantalla, lo cual permite una mayor compenetración con los personajes y las situaciones en las cuales se encuentran.

A su vez, el trabajo de Assayas como guionista también es destacable, ya que logró crear personajes tan realistas que es muy fácil aceptarlos como genuinos seres humanos con sus particulares personalidades, lo cual facilita la identificación de la audiencia con ellos y la creación de empatía, por lo que uno incluso termina percibiéndolos como viejos conocidos. Nada de lo que ocurre en el guión se siente forzado; por el contrario, la naturalidad lograda por Assayas es admirable, y es lo que hace que Fin de Agosto, Principios de Septiembre se sienta como una auténtica "rebanada de vida".

Las actuaciones también son merecedoras de aplauso. Todos los intérpretes encaran su trabajo con sutileza y una amplia expresividad, además de tener tan buena química entre ellos que resulta muy fácil aceptarlos como amigos o parejas. En otras palabras, un ensamble actoral redondo y sin un solo eslabón débil, funcionando en armonía y complementándose mutuamente a la perfección.

A primera vista, Fin de Agosto, Principios de Septiembre es una película sencilla, ya que simplemente se dedica a retrata la vida misma en la forma de un grupo de personajes; pero es justamente en esa sencillez donde yace su riqueza, ya que eso es lo que la hace profunda y humana, ofreciendo varias capas y abundante material para dejarnos pensando por debajo de su superficie. En resumen, una experiencia muy recomendable, y otra muestra del gran talento de Assayas como cineasta.

Find Me Guilty (2006)

Reseña: Inspirándose en la historia real de un mafioso que se defendió a sí mismo durante un juicio que involucró a una importante cantidad de criminales, Find Me Guilty ofrece una interesante experiencia con buenas actuaciones (incluyendo a Vin Diesel en el rol principal, demostrando que posee genuino talento histriónico que va más allá de los papeles en películas de acción que suele intepretar) y un guión bien estructurado que retrata el proceso judicial con minucioso detalle. Sin embargo, tengo algunas quejas contra Find Me Guilty que demeritan un poco el resultado general.

Para empezar, debo admitir que la experiencia me pareció un poco repetitiva. Si bien el guión está bien armado, a fin de cuentas, el espectador termina viendo más o menos siempre lo mismo, sin sensación de una genuina progresión. Y aunque el director de esta cinta haya sido nada más y nada menos que el icónico Sidney Lumet, su estilo visual en esta ocasión me pareció algo estático, y creo que no le hubiera venido mal mayor dinamismo en ese aspecto a Find Me Guilty.

De todas maneras, debo decir que la película logró mantener mi interés en líneas generales a pesar de esas quejas, por lo que puedo darle una mediana recomendación a Find Me Guilty, aunque no tenga gran permanencia en el recuerdo a largo plazo. Además, me dejó con ganas de ver a Diesel en más interpretaciones que saquen provecho de su talento como actor, pero, lamentablemente, no se ve vislumbran otras ocasiones futuras para ello.

Star Wars: Los Últimos Jedi (Star Wars: Episode VIII - The Last Jedi, 2017)

Reseña: No soy fan de Star Wars. Por alguna razón, es un universo que no me atrae. Lamento decir que esa percepción no cambió para nada con Star Wars: Los Últimos Jedi; no digo que sea mala, pero me pareció excesivamente larga (durante su primera mitad, admito que me pareció medianamente llevadera, pero eventualmente, el tedio se apoderó, y ya quería que terminara de una vez por todas), carente de personajes interesantes y con una falta de emoción general.

Obviamente, Star Wars: Los Últimos Jedi está bien hecha. A estas alturas, no puede esperarse menos que eso de una mega-producción hollywoodense. Sin embargo, me costó establecer un lazo emocional con lo que ocurría en la pantalla. Todo me despertaba una insulsa indiferencia... excepto los toques de "humor", los cuales me irritaron bastante, además de sentirse completamente fuera de lugar. Los actores pasan desapercibidos, con la excepción de Adam Driver, quien es un actor tan bueno que, incluso en una película tan hueca como esta, logra dejar su impronta con un desempeño creíble, detallado y repleto de sutiles matices.

Ya sé que "de gustos, no hay nada escrito", pero me sorprende la soltura con la que actualmente muchos críticos de cine aplican el término "obra maestra", sobre todo ante una cinta como Star Wars: Los Últimos Jedi; es algo que genuinamente escapa a mi comprensión. Pero, bueno, más allá de eso, me cuesta expresar particular entusiasmo hacia Star Wars: Los Últimos Jedi. En lo que respecta a "óperas espaciales", prefiero (por un margen infinito) Guardianes de la Galaxia (Guardians of the Galaxy, 2014), una apoteótica conjunción de arte cinematográfico y entretenimiento pochoclero con un grado de corazón, humor y drama que Star Wars: Los Últimos Jedi no puede soñar con aproximarse siquiera.

La Flaqueza del Bolchevique (2003)

Reseña: La Flaqueza del Bolchevique posee una virtud que no muchas películas logran: ser una cinta intrigante. Desde el principio, cuesta determinar qué camino tomará la experiencia, lo cual genera una atrapante curiosidad en el espectador por saber qué puede pasar luego. La Flaqueza del Bolchevique logra despertar eso a lo largo de todo su metraje, hasta desembocar en un final impactante e inesperado. A fin de cuentas, una película distinta y recomendable, aunque no esté exenta de algunos problemas.

La principal falla que encontré en La Flaqueza del Bolchevique es que, al terminar, noté que algunas tangentes narrativas no terminaron conduciendo a nada a fin de cuentas. No sé si algo falló al adaptar la novela en la cual se basó esta cinta, pero algunos puntos narrativos se sienten inconducentes e innecesarios para el hilo narrativo. De todas maneras, esa fue una falla que noté en retrospectiva, ya que, mientras veía la cinta, estaba completamente sumergido en su inusual guión y la sólida atmósfera lograda por el director Manuel Martín Cuenca.

Como no podía ser de otra manera, el genial Luis Tosar brinda una brillante actuación, ya que es sumamente expresiva, e inmediatamente logramos aceptar a su personaje como un auténtico ser humano que se enfrenta a complicadas y contradictorias emociones. Por su parte, María Valverde también destaca en su personaje (del cual no conviene adelantar nada -ah, dicho sea de paso, traten de no saber absolutamente nada sobre la trama de La Flaqueza del Bolchevique antes de verla-), transmitiendo todo lo que atraviesa dentro suyo de manera creíble; cabe destacar que Valverde tuvo su debut actoral en esta cinta, y no hay duda alguna de que fue un excelente descubrimiento.

En conclusión, no será perfecta ni mucho menos, pero La Flaqueza del Bolchevique logra ofrecernos una experiencia que sale de lo común, pero lo que indudablemente merece el apoyo de cinéfilos deseosos de probar algo diferente, que asume riesgos y toma los caminos menos pensados. En otras palabras, aún si la película no gusta (lo cual no fue mi caso), hay que admirar su audacia y originalidad.

The Reluctant Fundamentalist (2012)

Reseña: Por el lado positivo, The Reluctant Fundamentalist cuenta una historia interesante, con varios diálogos muy certeros y provocativos comentarios que indudablemente logran dejarnos pensando. El problema es que The Reluctant Fundamentalist tiene demasiado relleno innecesario (particularmente en lo que respecta a la sub-trama romántica), y eso vuelve a la cinta ocasionalmente cansada y hace que la duración de 130 minutos se sienta algo excesiva. Con una edición más concisa (creo que se podrían haber extirpado unos 20 minutos tranquilamente), esta quizás hubiera sido una excelente película; pero, en su estado actual, queda como una cinta con muchos elementos positivos que se ven un poco opacados en algunas ocasiones por períodos irrelevantes y ligeramente tediosos.

Las películas que previamente había visto de la directora Mira Nair (La Boda -Monsoon Wedding, 2001- y El Buen Nombre -The Namesake, 2007) fueron comedias dramáticas en las cuales la cultura india era parte integral de sus respectivas tramas. Aunque The Reluctant Fundamentalist pertenece a un género (thriller con tintes políticos) completamente diferente al de aquellas películas, el aspecto cultural también forma parte integral de la narrativa, ya que el eje de la trama gira en torno a un paquistaní que se va a Estados Unidos a cumplir con el "sueño americano", y cuya percepción de ese país, así como también de su propia identidad idiosincrática, se ve alterada tras el atentado terrorista del 11 de septiembre de 2001. Indudablemente es una idea muy interesante, y, como dije previamente, está sólidamente ejecutada, con certeros comentarios y diversas capas de profundidad que interpelan a la audiencia y la hace pensar sobre algunas difíciles cuestiones que no tienen fácil respuesta.

Las actuaciones también son un elemento positivo de The Reluctant Fundamentalist. Riz Ahmed demuestra ser un sólido protagonista, con suficiente carisma y talento histriónico para cargar la película entera sobre sus hombros sin jamás tropezar. Kiefer Sutherland es perfecto como el jefe del personaje principal, robando todas sus escenas con su fuerte presencia escénica. Todos los demás actores también hacen un buen trabajo, pero quienes destacan son Ahmed y Sutherland.

En conclusión, The Reluctant Fundamentalist es una buena película, aunque su sobreabundancia de momentos innecesarios pone a prueba la paciencia del espectador en más de una ocasión (creo que, en este caso, no se quiso dejar absolutamente nada afuera del libro en el cual se basó la cinta, y eso terminó siendo contraproducente). Aún así, creo que sus virtudes son lo suficientemente competentes como para hacer que valga la pena sobrellevar esas partes, por lo que la recomiendo como un thriller realizado con mayor inteligencia del promedio en este género.

Félix y Meira (Félix et Meira, 2014)

Reseña: Aunque Félix y Meira ha sido catalogada en muchos sitios como una película romántica, yo creo que sería más apropiado definirla como un sobrio drama enfocado en dos personas que están encerradas en su particular mundo, y, al desarrollar una mutua conexión emocional, encuentran una posibilidad de escape y liberación de sus rígidos mundos interiores. Por un lado, tenemos a Meira, una joven judía ortodoxa que se siente agobiada por los estrictos requisitos de su religión; por el otro, tenemos a Félix, un hombre de aproximadamente 40 años que se enfrenta a la muerte de su padre (con quien nunca se había llevado bien), y que tiene una vida monótona y vacía. Entonces, al conocerse, ambos se enfrentan a la posibilidad de abrir sus perspectivas y experimentar cosas nuevas, o que ni siquiera se habían planteado en algún momento previo de sus vidas.

El director Maxime Giroux mantiene un ritmo pausado y calmo, aunque nunca resulta aburrido, ya que esa deliberada manera de conducir la película nos permite conocer poco a poco a los personajes hasta que eventualmente podemos comprender fácilmente sus emociones y sus necesidades. Por su parte, el guión es sencillo, pero eso no significa que carezca de profundidad, ya que está compuesto de detalles que, a medida que se van concatenando, terminan formando un tapiz rico de matices y emociones. Finalmente, las actuaciones también son muy buenas, tanto las de Martin Dubreuil y Hadas Yaron como los epónimos Félix y Meira (respectivamente), como la de Luzer Twersky como el marido de ella, quien debe enfrentar contradictorias emociones al momento de poner en la balanza su religión y su relación con su esposa.

Entiendo que el pausado ritmo y la ausencia de aspaventosos conflictos de Félix y Meira aleje a muchos espectadores, pero a mí me gustó esta cinta justamente por esas razones, ya que eso es lo que la hace sentirse un relato emotivo y profundamente humano, ejecutado con sutileza, buen gusto y sólidas actuaciones. Además, también nos permite tener un interesante atisbo a la vida cotidiana de los judíos ortodoxos.

Sarajevo, Mi Amor (Grbavica, 2006)

Reseña: Se han realizado algunas excelentes películas tomando como partida la Guerra de los Balcanes (como El Último Día -Ničija Zemlja, 2001- o Cirkus Columbia -2010-, ambas dirigidas por Danis Tanović), pero, lamentablemente, ese no fue el caso de Sarajevo, Mi Amor. Sé que esta cinta ha recibido mucha aclamación (incluyendo el prestigioso Oso de Oro en el Festival de Berlín), pero a mí me pareció que divaga demsiado y se termina tornando algo aburrida. Y cuando finalmente llegamos al clímax, se siente forzado y abrupto, ya que no sentimos haber llegado a él tras una progresión narrativa ni emocional, por lo que la revelación final podría haber ocurrido a los 5 minutos de empezada la película, y el efecto hubiera sido el mismo.

El guión de Sarajevo, Mi Amor va de aquí para allá sin poder encontrar un eje, perdiéndose en demasiadas sub-tramas y detalles superfluos que no suman nada. Además, no podría decir que las actuaciones son malas, pero me costó sentir un vínculo emocional con los personajes; parte de eso se debe al guión, pero creo que el elenco (particularmente Mirjana Karanović y Luna Mijović, las dos actrices protagónicas) podría haber brindado trabajos más intensos y emocionales.

Entonces, lamento decir que Sarajevo, Mi Amor fue una decepción en mi caso particular. Creo que las otras dos películas que mencioné el primer párrafo examinan la Guerra de los Balcanes desde ángulos mucho más interesantes, por lo que me cuesta sentir particular entusiasmo por Sarajevo, Mi Amor, y no podría recomendarla. Por el otro lado, estoy en la minoría que no le gustó esta cinta, así que quizás el problema sea mío, y no de la película.

Más Fuerte que el Destino (Stronger, 2017)

Reseña: Más Fuerte que el Destino cuenta la historia verdadera de Jeff Bauman, quien perdió sus dos piernas luego del atentado terrorista durante la Maratón de Boston del año 2013, y su posterior lucha para salir adelante a pesar de la desgracia que le tocó vivir. Suena como un típico drama lacrimoso y manipulador que explota una tragedia que lamentablemente ocurrió en la vida real para hacer llorar al espectador a puro golpe bajo; pero afortunadamente, eso no ocurrió, ya que la sobria dirección de David Gordon Green mantiene la experiencia bajo control (aunque cerca del final lo pierda levemente), por lo que Más Fuerte que el Destino puede apreciarse como un drama sutilmente emocional y profundamente humano, aunque, a fin de cuentas, no logre permanecer mucho tiempo en el recuerdo del espectador.

Además de la buena mano de Green para manejar el drama, también hay que destacar las brillantes actuaciones de Jake Gyllenhaal y Tatiana Maslany como Bauman y su novia (respectivamente). De Gyllenhaal, no podía esperar menos, ya que siempre demuestra una asombrosa versatilidad para brindar suma credibilidad a personajes completamente diferentes; pero como yo nunca vi la popular serie Orphan Black, no estaba familiarizado con el talento de Maslany, por lo que fue una agradable sorpresa encontrarme con una actriz excepcional, quien logra transmitir las emociones más profundas y desgarradoras de la manera más sutil y expresiva posible.

El guión de Más Fuerte que el Destino está bien desarrollado, permitiéndonos conocer gradualmente al personaje central y la abrumadora situación en la que repentinamente se encuentra. Sin embargo, algunos momentos del relato podrían haberse obviado (falla que también podría ser achacada a la edición), ya que no aportan contenido sustancioso y estiran innecesariamente la duración. Y, ya que me estoy quejando, debo regresar al final de la cinta, el cual se torna ligeramente empalagoso, cayendo en cierto excesos sentimentales que previamente se habían evitado. A fin de cuentas, Más Fuerte que el Destino no es una película apasionante ni muy memorable, pero creo que amerita ser recomendada como un interesante drama sólidamente dirigido y magistralmente actuado.

Un Minuto de Gloria (Slava, 2016)

Reseña: Un Minuto de Gloria es la primera película búlgara que he visto en mi vida... y definitivamente fue un excelente comienzo. Esta cinta combina expertamente drama, comentario social y humor negro para brindarnos una experiencia impredecible y muy entretenida, que logra mantener constante tensión partiendo de una premisa sencilla en su forma pero compleja en sus connotaciones.

El estilo parco y realista de Un Minuto de Gloria, así como también su mordaz crítica a la burocracia, me recordó un poco al de algunas películas rumanas. Pero dejemos de lado las comparaciones, ya que Un Minuto de Gloria es una película tan buena que merece ser evaluada por sus méritos propios, los cuales son abundantes. El guión me pareció muy bien escrito, desarrollando su concepto de manera simultáneamente cuidados y natural, y colando un perfecto sentido del humor que funciona como un apropiado remate de las situaciones dramáticas que presenciamos. Los personajes son complejos y multi-dimensionales, y resulta fácil aceptarlos inmediatamente como seres humanos que tienen múltiples facetas; y, ya que estoy hablando de los personajes, es indispensable hacer mención de las sublimes actuaciones de Stefan Denolyubov y Margita Gosheva en los personajes principales.

Un Minuto de Gloria me cautivó tanto que me hizo sentir múltiples emociones mientras la veía, desde impotencia y angustia, hasta saludables risas gracias a sus toques de humor, tan sutiles como efectivos. Y, bueno, el final me pareció tremendo, culminando la experiencia de la manera más impactante y menos pensada. En resumen, recomiendo esta "joya oculta" con mucho entusiasmo, y les sugiero no saber absolutamente nada sobre su trama antes de verla; cuando se está ante una cinta tan bien escrita y ejecutada como esta, conviene enfrentarse a ella "en blanco" y dejarse llevar gradualmente por su fascinante historia. Ahora, lo que debo hacer urgentemente es buscar más películas búlgaras para ver.

Borderland (2007)

Reseña: Sin ser muy original ni particularmente notable, Borderland es una eficiente y entretenida película de terror, que genera buenos niveles de tensión y crea sólidos climas, además de ofrecernos escenas de violencia genuinamente crudas e impactantes. Y, claro, el lamentable hecho de estar basada en una historia real le brinda una contundencia adicional al relato.

Como dije previamente, el concepto de Borderland (turistas cuyos destinos se cruzan fatalmente con una secta) no es novedoso, pero la cinta sabe desarrollarlo de una manera implacable que no da respiro al espectador. Además, a diferencia de otras películas de terror, los tres personajes principales crean inmediata empatía con el espectador (además de estar competentemente interpretados por Rider Strong, Brian Presley y Jake Muxworthy), por lo que verdaderamente nos termina preocupando lo que les puede llegar a pasar.

Entonces, sin ser una joya ni mucho menos, Borderland me pareció una sólida película que hace eficaz uso de su mediano presupuesto para entretenernos y hacernos sentir la misma angustia y desesperación de los personajes. Indudablemente recomendada para seguidores del cine de terror, con la advertencia de que algunas extremas escenas de violencia quizás desagraden a algunas personas.

It (2017)

Reseña: Mucho ruido y pocas nueces. Eso fue exactamente lo que pensé después de ver It. Ya sé que "de gustos, no hay nada escrito", pero me sorprende que se le haya dado tanta atención (por no mencionar el inmenso éxito de taquilla que tuvo) a una película tan mediocre y olvidable como esta.

Como película de terror, It me pareció un fracaso absoluto, ya que no me hizo sentir la más mínima tensión ni sensación atemorizante. Por el contrario, las partes que pretendían causar miedo me provocaron risa debido a la forzada manera en la que fueron presentadas, así como también por el excesivo uso de ridículos efectos especiales. Como relato "coming of age" tampoco me dejó satisfecho, ya que los personajes (el grupo de chicos que deben enfrentarse a la amenaza sobrenatural que afecta a la ciudad ficticia de Derry) están escritos de manera tan superficial que no logré crear la más mínima empatía con ellos; todos están simplemente definidos por rasgos básicos, por lo que nunca llegamos a conocerlos en profundidad. El único personaje que genuinamente logra destacar del resto es Bill, el principal, gracias a la excelente actuación de Jaeden Lieberher.

Aunque no leí la legendaria novela de Stephen King en la cual se basó esta cinta, It adolece de algunos típicos vicios de adaptaciones cinematográficas de libros, principalmente el hecho de que se siente contada a las apuradas. Todo está explorado muy por arriba, por lo cual nunca pude sumergirme en el relato ni crear una conexión emocional con los personajes. La consecuencia de eso es que, más o menos a la mitad de la cinta, la película se me empezó a tornar un poco aburrida, y ya quería que terminara.

En resumen, It me pareció un chasco. Es una lástima que una cinta de terror tan floja como esta acapare la atención, mientras que películas independientes que genuinamente brindan perspectivas novedosas y fascinantes a ese género (por mencionar dos recientes: It Stains the Sands Red -2016- y The Transfiguration -2016-) son injustamente ignoradas y vistas por poquísimas personas. Una verdadera injusticia.

Cosa Voglio di Più (2010)

Reseña: La infidelidad es un tema que está bastante trillado en el cine, pero la película rumana Aquel Martes Después de Navidad (Marti, Dupã Crãciun, 2010) demostró que pueden obtenerse resultados muy interesantes con esa temática si es encarada con talento y desde una perspectiva fresca. Cosa Voglio di Più dista mucho de estar a ese nivel, pero aún así, ofrece varios elementos interesantes que la hacen merecedora de la atención del espectador.

En lo que respecta a los personajes principales de Cosa Voglio di Più, tengo opiniones encontradas. Anna me pareció un personaje algo antipático, y no por culpa de la actriz Alba Rohrwacher (quien hace un buen trabajo), sino por la manera en que fue escrito; además, no queda muy clara su intensa necesidad de tener un amante. Por el contrario, Domenico me pareció un personaje mucho más interesante, ya que se nos presenta a un hombre agobiado por presiones económicas y laborales en su vida (además de tener que criar dos hijos), y que encuentra una manera de escape al estar con una amante. Pierfrancesco Favino también brinda una sólida actuación como Domenico, y, ya que estoy refiriéndome al elenco, quiero hacer mención del perfecto trabajo de Giuseppe Battiston, quien se roba la película como el entrañable esposo de Anna.

El director Silvio Soldini mantiene un buen ritmo a lo largo de Cosa Voglio di Più, desarrollando el relato de manera pausada, pero nunca aburrida, y permitiendo que nos vayamos dejando llevar por el relato de manera gradual. Por el lado negativo, creo que el epílogo podría haberse omitido tranquilamente; son unos 15 minutos que resultan reiterativos y no aportan nada sustancioso a la experiencia. A pesar de mis quejas, Cosa Voglio di Più logró mantener mi interés, y aunque no sea una experiencia particularmente notable ni memorable, me pareció una competente película que utiliza su trillado tema central tan solo como punto de partida para analizar otro tipo de asuntos, lo cual me pareció loable.

Victoria y Abdul (Victoria & Abdul, 2017)

Reseña: Retratando la relación que se forjó entre la reina Victoria y su sirviente indio Abdul, Victoria y Abdul ofrece una experiencia amena y simpática, que mantiene un agradable tono liviano y ofrece excelentes actuaciones; pero, a fin de cuentas, se termina sintiendo intrascendente y no muy memorable. Indudablemente me hizo pasar un buen rato mientras la miraba, pero el relato no ofrece la sustancia ni la profundidad suficientes para permanecer mucho en el recuerdo.

De todas maneras, no se puede negar que hay mucho para apreciar en Victoria y Abdul, desde la detallada reconstrucción de época hasta la dirección de Stephen Frears, tan elegante y precisa como siempre. Pero la principal razón para ver esta cinta son las brillantes actuaciones de la siempre sublime Judi Dench y de Ali Fazal, quien resultó una verdadera revelación, en los personajes principales, además de que comparten una perfecta química entre sí que nos hace creer inmediatamente en la relación que se forja entre ellos.

Ojalá todos esos atributos hubieran estado al servicio de un guión menos superficial y más profundo, pero, aún en su forma actual, Victoria y Abdul gana una mediana recomendación como una experiencia que quizás resulte algo vacua, pero que entretiene y dibuja una sonrisa en la audiencia con bastante frecuencia. En otras palabras, adecuada para pasar el rato, aunque eventualmente quede en el olvido casi instantáneo.

Thelma (2017)

Reseña: Thelma plantea una idea inusual y con amplio potencial, que se aleja un poco de lo que habitualmente encontramos en el género de terror. El problema es que no hace nada realmente interesante con ella. De manera casi inmediata, Thelma empieza a divagar sin poder encontrar un eje sólido y concreto, por lo que, cuando llegamos a la parte media, yo ya estaba aburrido y queriendo que la cinta terminara.

Además de sus divagues, Thelma peca de excesiva languidez. No me molesta cuando una película se toma su tiempo para desarrollar su narrativa, pero, en esta ocasión, la lentitud se transforma en indiferencia y, luego, en tedio, ya que no parece haber un genuino propósito para ella. Aún así, con todas esas quejas, es indudable que esta cinta ofrece algunos puntos positivos, tales como buenas actuaciones, prolijos aspectos técnicos y algunas secuencias visualmente interesantes.

De todas maneras, no puedo recomendar Thelma. Como película de terror, no genera la más mínima inquietud ni tensión; y como drama, el distante tono de la película me impidió establecer una conexión emocional con el personaje principal. Si quieren ver un relato fantástico con elementos de "coming of age", creo que Grave (2016) o (mejor aún) Criatura de la Noche (Låt den Rätte Komma In, 2008) son opciones mucho mejores. Y le deseo mejor suerte al cineasta Joachim Trier en su próximo proyecto; lo considero un director talentoso, pero, después de haber visto Thelma, creo que el terror no es lo suyo.

The Immigrant (2013)

Reseña: Creo que James Gray es uno de los más interesantes, y, al mismo tiempo, uno de los más menospreciados directores contemporáneos. Por eso, tenía bastante interés en ver en The Immigrant, la cual también contaba con el beneficio de contar con tres brillantes actores (Marion Cotillard, Joaquin Phoenix y Jeremy Renner) en su reparto. Y si bien la dirección de Gray y las actuaciones del mencionado trío resultaron predeciblemente impecables, el guión me pareció un poco flojo y decepcionante.

Pero, bueno, prefiero enfocarme primero en lo bueno. Al igual que en otras ocasiones, la dirección de Gray muestra una mano maestra para manejar el clasicismo. Cada escena de The Immigrant está impregnada de un aire épico que bebe mucho del cine clásico, y, en este caso, al tratarse de una cinta de época, eso resulta doblemente elocuente, ya que nos transporta inmediatamente a la ciudad de Nueva York en el año 1921, y podemos compartir más de cerca las tristes experiencias del personaje principal, una inmigrante recién llegada desde Polonia.

Sin embargo, las actuaciones son la principal razón para ver The Immigrant. El trabajo de Cotillard es realmente sublime; es increíble su capacidad de transmitir una gama tan amplia de expresiones utilizando tan solo su rostro y su mirada. Phoenix también logra una composición extraordinaria, logrando que su personaje resulte simultáneamente odioso y entrañable, mientras que la calidez y sincera humanidad proyectadas por Renner también son merecedoras de aplauso. No me explico porqué estos tres geniales trabajos fueron ignoradas por los Oscar... pero bueno, después recuerdo que premian actuaciones mediocres como las de Jennifer Lawrence en El Lado Luminoso de la Vida (Silver Linings Playbook, 2013) o Emma Stone en La La Land (2016), y ahí entiendo el tergiversado criterio de la Academia.

No obstante, a pesar de tantos halagos que acabo de verter en The Immigrant, debo volver al punto de que el guión no me dejó del todo satisfecho. Francamente, lo sentí un poco reiterativo, al mismo tiempo que no pude percibir una genuina progresión narrativa o emocional. A fin de cuentas, uno termina viendo todo el tiempo prácticamente lo mismo, en lugar de presenciar un relato que genuinamente va creciendo y desarrollándose a lo largo de su transcurso. Además de todo eso, también sentí que si no hubiera sido por la excelente dirección de Gray y las estupendas actuaciones, The Immigrant se hubiera acercado peligrosamente a territorio telenovelesco. Afortunadamente, las virtudes de esta cinta son tan buenas que eso no ocurrió, y, en mi humilde opinión, ellas bastan para hacer a The Immigrant merecedora de una mediana recomendación.

Ekipazh (2016)

Reseña: El "cine catástrofe" suele monopolizarlo Hollywood. Por eso, encontré interesante la cinta rusa Ekipazh, ya que encara las fórmulas y clichés de ese tipo de cine desde otra perspectiva, por lo que el resultado final es un producto que quizás no sea muy original, pero que nos permite apreciar cosas que ya vimos en muchas otras ocasiones desde una óptica diferente.

Para empezar, a diferencia de la gran mayoría de las películas hollywoodenses de catástrofes, en las cuales los personajes son genéricos y carente de la más mínima profundidad, Ekipazh se toma bastante tiempo (aproximandamente toda la primera hora) para presentarlos y desarrollarlos en detalle. Eso permite que la audiencia cree mayor empatía con ellos, y genuinamente se termine preocupando por su destino cuando deben enfrentarse al peligro.

Además, como los personajes principales son pilotos de aviones (quienes eventualmente tendrán que enfrentar una misión peligrosa), Ekipazh nos permite tener un interesante atisbo a esa profesión, y a los riesgos y situaciones complicadas que ellos deben enfrentar. Por lo demás, las secuencias de acción están magníficamente realizadas, y los actores hacen un muy buen trabajo en sus roles.

Después de tantos halagos, debo decir que Ekipazh carece de un indescriptible "algo" para hacerla realmente memorable. Escena por escena, es entretenida, y ocasionalmente genera buenos niveles de tensión; sin embargo, una vez que termina, se empieza a fundir rápidamente en el olvido, y eso quizás se deba a una falta de impacto general que le hubiera permitido mayor permanencia en el recuerdo. Aún así, Ekipazh no deja de ser una competente alternativa a los productos hollywoodenses de "cine catástrofe".

Cruising (1980)

Reseña: Antes que nada, debo hacer una advertencia: Cruising decepcionará a aquellos espectadores que deseen ver un thriller convencional estructurado en tres actos. Tomando como punto de partida a un policía que está tras la pista de un asesino serial cuyas víctimas son hombres homosexuales, el legendario director y guionista William Friedkin desarrolla un relato atmosférico y envolvente que deja muchas cosas abiertas a la interpretación y que no está interesado en dar respuestas, sino plantear estimulantes preguntas. Personalmente, aprecié mucho ese enfoque, porque siempre me gusta toparme con películas que no nos dan todo pre-digerido, sino que nos invitan a trabajar por nuestra cuenta y completar la historia en nuestras cabezas en base a las herramientas dadas.

Friedkin desarrolla una perfecta atmósfera a lo largo de la cinta, haciéndonos partícipes íntimo de un entorno sórdido y hasta "oculto", por lo cual la audiencia se termina sintiendo una especie de "voyeur" de las cosas que suceden en la pantalla. Además, la actuación de Al Pacino es sobria pero excelente, mostrando la gradual transformación de su personaje de manera tan sutil como efectiva. Por último, fue refrescante encontrar en el personaje principal a un policía que no es alcohólico, ni divorciado ni depresivo.

En conclusión, Cruising es una experiencia hipnótica, que quizás no sea del gusto de todos los paladares, pero que indudablemente muestra audacia y confía en la inteligencia de los espectadores, a diferencia de tantas otras cintas que nos toman de idiotas y tienen que dejarnos cada ínfimo detalle servido en bandeja (en este aspecto, no puedo evitar darle otro palo a ese esperpento llamado Perfectos Desconocidos -Perfetti Sconosciuti, 2016-). Muy recomendada para aquellos que busquen una película intensamente visceral que ofrece abundante material para despertar la mente.

Alexandra's Project (2003)

Reseña: Alexandra's Project es un buen ejemplo de cine minimalista realizado con talento e imaginación. Desarrollándose en unas pocas locaciones y con un reducido número de personajes, el director Rolf de Heer logra una apropiada atmósfera claustrofóbica y mantiene un dinámico lenguaje visual que ahuyenta todo rastro de monotonía o aburrimiento. Sin ser una película excepcional, Alexandra's Project es una demostración de que menos puede ser más en manos de un cineasta que sabe lo que hace.

El guión también es digno de mención, ya que se mantiene constantemente impredecible, y logra sabiamente jugar con nuestras expectativas y hasta con nuestra percepción de los personajes. Además, aprecié mucho los macabros toques de humor negro que el guión incorpora de vez en cuando, lo cual funciona como un apropiado remate de las dramáticas situaciones que presenciamos. Finalmente, las actuaciones son muy buenas, particularmente la de Gary Sweet en el personaje principal, demostrando una amplia gama expresiva con relativamente pocos diálogos (ya que, durante la mayor parte del tiempo, lo único que hace es reaccionar ante el video que la esposa le dejó como "regalo" de cumpleaños).

Por el lado negativo, creo que el final podría haber estado un poco mejor pulido. Eso no significa que no sea satisfactorio, pero hay algunos detalles que no se sienten muy creíbles, y demeritan un poco el realismo que la cinta generalmente sabe mantener. De todas maneras, Alexandra's Project es un ingenioso y entretenido thriller que merece recomendación como una experiencia inusual que logra despertar una amplia variedad de emociones en el espectador.

Eldorado (2008)

Reseña: Con una duración de 80 minutos (incluyendo créditos finales), Eldorado apenas califica como largometraje... y aún así se siente demasiado estirada. Tras unos primeros 15 minutos que parecen prometedores, la cinta se convierte en un divague absoluto, yendo de aquí para allá sin nunca encontrar un eje narrativo, por lo que la sensación final que queda es la de varias situaciones inconexas que fueron unidas entre sí sin ton ni son.

Es una lástima que eso suceda, porque las actuaciones de Bouli Lanners (quien también escribió y dirigió la película) y Fabrice Adde en los roles protagónicos son muy buenas, y ambos comparten una sólida química entre sí; me hubiera gustado ver sus desempeños actorales al servicio de un guión más satisfactorio.

Me temo que esta reseña me está quedando demasiado breve, pero Eldorado me pareció una película tan intrascendente y olvidable que no tengo mucho para decir. En mi humilde opinión, otra muestra de que hay algunas cintas a las cuales les queda demasiado grande ser largometrajes, cuando, en lugar de ello, podrían haber sido eficientes cortometrajes de 10 o 15 minutos.

Mi Nombre es Todo lo que Tengo (My Name is Joe, 1998)

Reseña: Mi Nombre es Todo lo que Tengo (¿Hacía falta asignarle un título tan aparatoso, cuando el original era tan sencillo y concreto?) tiene una primera parte bastante buena, en la que todo parecía indicar que estábamos ante un íntimo y emotivo drama con un personaje principal (un ex-alcohólico que trata de corregir algunas cosas en su vida) que crea inmediata empatía con el espectador. Hasta ese momento, Mi Nombre es Todo lo que Tengo me estaba pareciendo un relato sencillo pero efectivo, plagado de humanidad y corazón.

Lamentablemente, cuando llegamos a la parte media, se introduce un conflicto que parece injertado a la fuerza, y el sobrio tono del principio desaparece abruptamente con situaciones tiradas de los pelos que son la completa antítesis del creíble realismo que la película había cultivado previamente. Es una lástima que eso haya sucedido, porque la película me estaba gustando bastante, y ese repentino cambio me dejó un sabor amargo, por no mencionar que termina opacando varios méritos de la cinta.

Por el lado positivo, la actuación de Peter Mullan es extraordinaria de principio a fin. Es asombrosa su capacidad para hacer querible a su personaje de manera casi automática, y podemos deducir sus genuinas y sinceras emociones tan solo con sus sutiles expresiones. El resto del elenco también hace un buen trabajo, pero se ve un poco opacado por el tremendo trabajo de Mullan.

En conclusión, si Mi Nombre es Todo lo que Tengo hubiera mantenido el camino de su primera mitad, creo que podría haber sido una cinta poderosa y memorable. Pero, en su estado actual, sus logros se ven saboteados hasta cierto punto por una segunda mitad forzada y poco satisfactoria. De todas maneras, creo que la actuación de Mullan es tan buena que tan solo por él vale la pena darle una oportunidad a esta cinta.

Buffalo Soldiers (2001)

Reseña: Buffalo Soldiers intentó ser dos cosas al mismo tiempo: una sátira del mundo militar y un thriller sobre un grupo de soldados involucrado en actividades criminales. El problema es que, como sátira, no me pareció muy graciosa ni tiene nada particularmente revelador para decir; y como thriller, la trama no me resultó particularmente atrapante, además de que se torna ocasionalmente un poco confusa. El resultado final es una cinta que no me dejó muy satisfecho, aunque, por lo menos, no aburre y se deja ver con facilidad.

Como puede suponerse, Joaquin Phoenix brinda una sólida actuación en el rol principal, pero, por el otro lado, me costó crear empatía con su personaje. Eso no es una crítica al desempeño de Phoenix, sino al guión, el cual pinta al personaje de manera antipática y no muy agradable. Y, ya que me estoy quejando del guión, diré que padece algunos síntomas típicos de adapataciones de novelas, ya que algunos aspectos están observados muy por arriba, y no se profundiza en ellos lo suficiente.

En resumen, Buffalo Soldiers me pareció una película floja en muchos aspectos, aunque ofrece el nivel mínimo de entretenimiento para hacerla merecedora de una tenue recomendación. La idea central que dio origen a esta cinta (o, mejor dicho, a la novela en la cual se basó) ofrecía bastante potencial, pero, lamentablemente, Buffalo Soldiers se quedó corta, y la experiencia general me terminó dejando sabor a poco.

Last Night (1998)

Reseña: El enfoque que toma Last Night es indudablemente muy interesante: una película sobre el fin del mundo que no toma la forma de un mega-espectáculo repleto de efectos especiales, sino de un íntimo drama que retrata a un grupo de personas enfrentando sus últimas horas de vida antes de extinguirse.

La primera parte de la cinta establece muy bien la premisa, presentándonos interesantes personajes, sólidas actuaciones y un atractivo enfoque que logra salir de lo común. Sin embargo, la parte media se empantana un poco, tornándose un poco aburrida ya que no parecen haber grandes avances narrativos en lo que estamos viendo. Afortunadamente, esa floja parte media se compensa con la excelente conclusión, la cual alcanza inusitados niveles de emotividad y profundad, dejándonos con una sensación melancólica pero poderosa.

Lástima que la parte media no estuvo mejor pulida, ya que creo que, de esa manera, Last Night realmente podría haber sido una excelente película. No obstante, creo que hay suficientes elementos interesantes para hacer a Last Night merecedora de una recomendación, empezando por el novedoso punto de vista que adoptó el director y guionista Don McKellar (quien también interpreta uno de los roles protagónicos), mostrando al apocalipsis desde un punto de vista profundamente humano y emocional, en lugar de mostrarlo como un vacío espectáculo de destrucción y fastuosos efectos especiales.

Domicilio Desconocido (Suchwiin Bulmyeong, 2001)

Reseña: Al igual que otras películas escritas y dirigidas por Kim Ki-duk, Domicilio Desconocido retrata varias situaciones brutales y desesperanzadoras, pero con un cierto tono poético y hasta metafórico que les brinda una inusual fuerza. Eso es justamente lo que evita que sus cintas sean huecos muestrarios de sadismo, ya que terminan adquiriendo inesperados niveles de complejidad y lecturas. En otras palabras, Domicilio Desconocido es una cinta cruda y deprimente, pero vale la pena para aquellos espectadores en busca de una experiencia poderosa que deja un efecto duradero en el espectador.

La trama de Domicilio Desconocido se va dibujando gradualmente, presentándonos a múltiples personajes cuyas vidas irán convergiendo poco a poco. Eso provoca que la audiencia los conozca en profundidad, y vaya ganando una gradual inmersión en sus vidas y lo que los ocurre, hasta que finalmente podemos sentir la misma vorágine emocional que todos ellos van experimentando. Además, todos los actores hacen un sólido trabajo en sus roles, y la dirección de Kim se siente tan firme y segura como siempre.

En conclusión, Domicilio Desconocido es una película devastadora y con varias escenas que podrían desagradar a algunos espectadores. Eso quizás haga difícil recomendarla ampliamente, pero, como dije previamente, a mí me pareció una cinta arriesgada y admirable que indudablemente logra despertar emociones fuertes. Entre más cintas veo de Kim, más convencido estoy de que es un brillante cineasta que nunca toma el camino más fácil, y que sabe muy bien retratar crueldad de manera filosófica y profunda.

Love is Strange (2014)

Reseña: Love is Strange es la segunda película que he visto del director y guionista Ira Sachs (la primera fue Por Siempre Amigos -Little Men, 2016-), y aunque ambas son completamente diferentes en lo que respecta a sus tramas, tienen una característica en común: se enfocan en personas normales a quienes le pasan cosas cotidianas, y el enfoque realista que Sachs brinda como cineasta logra que el espectador logre identificarse fácilmente con lo que sucede en pantalla, y hasta llegar a preguntarse qué haría bajo circunstancias similares. En otras palabras, lo más atractivo de ambas películas es justamente su mundanidad.

Love is Strange tiene como personajes principales a una pareja de homosexuales, y cómo el despido del trabajo que uno de ellos sufre afecta sus vidas. Ambos resultan inmediatamente entrañables, y eso se debe en gran parte a las extraordinarias actuaciones de John Lithgow y Alfred Molina, quienes, además de su pefecto desempeño individual, también comparten una química tan buena entre sí que el espectador logra sentir la larga relación que une a sus personajes de manera inmediata.

La dirección de Sachs mantiene un tono discreto, pero muy efectivo, ya que no fuerza nada, y permite que el relato adquiera un tono sumamente natural que gradualmente logra compenetrar a la audiencia. El guión está bien escrito, ya que todo lo que ocurre en la historia se siente sumamente creíble y orgánico; mi única queja que tengo contra el libreto es que la parte media incluye algunos elementos innecesarios que no aportan mucho a la experiencia.

Afortunadamente, ese pequeño defecto se ve compensado con creces cuando llegamos al brillante final. Haciendo uso maestro del recurso narrativo de la elipsis, Sachs nos lleva a una conclusión que logra un potente efecto emocional, y lo más notable es que logra eso con buen gusto y una exquisita sutileza, sabiamente evitando la manipulación emocional en la que un cineasta menos talentoso seguramente hubiera caído. En conclusión, Love is Strange es una muy recomendable película que logra ser interesante sin apelar a clichés ni fórmulas narrativas, y emotiva sin apelar a ninguna cursilería ni sentimentalismo barato. Y con un final que funciona como genuina "cereza del postre.

Elementarteilchen (2006)

Reseña: Durante su primera mitad, Elementarteilchen me estaba encantando, ya que me parecía una experiencia rebosante de corrosivo y ácido humor negro, pero no por ello carente de profundidad narrativa y personajes plagados de matices. Y si bien la película nunca deja de ser entretenida e interesante, se vuelve un poco más "normal" durante su segunda mitad, abandonando la contagiosa e implacable energía previa para adoptar un tono más emocional. A fin de cuentas, Elementarteilchen es una buena película, y me gustó; sin embargo, la primera mitad parecía estar preparando el terreno para algo más memorable.

De todas maneras, indudablemente hay mucho para apreciar en Elementarteilchen, empezando por sus muy interesantes personajes, con quienes resulta muy fácil crear empatía debido a lo complejos y multi-dimensionales que se sienten. Los actores les hacen justicia con sus perfectos trabajos, destacando a Moritz Bleibtreu como el emocionalmente inestable Bruno, ya que tiene que manejar múltiples facetas, y lo logra con absoluta credibilidad. Finalmente, el director Oskar Roehler sabe mantener un ritmo ágil que envuelve rápidamente al espectador y ahuyenta todo rastro de aburrimiento.

Aunque la primera mitad de Elementarteilchen me hizo tener expectativas que la segunda mitad no logró cumplir, definitivamente disfruté esta inusual e impredecible cinta, que logra combinar comedia y drama de manera extraña pero satisfactoria, con el apoyo de un guión bien escrito, sólida dirección y excelentes actuaciones del elenco entero. Por todo ello, creo que Elementarteilchen gana con creces una merecida recomendación.

Submarine (2010)

Reseña: Mis expectativas antes de ver Submarine eran bajas, porque ya estoy un poco cansado de esas películas "indies" con personajes adolescentes, ya que suelen pecar de excesiva y forzada afectación, además de que suelen ser prácticamente intercambiables entre sí. Afortunadamente, Submarine resultó mejor de lo que esperaba, porque, aunque peque de algunos momentos algo afectados y preciosistas, logra ofrecer un cálido e interesante relato que encuentra un buen balance entre humor, melancolía y emotividad.

El director Richard Ayoade (más conocido como actor en algunos sitcoms británicos) mantiene un tono agradable y sincero que no deja el más mínimo lugar para el aburrimiento. El guión está basado en una novela, y ciertamente logró conservar un cierto aire literario, permitiéndonos ir conociendo a los personajes de manera gradual y profunda, aunque la narración termina teniendo una presencia algo excesiva, por lo que creo que podría haberse recortado un poco. Por último, tengo que mencionar las excelentes actuaciones del elenco entero, destacando a Craig Roberts, quien enfrenta con mucho éxito un personaje complejo y plagado de matices en el rol principal; Yasmin Paige, como la chica de la que él se enamora y le hace cambiar la perspectiva de algunas cosas de la vida; y Noah Taylor como el padre del protagonista, demostrando su asombrosa versatilidad al mostrar suma convicción en un personaje tierno y entrañable, que no tiene absolutamente nada que ver con la agresiva intensidad que este actor es capaz de transmitir (quienes lo hayan visto en la cinta Red, White & Blue -2010- sabrán de qué estoy hablando).

En conclusión, a pesar de mis bajas expectativas, terminé disfrutando Submarine, aunque, a largo plazo, no resultó experiencia muy memorable. De todas maneras, es una buena película, y amerita ser recomendada, principalmente porque, además de ofrecer un atractivo estilo, también posee suficiente sustancia narrativa para hacerla entretenida y emocional en igual medida.

Líbano (Lebanon, 2009)

Reseña: Líbano tomó un enfoque fascinante para retratar la guerra entre Israel y el Líbano allá por 1982. En lugar de presentarnos una visión épica de ese conflicto, nos muestra una faceta más íntima, enfocándose en unos pocos personajes que se encuentran dentro de un tanque de guerra. Sin embargo, eso no significa que la narrativa de la cinta se vea limitada; por el contrario, logra hacer muy certeros comentarios sobre la guerra, al mismo tiempo que podemos apreciar un apasionante relato que mantiene constante tensión y preocupación por el destino de los personajes, con quienes resulta muy fácil crear empatía.

El director Samuel Maoz logra una perfecta atmósfera de encierro y claustrofobia dentro de ese tanque de guerra, lo cual es parte esencial del gran efecto inmersivo que la cinta provoca en la audiencia. Los personajes se sienten sumamente humanos y creíbles, y los actores (entre los cuales se encuentra Itay Tiran, quien ya me había dejado muy buena impresión en la película Demon -2015-) hacen un trabajo brillante. Por último, no puedo dejar de mencionar el estilo crudo y realista con el cual Líbano fue realizado, el cual no tiene nada que ver con el artificio que solemos encontrar en el cine bélico hollywoodense, y hace que todo se sienta creíble y palpable.

En conclusión, Líbano es una excelente película, que maneja la narrativa y la tensión de manera tan precisa como certera. Además, fue refrescante finalmente encontrar una cinta bélica que logra mostrar las cosas desde un enfoque novedoso, menos grandilocuente de lo que estamos habituados a ver en este tipo de cine (y en mucho menos tiempo de lo usual, ya que dura solo 90 minutos, por lo que estamos ante una experiencia que va directo al grano, y que carece de todo relleno innecesario), y quizás por ello más intenso y devastador.

Mayhem (2017)

Reseña: Mayhem es una película que funciona mejor en concepto que en ejecución. La idea de realizar una sátira del mundo de las empresas envuelta en un paquete de película de terror era atractiva y novedosa, además de ofrecer amplio potencial de diversión y mordacidad. Sin embargo, Mayhem no logra ser realmente satisfactoria: como sátira, no es muy graciosa, principalmente porque el humor queda empañado por una trama excesivamente revuelta y confusa; y como cine de terror, genera indiferencia, ya que, a pesar de su abundante sangre, nunca genera tensión, mientras que los personajes son tan poco interesantes que no me importaba su destino.

Además, sentí al guión demasiado modular una vez que el caos se desata en la oficina (lo cual se debe a una infección del virus ID-7, el cual vuelve asesinos a todos los que se encuentran en ella); por momentos, la estructura era tan rígida que se acercaba peligrosamente a la de un videojuego: ir eliminando obstáculos para pasar al siguiente nivel. Como dije previamente, no logré crear empatía con ninguno de los personajes, pero, aún así, reconozco que el actor Steven Yeun hizo un buen esfuerzo en su rol. Por el otro lado, sentí a Samara Weaving algo irritante como su co-protagonista (por cierto, no sé por qué no pusieron en ese papel a la actriz Claire Dellamar -quien interpreta a una secretaria llamada Meg-, ya que, en su escaso tiempo en escena, demuestra mucho más talento histriónico y presencia escénica que Weaving).

En conclusión, Mayhem lamentablemente se quedó corta con respecto a todo lo que se podría haber hecho con su sólido concepto central, por lo que no podría recomendarla. En lo que respecta a "terror empresarial", prefiero la reciente cinta The Belko Experiment (2016), la cual contó con personajes más interesantes, mejor ritmo y una realización más "profesional" (la manufactura de Mayhem se siente demasiado "barata" en más de una ocasión).

Mundo Grúa (1999)

Reseña: Película clave en la formación del movimiento conocido como "Nuevo Cine Argentino", Mundo Grúa se enfoca en la vida cotidiana de un hombre de clase baja que trabaja como operador de grúas. Dicho así, no suena como una trama particularmente emocionante, pero la cinta logra ser interesante en la cotidianeidad de los hechos que retrata, los cuales resultan sumamente realista y creíbles. En otras palabras, una sólida "rebanada de vida", que logra hacernos compartir la vida del Rulo, un personaje principal que termina resultando entrañable y con el cual resulta fácil sentirse identificado.

La cinematografía en blanco y negro es un elemento esencial de Mundo Grúa, ya que le brinda una atmósfera muy particular y permite que el espectador logre sumergirse mejor en el mundo de la cinta. Sin desear ponerla en ese elevado pedestal, Mundo Grúa me recordó ocasionalmente a Extraños en el Paraíso (Stranger Than Paradise, 1984), aquella obra maestra de Jim Jarmusch. Además de haber sido fotografiadas en blanco y negro, ambas también nos permiten ser "voyeurs" en la vida cotidiana de personajes a los que resulta interesante seguir e ir descubriendo paulatinamente.

Por el lado negativo, debo decir que sentí una cierta pérdida de ritmo y enfoque narrativo durante el último acto de Mundo Grúa. Nunca se me tornó aburrida, pero se siente un poco estirada y redundante durante su último tramo. Pero, por lo demás, Mundo Grúa es indudablemente una buena película, y una muestra de cine independiente realizado con genuino talento que termina compensando en gran medida sus limitaciones económicas. Además, funciona como demostración de que hasta la historia más sencilla puede resultar atrapante si se encuentra la manera adecuada para contarla.

Cloud Atlas: La Red Invisible (Cloud Atlas, 2012)

Reseña: Uf... me va a costar trabajo escribir la reseña sobre Cloud Atlas: La Red Invisible. En primer lugar, porque esta una de esas cintas que deben ser experimentadas, en lugar de descriptas; y en segundo lugar, porque esta película me produjo reacciones dispares y contradictorias. En otras palabras, Cloud Atlas: La Red Invisible me pareció ocasionalmente fascinante; en otros momentos, la encontré cansada; a veces, me pareció profunda; y en otras ocasiones, me pareció excesivamente pretenciosa (particularmente cuando pretende ponerse "filosófica"). De todas maneras, es innegable que esta cinta ofrece una experiencia audaz e inusual que merece el apoyo de todos aquellos cinéfilos que busquen encontrarse con algo distinto.

Los co-directores Andy y Lana Wachowski y Tom Tykwer lograron conjurar un potente estilo visual, el cual genuinamente logra transportarnos al mundo de Cloud Atlas: La Red Invisible. Sin embargo, y continuando con las contradictorias sensaciones que me produjo esta película, hay varios momentos que la cinta se torna demasiado expositiva; creo que se podría haber recortado un poco las abundantes narraciones que escuchamos durante la experiencia, y de esa manera, dejar que las elocuentes imágenes hablaran por sí solas. Y ya que me estoy quejando, diré que el final de Cloud Atlas: La Red Invisible me dejó con ganas de un poco más; a pesar de durar casi tres horas, la sensación final que me quedó fue de una extraña incompletitud (o, mejor dicho, creo que faltó un remate más contundente para todo lo que habíamos visto anteriormente).

Cloud Atlas: La Red Invisible sigue múltiples historias ubicadas en diferentes períodos y lugares, y además de eso, tienen la particularidad de ofrecernos a los mismos actores interpretando diferentes personajes en cada una de ellas. Creo que el elenco hizo un buen trabajo, ya que Tom Hanks, Halle Berry, Hugh Grant, Doona Bae, Jim Sturgess, Ben Whishaw, Jim Broadbent y Hugo Weaving asumen con credibilidad los variados cambios de tono que los diferentes relatos adoptan.

A fin de cuentas, creo que Cloud Atlas: La Red Invisible no tuvo éxito total en lo que se propuso lograr, pero aún así, admiré la enorme ambición y épica visión de esta película, por lo que, en mi humilde opinión, la balanza cae del lado positivo. Siempre hay que apoyar este tipo de cine que toma riesgos y nos ofrece algo diferente, incluso si el resultado no es totalmente satisfactorio. Siempre será preferible una película que apuntó demasiado alto y se quedó corta de ese objetivo, que otra que no aspiró a nada y se quedó en la fácil y segura mediocridad.

La Estafa de los Logan (Logan Lucky, 2017)

Reseña: El principal problema de las películas sobre robos (también conocidas como "heist movies") es que suelen caer en las mismas fórmulas y estructuras, lo cual las hace generalmente predecibles y rutinarias. Desafortunadamente, ese es el caso de La Estafa de los Logan, la cual, a pesar de ofrecer algunos atributos, la encontré demasiado derivativa para sentir genuino entusiasmo por ella. También cabe aclarar que esta cinta fue encarada en tono de comedia... lamentablemente, debo decir que tampoco la encontré muy graciosa ni particularmente simpática.

A pesar de todas esas quejas, La Estafa de los Logan se deja ver, principalmente porque el director Steven Soderbergh sabe mantener un buen ritmo y una atractiva presentación visual incluso con un guión flojo como el de esta película. Además, las actuaciones también me parecieron buenas (aunque sentí algo desperdiciado al gran Adam Driver), destacando a Daniel Craig, completamente creíble en un rol que no tiene absolutamente nada que ver con James Bond (ojalá lo viéramos más seguido actuando fuera de esa franquicia).

Sin embargo, y como dije previamente, me cuesta sentir verdadero entusiasmo ante La Estafa de los Logan, por lo que no siento que pueda recomendarla, sobre todo cuando hay muchas "heist movies" que fueron inmensamente superiores a esta (sin ir más lejos, este año pudimos disfrutar de la estupenda Baby Driver). En resumen, no puedo decir que sea una mala película, pero la encontré olvidable y poco satisfactoria.

La Posesión de Verónica (Verónica, 2017)

Reseña: La Posesión de Verónica (por alguna razón, los distribuidores argentinos decidieron alargar el título de esta película española) contiene muchos elementos típicos del cine de terror sobre espíritus y posesión demoníaca, por lo que varios elementos de su guión (basado en hechos reales, por cierto) dejan una cierta sensación de "deja vu". Quizás por eso, la primera mitad de La Posesión de Verónica no me estaba resultando particularmente atrapante, pero, afortunadamente, la experiencia mejora bastante durante la segunda mitad, en donde la implacable dirección de Paco Plaza gana abundante ritmo hasta llevarnos a una conclusión tensa y adrenalínica.

Por el lado negativo, creo que el guión descuidó un poco el desarrollo del personaje principal, ya que nunca logra crear verdadera empatía con la audiencia, y eso se debe a que el relato no nos permite conocer lo suficiente sobre ella. Afortunadamente, la excelente actuación de Sandra Escacena (haciendo un muy promisorio debut actoral) logra contrarrestar ese defecto hasta cierto punto, pero, de todas maneras, me pareció la principal debilidad de esta película.

A pesar de mis quejas, La Posesión de Verónica jamás me aburrió, y me mantuvo atento de principio a fin... aunque en ningún momento me pareció una experiencia particularmente apasionante ni escalofriante, lo cual la hizo rápidamente olvidable en mi experiencia personal. A pesar de ello, creo que sus atributos (principalmente la actuación de Escacena y la segunda mitad) son lo suficientemente buenos para hacerla meritoria de una mediana recomendación, además de ofrecer una competente alternativa al cine de terror sobrenatural que Hollywood habitualmente monopoliza.

68 Kill (2017)

Reseña: 68 Kill es una película dividida en tres partes bien diferenciadas. En la primera, se establece la premisa inicial (el protagonista está de novio con una "femme fatale" que lo convence de participar en el robo de 68.000 dólares), e inicialmente me molestó un poco la falta de verosimilitud y consistencia en algunos elementos de dicha premisa, pero eventualmente comprendí que 68 Kill no pretendía ser un thriller "serio" y realista, sino una negrísima comedia plagada de violencia, sordidez y sensualidad. La segunda parte se desencadena con la ocurrencia de algunos eventos inesperados, pero fue la que menos me gustó, ya que, si bien no se torna jamás aburrida, pierde un poco de ritmo y emoción. Afortunadamente, esos problemas quedan compensados hasta cierto punto cuando llegamos a la tercera parte, en la cual nos encontramos con giros narrativos tan bizarros como inesperados así como también deliciosos momentos "gore".

A fin de cuentas, el balance general cae del lado positivo, ya que, sin ser algo particularmente notable, 68 Kill indudablemente logró ser una divertida experiencia que logra hacer reír con sus delirantes situaciones, así como también mantener el interés del espectador a base de un guión que siempre termina tomando las tangentes menos esperadas. Matthew Gray Gubler hace un buen trabajo en el papel protagónico, transmitiendo la docilidad de su personaje con convicción y creando empatía con la audiencia. Y ya que estoy hablando de actuaciones, no puedo dejar de mencionar la presencia femenina, la cual es muy importante para el tapiz narrativo de 68 Kill. AnnaLynne McCord (como la mencionada novia) y Sheila Vand (en un rol del cual no conviene adelantar nada) brindan perfectas actuaciones, encontrando un preciso balance entre locura y genuinas emociones; por el otro lado, Alisha Boe (en un papel del cual tampoco conviene decir nada) se siente demasiado insulsa en su rol, el cual creo que hubiera ganado mucho con una actriz más sólida y con presencia más fuerte.

A fin de cuentas, 68 Kill dista mucho de ser una gran película, y no es una experiencia muy memorable a largo plazo. Pero no puedo negar que me divertí mientras la veía, y creo que es una cinta apropiada para relajarse y simplemente dejarse llevar por sus senderos de sangre, sexo y humor negro, sin esperar particular profundidad narrativa ni mucho menos sutileza. Ojalá el director y guionista Trent Haaga vuelva a incursionar en este tipo de cine "grindhouse" en el futuro, ya que ha demostrado buena mano para este tipo de material en 68 Kill.

Fuera de Satán (Hors Satan, 2011)

Reseña: Fuera de Satán se siente como una pesadilla de la cual no podemos despertar. Las locaciones, los rostros de los actores, la enrarecida atmósfera conjurada por el director Bruno Dumont... todo parece sacado de una pesadilla en la que podemos sentir que algo horrible está por suceder, y no podemos hacer nada para evitarlo. Esta es una cinta con escasos diálogos, y quizás decepciones a aquellos espectadores que busquen un relato contado de manera convencional... pero creo que vale la pena para aquellos cinéfilos que estén con ganas de adentrarse en terreno tan inusual como macabro.

Si bien Fuera de Satán es una película de pocos diálogos, es muy interesante la manera en la cual Dumont trabaja con las imágenes, de manera tal que ellas mismas las encargadas de transmitirnos todo lo que necesitamos saber. El lenguaje visual, las transiciones entre escenas y las elipsis están manejadas de manera natural y eficiente, por lo que la decisión de mantener los diálogos al mínimo fue sabia, porque hubieran salido sobrando. Por el lado negativo, la languidez empleada por Dumont se siente algo excesiva en algunas ocasiones; entiendo que ese es el ritmo precisamente buscado, y generalmente cumple con el objetivo de sumergir al espectador en la experiencia, pero hay algunos momentos que se acercan peligrosamente al aburrimiento.

Aún así, Fuera de Satán me pareció una experiencia interesante en el balance general, principalmente porque no es habitual encontrarse con una cinta tan extraña y enigmática como esta, pero que al mismo tiempo se siente cuidadosamente armada y precisamente ejecutada. Como dije anteriormente, esta no es una película que será para todos los paladares, pero puedo recomendarla con confianza para aquellos que generalmente aprecien este tipo de cine que está más interesado en plantear inquietantes preguntas que en brindar fáciles respuestas.